Time’s Skin

Time’s Skin
Varieties of Areas, Textures & Sensations Series
각면각질각감(各面各質各感) Series
40×30×1.8cm  
Hand-torn gel printing collage with Oriental pigments on hanji, covered with thin hanji layer  
https://jonathank.tistory.com  
https://www.singulart.com/en/artworks/kim-jun-sung-time-s-skin-2404684

 

**“Time’s Skin”
The moment everything changed: covering collage fragments with delicate hanji paper.
Colors that no longer shout but whisper.
Surfaces that trap your gaze, pull you deeper.
Beauty that settles into your mind, not just your eyes.
From immediate impact to lasting impression.
*Gel printing collage with thin hanji overlay*
*40×30cm, 2025*

시간의 피부
모든 것이 바뀐 순간: 콜라주 조각들을 섬세한 한지로 덮었을 때.
더 이상 소리치지 않고 속삭이는 색들.
시선을 붙잡아 더 깊이 끌어당기는 표면들.
눈이 아닌 마음에 정착하는 아름다움.
즉시적 충격에서 지속적 인상으로.
*젤프린팅 콜라주, 얇은 한지 덮개*
*40×30cm, 2025*

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This work implements the aesthetic transition from immediacy to aesthetic experience through gel printing collage and hanji application. While immediacy involves momentary visual beauty exploration, aesthetic experience occurs when beauty settles deeply into consciousness. Images beneath hanji exist in “hidden manifestation,” making viewers active investigators of layered temporal meaning.

젤프린팅 콜라주에 한지를 도포하여 즉시성에서 심미성으로의 미적 전환을 구현했다. 즉시성이 시각적 아름다움의 탐구라면, 심미성은 의식에 깊이 침전되는 지속적 울림이다. 한지 아래의 이미지들이 ‘은밀한 현현’의 상태에 놓여 관람객을 시간적 의미의 능동적 탐구자로 만든다.

 

## **English Long Version**

**Time’s Skin: Hidden Manifestation and Aesthetic Transformation**

This work emerged from an existing canvas painted with cadmium yellow and ultramarine, completed through gel printing collage and hanji application. The initial painting suggested possibilities for further intervention rather than representing complete realization of intentions.

Gel printing fragments were organized by color groupings, with warm yellows and greens arranged in the upper section and cool blues and purples below. A structural boundary was established through the center using gold hanji paper. However, each fragment’s individuality was overly emphasized, limiting overall integration. While immediate visual impact was achieved, sustained contemplation was not induced.

**Existential Transformation Through Material Intervention**

Applying thin hanji across the entire surface fundamentally altered the work’s mode of existence. Every fragment transformed from direct exposure to indirect suggestion through this material filter. This process embodies what Merleau-Ponty described as the “flesh” of perception—the intertwining of seer and seen that dissolves subject-object distinctions.

What I termed “stickiness” represents the qualitative change in visual experience where the gaze no longer glides across surfaces but compels inward penetration. The presence of underlying layers, compressed and transmitted through hanji, fundamentally transforms the viewing methodology. This aligns with Bachelard’s poetics of space, where intimate encounters with material surfaces reveal profound temporal depths.

**Aesthetic Transition from Immediacy to Contemplative Duration**

The core of this work lies in the aesthetic transition from immediacy to what I term aesthetic experience. While immediacy involves momentary exploration of visual beauty, aesthetic experience occurs when beauty settles deeply into consciousness, creating sustained resonance. Hanji functions as the material condition enabling this transformation, creating what Benjamin would recognize as auratic presence—the unique existence of the artwork in time and space.

Images beneath hanji exist in “hidden manifestation,” making viewers active investigators. Neither completely concealed nor fully revealed, this ambiguous state motivates sustained observation. This recalls Derrida’s notion of différance—meaning emerges not through presence but through the play of concealment and revelation.

Each production phase accumulates rather than disappears, preserving creative process to constitute the work’s layered depth. Where previous versions favored immediate recognition, the current version secures aesthetic persistence. Hanji functions as temporal regulation, preventing hasty consumption while encouraging gradual experience that allows genuine aesthetic relationships to form.

