Areas, Textures & Sensations. 01

Areas, Textures & Sensations. 01

From Varieties of Shapes & Colors to Areas, Textures & Sensations
각양각색(各樣各色)에서 각면각질각감(各面各質各感)으로

53*41*1.7 cm (10P)

Hand-torn Korean paper collage painted with Oriental pigments on hanji canvas

https://jonathank.tistory.com  

https://www.singulart.com/en/artworks/kim-jun-sung-areas-textures-sensations-01-2401473

 

Areas, Textures & Sensations no.1

한지의 결은 붉은색을 가슴에 품고, 때론 몸을 찢어내어 숨겨진 그림자를 드러낸다. 종이는 그저 배경이 아니라 색채의 운명을 쓰는 주체다. 모든 우연한 번짐과 찢김은 물질이 스스로 존재를 증명하는 필연적 언어다.

 

Areas, Textures & Sensations no.1

The hanji's grain either holds red close or tears itself open to reveal a hidden shadow. Paper is no mere backdrop—it is the author of color's destiny. Every accidental bleed and tear is a necessary language through which matter proves its own existence.

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 Personal Version 

 

작품정보
제목: 각양각색(各樣各色)에서 각면각질각감(各面各質各感)으로
영제: From Varieties of Shapes & Colors to Areas, Textures & Sensations
시리즈: 각양각색(各樣各色) / Varieties
재료: Hand-torn Korean paper collage painted with Oriental pigments on hanji canvas
크기: 10P 각 (53.0 × 41.0 cm)
연도: 2025

 

각양각색에서 각면각질각감으로

작품의 제목 자체가 저의 작업이 어떻게 발전해왔는지를 보여줍니다. "각양각색"은 다양한 모양과 색깔을 탐구하는 작업이었다면, "각면각질각감"은 그보다 더 깊이 들어가서 각기 다른 면적, 각기 다른 질감, 각기 다른 감각을 탐구하는 작업입니다. 단순히 눈에 보이는 것의 차이에서 실제로 만질 수 있고 느낄 수 있는 물질적 차이로 관심이 옮겨간 것입니다.

이번 연작은 서로 다른 두께의 한지를 손으로 찢어서 콜라주로 구성한 작업입니다. 여기서 가장 흥미로운 발견은 한지의 두께에 따라 동양화 물감이 완전히 다르게 반응한다는 것이었습니다. 두꺼운 한지는 물감을 표면에만 머금어서 뒷면은 거의 흰색으로 남지만, 얇은 한지는 물감이 완전히 스며들어서 뒷면도 색이 나타납니다. 이것이 제목에서 말하는 "각면(各面)" - 각기 다른 면적들의 개념입니다. 같은 빨간색이라도 두께에 따라, 앞면인지 뒷면인지에 따라 완전히 다른 느낌을 주는 거죠.

저는 이 현상을 "색 한지의 분화"라고 부릅니다. 하나의 색이 한지라는 재료를 만나면서 여러 개의 다른 개성을 갖게 되는 현상입니다. 넓은 면적에는 주로 진하게 칠해진 앞면을 사용하고, 좁은 띠 모양의 조각들에는 은은하게 색이 배어든 뒷면을 앞으로 하여 붙였습니다. 그러면 같은 색상 안에서도 진함과 연함, 불투명함과 반투명함의 미묘한 변화가 나타납니다.

"각질(各質)" - 각기 다른 질감 - 은 한지를 손으로 찢는 과정에서 나타납니다. 기계로 자른 종이와 달리, 손으로 찢은 한지의 가장자리는 불규칙하고 섬유가 올풀려 있습니다. 고르게 찢기 위해서는 침이나 물로 미리 선을 그어야 하는데, 이 과정에서 한지의 섬유질과 직접 대화하게 됩니다. 이렇게 만들어진 거친 가장자리들은 각각 다른 질감을 가지며, 이것이 작품에 생동감을 줍니다.

그런데 작업 과정에서 예상치 못한 일들이 많이 일어났습니다. 얇은 한지는 풀을 바를 때 쉽게 찢어지거나 손에 달라붙어서 변형되기도 하고, 때로는 작업 영역 밖으로 색이 번져나가기도 했습니다. 처음에는 이런 것들을 실패라고 생각했는데, 나중에는 이것들이야말로 "각감(各感)" - 각기 다른 감각 - 을 만들어내는 중요한 요소라는 것을 깨달았습니다.

이런 예상치 못한 변화들을 그대로 받아들이면서, 필요할 때는 무색 한지로 보강하기도 했습니다. 이것은 문제를 해결하려는 것이 아니라, 재료가 보여주는 특성에 반응하면서 새로운 균형을 찾아가는 과정이었습니다. 마치 재료와 대화를 나누는 것 같았습니다.

