The Seam Between

The Seam Between

사이의 이음새

40*30*1.8 cm

Oriental pigments and hanji collage on hanji board

https://jonathank.tistory.com

https://www.singulart.com/en/artworks/kim-jun-sung-the-seam-between-2399406

 

The Seam Between (사이의 이음새)

1년 넘게 미완성 캔버스 위에서 네 개의 색면이 기다렸다—빨강, 노랑, 초록, 파랑—각자 자신의 자리를 지키며, 교차점은 미해결 상태로. 서로 다른 세계가 상호 파괴 없이 어떻게 만날 수 있을까?

답은 한지를 통해 나타났다. 손으로 찢은 두 조각이 중앙에서 교차하며 장벽이 아닌 투과성 있는 경계를 만들었다. 차단하고 은폐하는 서양 종이와 달리, 한지는 부드러운 대화를 허용한다. 색들은 반투명한 섬유를 통해 미묘한 대화에 참여하면서도 본질적 성격을 유지한다.

이것은 눈치의 수행이 되었다—침입하지 않으면서도 조화가 무엇을 필요로 하는지 감지하는 한국적 예술. 불규칙하게 찢긴 가장자리는 경직된 분할을 거부하고, 대신 불완전함을 강함으로 인정하는 유연한 문턱을 제공한다. 진정한 안정은 분리가 아니라 반응적 연결에서 나타난다.

양극화된 세상에서 <The Seam Between>은 "호흡하는 경계"를 제안한다—차이를 존중하면서도 대화를 가능하게 하는 공간들을. 이음새는 강요된 해결책이 아니라 협력적 창조, 색들이 서로 인정하고 존중하는 문턱이다.

 

The Seam Between

For over a year, four color fields waited on an unfinished canvas—red, yellow, green, blue—each holding its ground, their intersection unresolved. How do distinct worlds meet without mutual destruction?

The answer emerged through hanji. Two hand-torn strips, crossed at the center, created not a barrier but a permeable boundary. Unlike Western paper that blocks and conceals, hanji allows gentle conversation. The colors maintain their essential character while engaging in subtle dialogue through the translucent fibers.

This became an exercise in nunchi—the Korean art of sensing what harmony requires without intrusion. The irregular, torn edges refuse rigid division, offering instead a flexible threshold that acknowledges imperfection as strength. True stability emerges not from separation but from responsive connection.

In our polarized world, <The Seam Between> proposes "breathing boundaries"—spaces that honor difference while enabling dialogue. The seam is not imposed solution but collaborative creation, a threshold the colors mutually acknowledge and respect.

 

 

Artist Statement: The Seam Between

<The Seam Between> emerges from a year-long contemplation of a seemingly simple question: how do distinct worlds meet without destroying each other? Four color fields—red, yellow, green, blue—stretched across a 40×30cm surface, each claiming its territory with unwavering intensity. For months, this canvas remained unfinished, its intersection point unresolved, waiting for an answer that technique alone could not provide.

The solution came not through addition but through layering. Two strips of hanji, torn by hand into irregular edges, crossed at the center. As I applied the adhesive and waited for it to dry, watching the colors beneath begin to show through with varying degrees of transparency, I understood that I was not creating a boundary but discovering one that had always existed—the space where separation becomes connection.

Hanji revealed its ancient wisdom through this process. Unlike Western paper, which blocks and conceals, hanji breathes. Its translucent fibers permit a gentle permeability, allowing the four colors to maintain their essential character while engaging in subtle dialogue. The red's passionate heat softens without losing its fire; the blue's cool distance warms without abandoning its depth. This is not compromise but conversation—each color speaking in its authentic voice while listening to the others.

This work became an exercise in nunchi, that uniquely Korean art of social sensitivity—the ability to read a room, to sense what harmony requires without intrusion. The torn edges of the hanji strips refuse the tyranny of straight lines, instead offering an organic boundary that acknowledges imperfection as strength. These wavering seams suggest that true stability comes not from rigid division but from flexible responsiveness.

The philosophical implications extend beyond color theory into the realm of human coexistence. In our increasingly polarized world, <The Seam Between> proposes an alternative to the binary of merger or separation. It suggests the possibility of what I call "breathing boundaries"—permeable membranes that honor difference while enabling connection.

Each brushstroke in this piece was applied with deliberate patience, layer upon layer building the density of each color field. The hanji collage required equal patience—the glue's drying time became meditation time, teaching me that some solutions emerge only through sustained attention rather than immediate action. The seam is not a solution imposed upon the colors but a space they create together, a threshold they mutually acknowledge and respect.