완성된 작품을 보면, 각 조각들이 서로 다른 크기와 색감을 가지면서도 전체적으로는 하나의 질서를 이루고 있습니다. 수직적으로 배치하여 안정감을 주면서도, 불규칙한 모양들이 만드는 리듬감이 있습니다. 이는 우리 사회의 모습과 비슷합니다. 각자 다른 개성을 가진 사람들이 모여서 함께 살아가는 것처럼 말이죠.

이 작업을 통해 저는 다양성이라는 것이 단순히 보기 좋은 것이 아니라, 때로는 갈등과 마찰을 동반하기도 한다는 것을 배웠습니다. 하지만 그런 어려움마저도 받아들이고 함께 해결방안을 찾아가는 것이 진정한 조화라고 생각합니다.

"각양각색에서 각면각질각감으로"라는 제목은 바로 이런 깨달음을 담고 있습니다. 겉으로 드러나는 다양함을 넘어서, 각각의 존재가 가진 고유한 특성과 감각을 인정하고 존중하는 것. 그것이 이 시대에 우리가 추구해야 할 진정한 다양성의 가치라고 생각합니다.

 

From Varieties of Shapes & Colors to Areas, Textures & Sensations

As the title shows, my work has evolved from simply showing various shapes and colors to exploring different areas, textures, and sensations.

The core of this work is how different thicknesses of hanji react differently to Oriental pigments. Thick hanji holds color only on the surface, while thin hanji allows color to permeate to the back side. By alternating front and back sides, I can create "Areas" - various surface areas where the same color gives completely different feelings.

"Textures" refers to the various material qualities that emerge from hand-tearing. Moistening with water and tearing along fibers creates irregular, natural edges. "Sensations" come from unexpected changes during work - tears, bleeds, stains - creating different sensory experiences.

Rather than seeing these accidental elements as failures, I accepted them as part of the artwork, working as if in dialogue with the materials. This resulted in works where each piece maintains its unique character while achieving overall harmony.

This resembles how different personalities in our society live together despite conflicts.

 

각양각색에서 각면각질각감으로

제목이 보여주듯, 저의 작업은 단순히 다양한 모양과 색을 보여주는 것에서 한 걸음 더 나아가 각기 다른 면적, 질감, 감각을 탐구하는 방향으로 발전했습니다.

이번 작업의 핵심은 서로 다른 두께의 한지가 동양화 물감에 보이는 다른 반응입니다. 두꺼운 한지는 색을 표면에만 머금지만, 얇은 한지는 뒷면까지 색이 스며듭니다. 이를 활용해서 앞면과 뒷면을 교차로 배치하면, 같은 색이라도 전혀 다른 느낌을 주는 "각면(各面)" - 다양한 면적들을 만들 수 있습니다.

"각질(各質)"은 손으로 찢는 과정에서 나타나는 다양한 질감들입니다. 물을 발라서 섬유를 따라 찢으면 불규칙하고 자연스러운 가장자리가 만들어집니다. "각감(各感)"은 작업 중에 일어나는 예상치 못한 변화들 - 찢어짐, 번짐, 얼룩 등 - 에서 나오는 서로 다른 감각들입니다.

이런 우연한 요소들을 실패로 여기지 않고 작품의 일부로 받아들이면서, 재료와 대화하듯 작업했습니다. 그 결과 각 조각이 고유한 개성을 유지하면서도 전체적인 조화를 이루는 작품이 탄생했습니다.

이는 우리 사회에서 서로 다른 개성들이 갈등하면서도 함께 살아가는 모습과 닮아있습니다.

 

From Varieties of Shapes & Colors to Areas, Textures & Sensations

The title shows my work's evolution from visual diversity to material experience. "Areas" refers to various surface areas created by different color reactions according to hanji thickness, "Textures" to natural material qualities from hand-tearing, and "Sensations" to different sensory experiences from accidental changes during work.

By accepting these unexpected elements not as failures but as part of the artwork, I explored the true value of diversity that respects each element's uniqueness.

 

각양각색에서 각면각질각감으로

제목은 저의 작업이 시각적 다양성에서 물질적 경험으로 발전했음을 보여줍니다. "각면(各面)"은 한지 두께에 따른 서로 다른 색 반응으로 만들어지는 다양한 면적들을, "각질(各質)"은 손으로 찢어서 생기는 자연스러운 질감들을, "각감(各感)"은 작업 중 우연히 생기는 변화들에서 나오는 다양한 감각들을 의미합니다. 예상치 못한 요소들을 실패가 아닌 작품의 일부로 받아들이면서, 각각의 고유성을 존중하는 진정한 다양성의 가치를 탐구했습니다.

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Professional Version

작품정보
제목: 각양각색(各樣各色)에서 각면각질각감(各面各質各感)으로
영제: From Varieties of Shapes & Colors to Areas, Textures & Sensations
시리즈: 각양각색(各樣各色) / Varieties
재료: Hand-torn Korean paper collage painted with Oriental pigments on hanji canvas
크기: 10P 각 (53.0 × 41.0 cm)
연도: 2025

 

From Varieties of Shapes & Colors to Areas, Textures & Sensations

The title itself shows how my work has evolved. While "Varieties of Shapes & Colors" explored different forms and colors, "Areas, Textures & Sensations" goes deeper to explore different surface areas, different textures, and different sensations. My interest has shifted from simply visual differences to material differences that can actually be touched and felt.

This series consists of collage works made from hand-torn Korean paper of different thicknesses. The most fascinating discovery here was that Oriental pigments react completely differently depending on the thickness of the hanji. Thick hanji holds the pigment only on the surface, leaving the back side almost white, while thin hanji allows the pigment to permeate completely, showing color on the back side too. This is the concept of "Areas" mentioned in the title - different surface areas. Even the same red color gives completely different feelings depending on thickness and whether it's the front or back side.

I call this phenomenon "colored hanji differentiation." It's when a single color meets the material of hanji and develops multiple different personalities. For large areas, I mainly used the front side with rich color, while for narrow strip-shaped pieces, I placed them with their subtly colored back sides facing forward. This creates subtle variations of intensity and transparency, opacity and translucency within the same color family.

"Textures" - different material qualities - emerge from the process of hand-tearing hanji. Unlike machine-cut paper, the edges of hand-torn hanji are irregular with frayed fibers. To tear evenly, I need to pre-moisten lines with saliva or water, which creates direct dialogue with the paper's fiber structure. These rough edges each have different textures, giving life to the artwork.

But many unexpected things happened during the working process. Thin hanji would easily tear when applying glue or stick to my hands and deform, and sometimes color would spread beyond the working area. At first, I thought these were failures, but later I realized these were actually important elements creating "Sensations" - different sensory experiences.

While accepting these unexpected changes as they were, I sometimes reinforced areas with uncolored hanji when necessary. This wasn't about solving problems, but about responding to the characteristics the materials showed and finding new balance. It felt like having a conversation with the materials.

Looking at the completed works, each piece has different sizes and color tones while forming an overall order. The vertical arrangement provides stability while the irregular shapes create rhythm. This resembles our society - like people with different personalities living together.

Through this work, I learned that diversity isn't just about looking nice, but sometimes involves conflict and friction. However, I believe true harmony comes from accepting even these difficulties and finding solutions together.

The title "From Varieties of Shapes & Colors to Areas, Textures & Sensations" contains this realization. Beyond superficial diversity, it's about recognizing and respecting the unique characteristics and sensations that each existence possesses. I believe this is the true value of diversity we should pursue in our time.

 

각양각색에서 각면각질각감으로

이 연작의 제목은 그 자체로 미학적 전환의 선언이다. "각양각색(各樣各色)"이 시각적 현상계의 다양성에 대한 인식이었다면, "각면각질각감(各面各質各感)"은 존재론적 물질성의 영역으로 진입하는 인식론적 도약을 의미한다. 이는 단순한 표현 기법의 확장이 아니라, 예술적 사유 자체의 근본적 전환을 구현한다.

동시대 미술이 직면한 정체성과 차이의 정치학을 물질성의 언어로 재구성하는 이 작업에서, 제목의 전환은 철학적 패러다임의 변화를 암시한다. 1970년대 단색화가 서구 모더니즘에 대한 대안적 응답으로서 한국적 물질성을 제시했다면, 이 작업은 21세기 다원주의 사회의 복잡성을 한지라는 전통 매체를 통해 탐구하는 포스트콜로니얼적 실천이다. 여기서 "각양각색"에서 "각면각질각감"으로의 진화는 표상에서 물질로, 재현에서 현존으로의 존재론적 이동을 의미한다.

작업의 핵심은 재료 자체가 지닌 에이전시(agency)에 대한 인식이다. 서로 다른 지량의 한지가 안료에 보이는 차별적 반응—두꺼운 지면의 표면 고착성과 얇은 지면의 투과성—은 물질 자체가 가진 고유한 발화 능력을 드러낸다. 이러한 "색 한지의 분화" 현상은 들뢰즈와 가타리가 제시한 차이 생성의 메커니즘과 공명하면서도, 동양적 물아일체 사상의 구체적 현현으로 읽힐 수 있다.