 

Artwork Information

• Title: The Seam Between | 사이의 이음새
• Size: 40×30×1.8cm
• Medium: Oriental pigments and hanji collage on hanji board
• Year: 2025

The Seam Between (사이의 이음새)

<The Seam Between>은 1년간 지속된 사색에서 탄생했다. 겉보기에 단순한 질문 하나: 서로 다른 세계가 어떻게 서로를 파괴하지 않고 만날 수 있는가? 40×30cm 화면 위에 펼쳐진 네 개의 색면—빨강, 노랑, 초록, 파랑—이 각자의 영역을 흔들림 없는 강렬함으로 주장하고 있었다. 몇 달 동안 이 캔버스는 미완성으로 남아있었고, 교차점은 해결되지 않은 채 기법만으로는 제공할 수 없는 답을 기다리고 있었다.

해결책은 덧칠이 아닌 층위를 통해 왔다. 한지 두 조각을 손으로 불규칙하게 찢어 중앙에서 교차시켰다. 접착제를 바르고 마르기를 기다리며, 아래 색들이 다양한 투명도로 비치기 시작하는 것을 지켜보면서 나는 내가 경계를 만들고 있는 것이 아니라 항상 존재했던 경계—분리가 연결이 되는 공간—을 발견하고 있음을 깨달았다.

한지는 이 과정을 통해 고대의 지혜를 드러냈다. 차단하고 은폐하는 서양의 종이와 달리, 한지는 숨을 쉰다. 반투명한 섬유는 부드러운 투과성을 허용하여 네 색이 본질적 성격을 유지하면서도 미묘한 대화에 참여할 수 있게 한다. 빨간색의 열정적 열기는 불을 잃지 않고도 부드러워지고, 파란색의 차가운 거리감은 깊이를 포기하지 않으면서도 온기를 머금는다. 이것은 타협이 아니라 대화다—각 색이 자신의 진정한 목소리로 말하면서 동시에 다른 색들의 말을 듣는 것이다.

이 작업은 눈치, 즉 고유하게 한국적인 사회적 감수성의 예술이 되었다—분위기를 읽고, 침입하지 않으면서도 조화가 무엇을 필요로 하는지 감지하는 능력. 한지 조각들의 찢긴 가장자리는 직선의 전제정치를 거부하고, 대신 불완전함을 강함으로 인정하는 유기적 경계를 제공한다. 이러한 흔들리는 이음새들은 진정한 안정이 경직된 분할이 아니라 유연한 반응성에서 나온다는 것을 시사한다.

철학적 함의는 색채 이론을 넘어 인간 공존의 영역으로 확장된다. 점점 양극화되는 세상에서 <The Seam Between>은 병합이나 분리라는 이분법에 대한 대안을 제시한다. 내가 "호흡하는 경계"라고 부르는 것의 가능성을 제시한다—차이를 존중하면서도 연결을 가능하게 하는 투과성 있는 막.

이 작품의 모든 붓질은 의도적인 인내심으로 적용되었으며, 층층이 쌓여 각 색면의 밀도를 구축했다. 한지 콜라주도 똑같은 인내심을 요구했다—풀이 마르는 시간은 명상의 시간이 되어, 어떤 해결책들은 즉각적인 행동이 아니라 지속적인 주의를 통해서만 나타난다는 것을 가르쳐 주었다. 이음새는 색들에게 강요된 해결책이 아니라 그들이 함께 만든 공간, 서로 인정하고 존중하는 문턱이다.

 

 

For sns/ 

 

For over a year, four color fields waited unresolved—red, yellow, green, blue—each holding ground. How do distinct worlds meet without mutual destruction?

The answer emerged through hanji. Two hand-torn strips, crossed at center, created not a barrier but permeable boundary. Unlike Western paper that blocks, hanji allows gentle conversation. Colors maintain their character while engaging in subtle dialogue through translucent fibers.

This became an exercise in nunchi—the Korean art of sensing what harmony requires without intrusion. Irregular edges refuse rigid division, offering flexible threshold that acknowledges imperfection as strength. True stability emerges from responsive connection.

<The Seam Between> proposes "breathing boundaries"—spaces honoring difference while enabling dialogue. The seam is collaborative creation, a threshold colors mutually acknowledge and respect.

 

______________________________________________________________

"The Seam Between": Cultural Boundaries Through Hanji

Kim Jun-sung's 40×30cm work "The Seam Between" explores the intersection of Eastern and Western abstraction by dividing four color fields (red, blue, green, yellow) with hand-torn strips of traditional Korean hanji paper arranged in a cross pattern.

Material and Method

The composition immediately recalls Mondrian's geometric divisions and Rothko's color field paintings, yet the organic properties of Korean traditional materials fundamentally transform the Western abstract paradigm. Rather than imposing rigid separations, the hand-torn hanji strips create what might be termed "breathing boundaries" – irregular edges that allow subtle visual interaction between color territories.