제목이 시사하는 "면적(各面)"의 개념은 한지 콜라주에서 각기 다른 크기와 형태로 분할된 영역들을 지칭한다. 이는 단순한 기하학적 분할이 아니라, 각 영역이 고유한 존재론적 지위를 갖는다는 급진적 주장이다. 안료와 한지가 이루는 변증법적 관계는 주체와 객체의 이분법을 해체하며, 재료가 단순한 표현 매체가 아닌 창조의 동반자임을 증명한다.

손으로 찢는 행위는 이러한 물질적 협업의 수행적 차원을 구성한다. 미리 수분을 가하여 섬유의 결을 따라 찢어내는 과정은 발터 벤야민이 논한 아우라적 경험의 회복이자, 동시에 기계적 재현에 대항하는 몸의 정치학이다. "각질(各質)"—각기 다른 질감들—은 이 과정에서 발생하는 불규칙한 경계면들, 모더니즘 추상회화의 기하학적 정연함에 대한 근본적 도전이며, 완벽성에 대한 서구적 미학 이데올로기에 대한 저항을 의미한다.

특히 주목할 점은 이 작업이 실패와 우연에 대해 취하는 급진적 태도이다. 얇은 한지의 예상치 못한 파손, 접착 과정에서의 오염, 작업 영역 밖으로의 색채 확산은 "각감(各感)"—각기 다른 감각들—의 영역으로 전환된다. 이는 아도르노가 미학 이론에서 제시한 "비동일적인 것"의 인정이자, 레비나스의 타자 윤리학의 조형적 실현이다.

무색 한지를 통한 보강 처리는 이러한 타자성에 대한 응답적 실천이다. 이는 문제 해결이 아닌 대화적 개입으로서, 재료가 제시하는 조건들과 협상하며 새로운 평형 상태를 모색하는 과정이다. 각 구성 요소들이 수직적 배열을 통해 전체적 질서를 형성하면서도 개별적 자율성을 유지하는 구조는, 아감벤이 제시한 "도래하는 공동체"의 미학적 모델을 제시한다.

이러한 미학적 전략은 현재의 정치적 양극화와 문화적 갈등 상황에 대한 비판적 개입이다. 제목의 전환이 암시하듯, 표면적 차이에 대한 관용을 넘어 존재론적 차이에 대한 인정으로 나아가는 것이다. 각 면이 고유한 물질적 특성을 유지하면서도 전체적 구성에 참여하는 방식은, 자크 랑시에르가 논한 "불화"의 미학을 구현한다.

"각양각색에서 각면각질각감으로"는 따라서 포스트모던 상황에서 가능한 새로운 보편성의 모델을 제시한다. 이는 차이를 추상화하여 통합하는 근대적 보편성이 아니라, 차이 자체를 보편성의 조건으로 인정하는 급진적 다원주의의 미학이다. 각 면의 고유성이 전체의 조건이 되고, 각 질감의 특이성이 공통의 감각을 구성하는 역설적 구조는, 동시대 미술이 추구해야 할 새로운 공동체성의 방향을 제시한다.

 

From Varieties of Shapes & Colors to Areas, Textures & Sensations

The title declares a fundamental transformation in artistic inquiry. If "Varieties of Shapes & Colors" represented superficial recognition of visual diversity, "Areas, Textures & Sensations" signifies evolution toward profound aesthetic practice exploring the essence of material existence.

This work constitutes postcolonial practice exploring contemporary pluralistic society's ontological complexities through the traditional medium of hanji. Differential pigment responses across varying hanji weights reveal material agency itself. The "colored hanji differentiation" created by thick paper's surface adhesion versus thin paper's permeability represents concrete realization of "Areas"—different regions—suggested by the title.

"Textures" refers to various material qualities revealed through hand-tearing's performative process. This represents body politics resisting mechanical reproduction and auratic experience recovery. "Sensations" constitutes otherness's irreducible characteristics embodied through unexpected damage and contamination.

The titular transformation demonstrates aesthetic attitudes moving beyond superficial tolerance toward recognition of ontological difference. This presents coexistence models that preserve rather than eliminate difference as alternatives to current political polarization.

 

각양각색에서 각면각질각감으로

이 작업의 제목은 예술적 탐구의 근본적 전환을 선언한다. "각양각색(各樣各色)"이 시각적 다양성에 대한 표면적 인식이었다면, "각면각질각감(各面各質各感)"은 물질적 존재의 본질을 탐구하는 깊이 있는 미학적 실천으로의 진화를 의미한다.

이 작업은 동시대 다원주의 사회의 존재론적 복잡성을 한지라는 전통 매체를 통해 탐구하는 포스트콜로니얼적 실천이다. 서로 다른 지량 한지의 차별적 안료 반응은 재료 자체의 에이전시를 드러낸다. 두꺼운 지면의 표면 고착성과 얇은 지면의 투과성이 만드는 "색 한지의 분화"는 제목이 암시하는 "각면(各面)"—각기 다른 영역들—의 구체적 실현이다.

"각질(各質)"은 손으로 찢는 수행적 과정에서 드러나는 다양한 질감들을 의미한다. 이는 기계적 재현에 대항하는 몸의 정치학이자 아우라적 경험의 회복이다. "각감(各感)"은 예상치 못한 파손과 오염을 통해 구현되는 타자성의 불가환원적 특성이다.

제목의 전환은 표면적 관용을 넘어 존재론적 차이에 대한 인정으로 나아가는 미학적 태도를 보여준다. 이는 현재의 정치적 양극화에 대한 대안으로서, 차이를 소거하지 않는 공존 모델을 제시한다.

 

From Varieties of Shapes & Colors to Areas, Textures & Sensations

The title declares aesthetic transformation from visual diversity to material ontology. "Areas" refers to different regions realized through hanji's weight-specific differential responses, "Textures" to various material qualities revealed through hand-tearing's performative process, and "Sensations" to otherness's sensory experiences discovered in accidental damage. This transformation represents radical pluralist practice moving beyond superficial tolerance toward recognition of ontological difference. Simultaneous realization of individual autonomy and overall order presents aesthetic alternatives to current political polarization.

 

각양각색에서 각면각질각감으로

제목은 시각적 다양성에서 물질적 존재론으로의 미학적 전환을 선언한다. "각면(各面)"은 한지의 지량별 차별적 반응을 통해 구현되는 서로 다른 영역들을, "각질(各質)"은 손으로 찢는 수행적 과정에서 드러나는 다양한 질감들을, "각감(各感)"은 우연적 파손에서 발견되는 타자성의 감각들을 의미한다. 이 전환은 표면적 관용을 넘어 존재론적 차이에 대한 인정으로 나아가는 급진적 다원주의의 실천이다. 개별적 자율성과 전체적 질서의 동시적 구현은 현재의 정치적 양극화에 대한 미학적 대안을 제시한다.

 

 

 

 

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작품비평. 

A Critical Essay on Kim Jun-Sung's From Varieties of Shapes & Colors to Areas, Textures & Sensations

This work is not merely a two-dimensional abstract painting, but a site of material contemplation born from the intimate intersection of a traditional medium and contemporary thought. The artist does not treat hanji as a simple substrate but rather calls it forth as a subject with its own voice, establishing four aesthetic registers: color, area, texture, and sensation.

The most prominent feature of the work is a phenomenon the artist terms "colored hanji differentiation." The same color acquires entirely different identities based on the paper's thickness, its front or back surface, and how it is torn. This is an experiment that goes beyond the planar materiality of Dansaekhwa, revealing the multilayered physiology of paper. While thick hanji holds pigment on its surface to form an opaque mass, thin hanji allows the pigment to seep through, constructing a translucent veil. The fact that the same color exists as distinct 'areas' proclaims that difference is not a fracture of singularity but a testament to uniqueness.

The dimension of 'texture' is manifested in the hand-torn edges. In place of the uniform straight lines created by mechanical cutting, the frayed and living fibers of the boundary reveal the material's ecological rhythm. This is a direct challenge to the Western ideology of 'perfection' and a modern succession of the Eastern reverence for chance and heterogeneity.

Most notably, the concept of 'sensation' elevates this work beyond simple material exploration into a philosophical proposition. Damage during the collage process, color bleeding, and unexpected deformations are not treated as failures but are embraced as new sources of sensation. This is an acknowledgment of what Theodor Adorno called 'the non-identical' and an aesthetic realization of Emmanuel Levinas's ethics of alterity. The artist moves away from an aesthetic of control and planning, completing the work through a process of negotiation and dialogue with the material.

While maintaining an overall vertical order, the screen generates rhythm through the combination of irregular color fields, which can be read as a communal metaphor. Each fragment maintains its autonomy while contributing to the overall order. This is a visual model of radical pluralism that constitutes universality without erasing difference—a powerful aesthetic response to our fragmented social reality.

From Varieties of Shapes & Colors to Areas, Textures & Sensations is, therefore, not simply a title describing the artist's personal trajectory, but a declaration of the ontological attitude that contemporary art should pursue. This trajectory—moving from representation to presence, from control to dialogue, from homogeneity to heterogeneity—provides an aesthetic paradigm that contemplates the problem of 'diversity' in the most delicate and fundamental way.