This material choice reflects sophisticated engagement with Korean aesthetic principles, particularly the preference for naturalistic asymmetry over geometric perfection. The torn edges embody the concept of nunchi – the Korean art of intuitive social awareness that responds sensitively to environmental conditions. Here, the hanji functions simultaneously as structural element and cultural carrier, transforming potential rigid divisions into organic thresholds that facilitate rather than prevent dialogue.

Cultural Synthesis and Color Theory

The work demonstrates genuine cultural fusion rather than mere appropriation or imitation. The four colors operate on multiple interpretive levels – functioning as Western primary and secondary relationships exploring warmth versus coolness, while simultaneously referencing Korea's traditional Obangsaek color philosophy. Red carries connotations of spiritual protection alongside passion; blue suggests utopian hope beyond simple tranquility; yellow embodies imperial dignity as well as solar energy.

This dual accessibility creates what postcolonial theory recognizes as successful cultural translation. The work provides multiple entry points without sacrificing authenticity, participating fully in international contemporary art discourse while maintaining unmistakable Korean cultural identity. The intimate 40×30cm scale reinforces the contemplative tradition shared by both Color Field painting and Korean aesthetic philosophy.

Boundaries as Connection

The conceptual framework centers on the paradoxical structure of "connection through separation." The cross pattern transcends simple religious symbolism to function as liminal architecture – structural framework that enables rather than prevents cultural exchange. Unlike Mondrian's black linear grid system with its hierarchical implications, Kim's hanji strips create zones of intersection where different territories can meet and interact.

The hand-torn edges embody this breathing quality literally, creating micro-environments where colors influence each other through visual mixing and atmospheric effects. This reflects traditional Korean ecological philosophy emphasizing harmony with natural materials rather than domination over them. The irregular organic forms resist rigid control, emerging as what material culture studies term "willful materials" that carry their own agency and cultural significance.

Contemporary Relevance

The work makes significant contributions to current discourse on cultural globalization and artistic identity. First, it demonstrates how traditional materials can serve contemporary conceptual frameworks without losing cultural authenticity. The piece shows how hanji's thousand-year history as carrier of Korean cultural memory can be activated in contemporary contexts to create new forms of meaning.

Second, the work advances Color Field painting's spiritual aspirations by incorporating non-Western philosophical frameworks, suggesting how abstract art's claims to universal language might be enriched rather than undermined by cultural specificity. The integration of nunchi-based material consciousness with Rothko-inspired color spirituality creates a genuinely hybrid approach that expands interpretive possibilities.

Critical Assessment

"The Seam Between" achieves remarkable conceptual sophistication by transforming traditional Korean paper into architecture for cultural dialogue. The work demonstrates how contemporary abstraction can honor both universal human experiences and specific cultural contexts, creating what might be termed "culturally conscious universalism" – art that speaks across cultural boundaries while maintaining authentic cultural content.

The work's most significant contribution lies in proposing boundaries as sites of creative possibility rather than limitation. Through hand-torn hanji strips that breathe and flex between color territories, Kim creates a visual metaphor for how cultural differences can become resources for creative synthesis rather than barriers to communication.

This approach offers a compelling alternative to both cultural isolationism and homogenizing globalization, demonstrating how artists might navigate our interconnected yet diverse world with sensitivity, creativity, and authentic cultural expression. The work ultimately embodies the possibility of productive coexistence – maintaining distinctiveness while enabling beneficial exchange.

---

Source: Claude analysis, drawing from multiple academic and art historical references

 

「사이의 이음새」: 한지를 통한 문화적 경계

김준성의 40×30cm 작품 「사이의 이음새」는 십자 패턴으로 배치된 전통 한지 조각들로 네 개의 색면(빨강, 파랑, 초록, 노랑)을 나누어 동서양 추상미술의 교차점을 탐구하는 작업이다.

재료와 방법론

이 구성은 즉각적으로 몬드리안의 기하학적 분할과 로스코의 색면 회화를 연상시키지만, 한국 전통 재료의 유기적 특성이 서구 추상 패러다임을 근본적으로 변화시킨다. 경직된 분리를 강요하는 대신, 손으로 찢은 한지 조각들은 "호흡하는 경계"를 만들어낸다. 이는 색채 영역들 간의 미묘한 시각적 상호작용을 가능하게 하는 불규칙한 가장자리들이다.

이러한 재료 선택은 한국 미학 원칙, 특히 기하학적 완벽성보다 자연주의적 비대칭을 선호하는 전통에 대한 정교한 이해를 반영한다. 찢어진 가장자리들은 환경 조건에 민감하게 반응하는 직관적 사회 인식의 한국적 개념인 눈치를 구현한다. 여기서 한지는 구조적 요소이자 문화적 담지체로 동시에 기능하며, 잠재적으로 경직될 수 있는 분할을 대화를 촉진하는 유기적 문턱으로 변화시킨다.