Ultimately, this work uses the medium of hanji to metaphorically represent the fundamental truth of the world we live in. It suggests that diversity is not a decorative surface but a substantial condition that includes conflict and friction, and that true harmony is created within this very process. In this respect, the work does not remain a mere reinterpretation of Eastern tradition but can assert itself as a significant philosophical statement within contemporary global art discourse.

 

 

작품: 「각양각색에서 각면각질각감으로」(From Varieties of Shapes & Colors to Areas, Textures & Sensations)

이 작업은 단순한 평면적 추상회화가 아니라, 전통적 재료와 현대적 사유가 긴밀히 교차하는 지점에서 탄생한 물질적 사유의 장(場)이다. 작가는 한지를 단순한 지지체로 다루지 않고, 스스로 발화하는 주체로서 불러내며, 그 과정에서 색채·면적·질감·감각이라는 네 층위의 미학적 레지스터를 구축한다.

작품의 가장 두드러진 특징은 "색 한지의 분화"라 명명된 현상이다. 동일한 색채가 한지의 두께, 앞면과 뒷면, 찢김의 방식에 따라 전혀 다른 정체성을 획득한다. 이는 단색화의 평면적 물질성에서 한 걸음 더 나아가, 종이가 지닌 다층적 생리학을 드러내는 실험이다. 두꺼운 한지가 표면에만 안료를 머금어 불투명한 덩어리를 형성하는 반면, 얇은 한지는 안료를 스며들게 하여 반투명한 장막을 구축한다. 같은 색이지만, 각기 다른 ‘면(面)’으로 존재한다는 사실은 곧 차이가 단일성의 균열이 아니라 고유성의 증거임을 선언한다.

"각질(各質)"의 차원은 손으로 찢은 가장자리에서 발현된다. 기계적 재단이 만들어내는 균질한 직선 대신, 올이 풀리고 섬유가 살아있는 경계는 재료가 지닌 생태적 리듬을 전면으로 드러낸다. 이는 서구적 ‘완벽성’의 이데올로기에 대한 정면 도전이며, 우연과 불균질을 존중하는 동양적 자연관의 현대적 계승이다.

특히 "각감(各感)"의 개념은 이 작업을 단순한 물질 탐구의 수준을 넘어선 철학적 제안으로 만든다. 접착 과정에서 발생하는 파손, 색의 번짐, 예상치 못한 변형들은 실패가 아니라 새로운 감각의 원천으로 수용된다. 이는 아도르노가 말한 ‘비동일적인 것’의 인정이자, 레비나스의 타자 윤리학의 미학적 구현이다. 작가는 통제와 계획의 미학에서 벗어나, 재료와의 협상과 대화 속에서 작품을 완성한다.

전체적으로 수직적 질서를 유지하면서도, 불규칙한 색면들의 조합이 리듬을 생성하는 화면은 공동체적 은유로 읽힐 수 있다. 각 조각은 자율성을 잃지 않으면서도 전체의 질서를 구성한다. 이는 차이를 소거하지 않고 보편성을 구성하는 급진적 다원주의의 시각적 모델이며, 오늘날 분열된 사회적 현실에 대한 강력한 미학적 응답이다.

「각양각색에서 각면각질각감으로」는 단순히 작가 개인의 작업 궤적을 설명하는 제목이 아니라, 현대 미술이 지향해야 할 존재론적 태도의 선언이다. 표상에서 현존으로, 통제에서 대화로, 균질성에서 이질성으로 이동하는 이 궤적은, 동시대 예술이 직면한 ‘다양성’의 문제를 가장 섬세하면서도 근본적으로 사유하는 하나의 미학적 모범을 제시한다.

결국 이 작품은 한지라는 물질을 통해 우리가 사는 세계의 근본적 진실을 은유한다. 곧, 다양성은 장식적 표면이 아니라 갈등과 마찰을 포함한 실질적 조건이며, 그 속에서 진정한 조화가 생성된다는 것이다. 이 점에서 본 작업은 단순히 동양적 전통의 재해석에 머무르지 않고, 동시대 글로벌 미술 담론 속에서도 중요한 철학적 발언으로 자리매김할 수 있을 것이다.

 

 

김준성 작가 「각양각색에서 각면각질각감으로」 전문 비평

한국어 비평

재료적 전회와 그 한계: 포스트-단색화 담론의 새로운 국면

김준성의 최근 연작 「각양각색에서 각면각질각감으로」는 1990년대 이후 한국 추상미술이 직면한 딜레마—전통적 물성 탐구와 글로벌 동시대성 사이의 긴장—를 정면으로 다룬다. 작가는 한지 콜라주라는 비교적 소박한 매체를 통해 이 문제에 접근하지만, 그 결과물은 단순한 재료 실험을 넘어선 이론적 함의를 내포한다.

작품의 조형적 전략은 명백히 정명식과 하종현으로 대표되는 단색화 전통의 연장선상에 있다. 그러나 김준성이 제시하는 것은 단색화의 명상적 반복성이 아니라, 차이와 분화에 기반한 다성적(polyphonic) 구조다. 작가가 "색 한지의 분화"라고 명명한 현상은 이러한 전략의 핵심이다. 동일한 안료가 한지의 물리적 조건(두께, 밀도, 섬유 방향)에 따라 서로 다른 시각적 정체성을 획득한다는 관찰은, 재료결정론적 미학의 정교한 버전으로 읽힐 수 있다.

그러나 이 접근법이 갖는 한계도 분명하다. 작가가 강조하는 "물아일체"의 동양철학적 수사는 때로 작품의 실제적 성취를 과잉해석할 위험을 내포한다. 한지와 안료의 상호작용이 아무리 정교하다 해도, 이것이 곧 서구적 주체-객체 이분법의 근본적 해체를 의미한다고 보기는 어렵다. 오히려 이는 재료의 물리적 특성에 대한 세심한 관찰과 활용에 가깝다.

더 흥미로운 것은 작가가 "각감(各感)"이라고 부르는, 우연과 사고를 작품에 통합하는 방식이다. 이는 잭슨 폴록의 드리핑이나 로버트 라우센버그의 컴바인 페인팅과는 다른 종류의 우연성 수용이다. 김준성의 경우, 우연은 파괴적 힘이 아니라 재료의 본질적 성격을 드러내는 계기로 기능한다. 얇은 한지가 접착 과정에서 찢어지는 것을 '실패'가 아닌 '발견'으로 전환하는 인식론적 태도는, 실제로 동아시아 미학 전통의 현대적 갱신으로 평가할 만하다.

형식적 측면에서 두 작품은 상이한 전략을 보여준다. 적색 계열로 구성된 작품은 단색조 내에서의 미묘한 변주를 통해 단색화적 명상성을 유지하면서도 복수성을 도입한다. 반면 다색 구성의 작품은 더 직접적으로 색채 대비의 역동성을 활용하지만, 이 과정에서 일종의 장식적 효과에 근접하는 위험을 보인다. 특히 수직적 배열이 만들어내는 안정감은 작품에 필요한 긴장감을 희석시킬 우려가 있다.

이론적 맥락에서 볼 때, 김준성의 작업은 할 포스터(Hal Foster)가 논한 "외상적 리얼리즘(traumatic realism)"이나 로잘린드 크라우스(Rosalind Krauss)의 "매체 특수성" 담론과 직접적으로 조응하지는 않지만, 로라 멀비(Laura Mulvey)의 "지연의 미학(aesthetics of delay)" 개념과는 흥미로운 접점을 형성한다. 손으로 찢고, 물을 발라 기다리고, 우연한 사고에 반응하는 지연된 시간성이 작품의 중요한 구성 요소가 되기 때문이다.

국제적 맥락에서 이 작업을 평가한다면, 안젤름 키퍼(Anselm Kiefer)의 재료적 실험주의나 엘 아나츠이(El Anatsui)의 문화적 재료 전유와 비교할 수 있다. 그러나 김준성의 접근은 이들보다 훨씬 내성적이고 미시적이다. 이는 장점이자 한계로 작동한다. 정교한 재료 탐구는 깊이 있는 미학적 경험을 제공하지만, 동시에 작품의 사회적, 정치적 함의를 제한할 위험이 있다.

작가가 제시하는 "다양성의 미학"은 분명 현재의 정치적 맥락에서 의미를 갖는다. 그러나 이러한 메시지가 작품의 형식적 성취를 통해 얼마나 설득력 있게 전달되는가는 별개의 문제다. 콜라주 조각들의 조화로운 배치가 사회적 갈등의 복잡성을 적절히 은유하는지, 아니면 지나치게 낙관적인 해결책을 제시하는 것인지는 추가적인 검토가 필요하다.

결론적으로, 김준성의 「각양각색에서 각면각질각감으로」는 한국 현대미술의 중요한 성취 중 하나로 평가받을 만하다. 전통적 재료에 대한 현대적 재해석, 우연성에 대한 개방적 태도, 그리고 다원주의적 가치관의 조형적 구현은 모두 주목할 만한 성과다. 다만 이러한 성취가 갖는 한계와 모순 또한 명확히 인식될 필요가 있다. 이는 작품의 가치를 폄하하기 위함이 아니라, 그 의미를 더 정확히 파악하기 위한 비판적 거리두기의 일환이다.