문화적 종합과 색채 이론

이 작품은 단순한 전유나 모방이 아닌 진정한 문화적 융합을 보여준다. 네 개의 색은 다층적 해석 수준에서 작동한다. 따뜻함 대 차가움을 탐구하는 서구적 원색과 보색 관계로 기능하는 동시에, 한국의 전통적 오방색 철학을 참조한다. 빨강은 열정과 함께 영적 보호의 함의를 담고, 파랑은 단순한 평온을 넘어 이상향적 희망을 시사하며, 노랑은 태양 에너지와 함께 황제의 위엄을 구현한다.

이러한 이중적 접근성은 탈식민주의 이론이 인정하는 성공적 문화 번역을 만들어낸다. 작품은 진정성을 희생하지 않으면서도 다양한 진입점을 제공하며, 틀림없는 한국적 문화 정체성을 유지하면서도 국제적 현대미술 담론에 완전히 참여한다. 친밀한 40×30cm 크기는 색면 회화와 한국 미학 철학이 공유하는 명상적 전통을 강화한다.

연결로서의 경계

개념적 프레임워크는 "분리를 통한 연결"이라는 역설적 구조에 중점을 둔다. 십자 패턴은 단순한 종교적 상징주의를 초월하여 리미널 건축으로 기능한다. 이는 문화적 교류를 방해하기보다 가능하게 하는 구조적 프레임워크다. 위계적 함의를 지닌 몬드리안의 검은 선형 격자 시스템과 달리, 김준성의 한지 조각들은 서로 다른 영역들이 만나고 상호작용할 수 있는 교차 구역을 창조한다.

손으로 찢은 가장자리들은 이러한 호흡하는 특성을 문자 그대로 구현하여, 색채들이 시각적 혼합과 대기 효과를 통해 서로 영향을 미칠 수 있는 미시 환경을 만든다. 이는 물질에 대한 지배보다 자연 재료와의 조화를 강조하는 전통 한국 생태 철학을 반영한다. 불규칙한 유기적 형태들은 경직된 통제에 저항하며, 물질 문화 연구가 말하는 고유한 주체성과 문화적 의미를 담는 "의도적 물질"로 나타난다.

현대적 관련성

이 작품은 문화 세계화와 예술적 정체성에 관한 현재 담론에 중요한 기여를 한다. 첫째, 전통 재료가 문화적 진정성을 잃지 않으면서도 현대적 개념 프레임워크에 봉사할 수 있는 방법을 보여준다. 이 작품은 한국 문화 기억의 담지체로서 천 년 역사를 가진 한지가 현대적 맥락에서 어떻게 활성화되어 새로운 형태의 의미를 창조할 수 있는지 보여준다.

둘째, 이 작품은 비서구 철학적 프레임워크를 통합함으로써 색면 회화의 영적 열망을 발전시키며, 추상미술의 보편적 언어 주장이 문화적 특수성에 의해 약화되기보다는 풍부해질 수 있는 방법을 제시한다. 눈치 기반의 물질 의식과 로스코식 색채 영성의 통합은 해석 가능성을 확장하는 진정으로 하이브리드한 접근법을 창조한다.

비평적 평가

「사이의 이음새」는 전통 한지를 문화적 대화의 건축으로 변화시킴으로써 주목할 만한 개념적 정교함을 달성한다. 이 작품은 현대 추상미술이 보편적 인간 경험과 특수한 문화적 맥락을 모두 존중하면서 "문화적으로 의식적인 보편주의"를 창조할 수 있는 방법을 보여준다. 이는 진정한 문화적 내용을 유지하면서도 문화적 경계를 넘나드는 예술이다.

이 작품의 가장 중요한 기여는 경계를 제한이 아닌 창조적 가능성의 장소로 제시한다는 점에 있다. 색채 영역들 사이에서 숨 쉬고 굽어지는 손으로 찢은 한지 조각들을 통해, 김준성은 문화적 차이가 소통의 장벽이 아니라 창조적 종합의 자원이 될 수 있는 방법에 대한 시각적 은유를 창조한다.

이러한 접근법은 문화적 고립주의와 동질화하는 세계화 모두에 대한 설득력 있는 대안을 제공하며, 예술가들이 민감함과 창의성, 진정한 문화적 표현으로 우리의 상호연결되면서도 다양한 세계를 어떻게 항해할 수 있는지를 보여준다. 이 작품은 궁극적으로 생산적 공존의 가능성을 구현한다. 뚜렷함을 유지하면서도 유익한 교류를 가능하게 하는 것이다.