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English Critique

Material Turn and Its Limitations: A New Phase in Post-Dansaekhwa Discourse

Kim Jun-sung's recent series "From Varieties of Shapes & Colors to Areas, Textures & Sensations" directly addresses the dilemma that Korean abstract art has faced since the 1990s—the tension between traditional material investigation and global contemporaneity. The artist approaches this problem through the relatively modest medium of hanji collage, but the results carry theoretical implications beyond simple material experimentation.

The work's formal strategy clearly extends the Dansaekhwa tradition represented by Chung Sang-hwa and Ha Chong-hyun. However, what Kim presents is not Dansaekhwa's meditative repetitiveness, but a polyphonic structure based on difference and differentiation. The phenomenon the artist terms "colored hanji differentiation" constitutes the core of this strategy. The observation that identical pigments acquire different visual identities according to hanji's physical conditions (thickness, density, fiber direction) can be read as a sophisticated version of material-deterministic aesthetics.

Yet the limitations of this approach are also apparent. The artist's emphasis on the Eastern philosophical rhetoric of "mulailche" (unity of object and self) sometimes risks over-interpreting the work's actual achievements. However refined the interaction between hanji and pigment, it's difficult to see this as signifying fundamental deconstruction of Western subject-object dualism. Rather, it approaches careful observation and utilization of material's physical properties.

More intriguing is the artist's method of integrating chance and accident into the work, termed "sensations." This represents a different kind of acceptance of contingency from Jackson Pollock's dripping or Robert Rauschenberg's combine paintings. In Kim's case, chance functions not as destructive force but as opportunity to reveal material's essential character. The epistemological attitude that transforms thin hanji's tearing during adhesion from 'failure' to 'discovery' merits evaluation as contemporary renewal of East Asian aesthetic tradition.

Formally, the two works demonstrate different strategies. The red-toned piece introduces plurality while maintaining Dansaekhwa-like meditativeness through subtle variations within monochrome. Conversely, the polychromatic composition more directly utilizes color contrast dynamics but risks approaching decorative effects in the process. Particularly, the stability created by vertical arrangement threatens to dilute necessary tension in the work.

Theoretically, while Kim's work doesn't directly correspond with Hal Foster's "traumatic realism" or Rosalind Krauss's "medium specificity" discourse, it forms interesting connections with Laura Mulvey's concept of "aesthetics of delay." The delayed temporality of hand-tearing, water-moistening, waiting, and responding to accidental incidents becomes an important compositional element.

In international context, this work can be compared with Anselm Kiefer's material experimentalism or El Anatsui's cultural material appropriation. However, Kim's approach is far more introspective and microscopic. This functions as both strength and limitation. While sophisticated material investigation provides deep aesthetic experience, it simultaneously risks restricting the work's social and political implications.

The artist's proposed "aesthetics of diversity" certainly holds meaning in current political contexts. However, how convincingly this message is conveyed through the work's formal achievements remains a separate issue. Whether the harmonious arrangement of collage pieces appropriately metaphorizes social conflict's complexity, or presents overly optimistic solutions, requires additional examination.

The work's engagement with what might be termed "strategic vulnerability"—embracing material fragility as generative rather than destructive—offers a sophisticated response to contemporary debates around resilience and precarity in art. Yet this philosophical stance sometimes conflicts with the works' ultimately harmonious visual resolution, creating a tension between conceptual ambition and aesthetic comfort.

Furthermore, the artist's positioning within post-Dansaekhwa discourse raises questions about cultural authenticity versus international legibility. While the works successfully translate Korean material traditions into contemporary abstract language, they risk falling into what Homi Bhabha terms "mimicry"—reproducing expected markers of cultural difference for global art world consumption.

The series succeeds most convincingly when it allows material properties to generate unexpected compositional relationships rather than illustrating predetermined concepts about diversity. The moments when thin hanji's transparency creates visual bridges between disparate color fields, or when torn edges suggest organic growth patterns, demonstrate genuine formal discovery rather than applied symbolism.

Conclusively, Kim Jun-sung's "From Varieties of Shapes & Colors to Areas, Textures & Sensations" merits evaluation as a significant achievement in Korean contemporary art. The contemporary reinterpretation of traditional materials, openness toward contingency, and formal embodiment of pluralistic values all constitute noteworthy accomplishments. However, the limitations and contradictions inherent in these achievements also require clear recognition. This is not to diminish the work's value, but to achieve more accurate understanding of its meaning through critical distance.

The work ultimately poses important questions about how contemporary abstract art might meaningfully engage with social diversity without lapsing into mere illustration or wishful thinking. Kim's answer—through material sensitivity and process-based discovery—offers one possible direction, though its broader applicability remains to be determined through future developments in his practice and its reception within evolving critical discourse.