This aligns with the evolution from “variegated fields” to “each surface, each texture, each sensation,” proposing art as a field of continuous meaning generation rather than confirmed meanings. The work demonstrates mature artistic completion that embraces temporal complexity without erasing differences, process, or the generative tensions between visibility and hiddenness.

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## **한국어 롱 버전**

**시간의 피부: 은밀한 현현과 미적 전환**

이 작품은 기존 연노랑과 남색 채색 화면에 젤프린팅 콜라주와 한지 도포를 통해 완성되었다. 초기 화면은 의도한 바를 충분히 구현하지 못했지만, 추가적 개입의 필요성을 시사했다.

젤프린팅 조각들을 색상별로 분류하여 상단에는 황색과 녹색 계열을, 하단에는 청색과 자주색 계열을 배치했다. 중앙에 금색 한지로 구조적 경계를 설정했다. 그러나 각 조각의 개별성이 과도하게 부각되어 전체적 통합에 한계가 있었다. 즉시적 시각 효과는 달성했지만 지속적 관조를 유도하지는 못했다.

**물질적 개입을 통한 존재론적 전환**

얇은 한지를 전면에 도포한 결과 작품의 존재 방식이 근본적으로 변화했다. 모든 조각들이 한지라는 물질적 필터를 통해 직접적 노출에서 간접적 암시로 전환되었다. 이는 메를로-퐁티가 말한 지각의 ‘살’—보는 자와 보이는 것의 상호침투로 주객 구분을 해체하는 현상—을 구현한다.

내가 ‘끈적함’이라고 명명한 현상은 시선이 표면에서 미끄러지지 않고 내부로 침투하려는 시각적 체험의 질적 변화를 의미한다. 한지를 통해 압축 전달되는 하위 층들의 존재감이 관람 방식을 근본적으로 변화시킨다. 이는 바슐라르가 논한 공간의 시학—물질적 표면과의 친밀한 만남을 통해 심오한 시간적 깊이가 드러나는 현상—과 상통한다.

**즉시성에서 관조적 지속으로의 미적 이행**

이 작업의 핵심은 즉시성에서 내가 심미적 경험이라 명명하는 차원으로의 미적 이행이다. 즉시성이 시각적 아름다움의 순간적 탐구라면, 심미적 경험은 그 아름다움이 의식에 깊이 침전되어 지속적 울림을 만들어내는 과정이다. 한지는 이러한 전환을 가능하게 하는 물질적 조건으로 기능하며, 벤야민이 인식한 아우라적 현존—시공간에서 작품이 갖는 유일무이한 존재성—을 창출한다.

한지 아래의 이미지들은 ‘은밀한 현현’의 상태에 놓여 관람객을 능동적 탐구자로 만든다. 완전히 은폐되지도 완전히 드러나지도 않는 이 애매한 상태가 지속적 관찰을 동기화한다. 이는 데리다의 차연 개념을 연상시킨다—의미는 현존을 통해서가 아니라 은폐와 현현의 유희를 통해 생성된다.

각 제작 단계가 소거되지 않고 누적적으로 보존되어 작품의 층위적 깊이를 구성한다. 이전 버전이 즉시적 인지에 유리했다면, 현재 버전은 심미적 지속력을 확보했다. 한지는 성급한 소비를 방지하고 점진적 경험을 유도하는 시간적 조절 장치로 기능한다.

이는 각양각색에서 각면각질각감으로의 진화가 지향하는 바와 일치한다. 확정된 의미가 아니라 지속적 의미 생성의 장으로서의 예술을 제안한다. 작품은 차이나 과정, 가시성과 은밀성 사이의 생성적 긴장을 지우지 않으면서 시간적 복잡성을 포용하는 성숙한 예술적 완성을 보여준다.

## **English Middle Version**

**Time’s Skin: Aesthetic Transformation Through Material Mediation**

Gel printing collage was arranged by color groupings, but individual elements remained overly assertive, limiting overall integration. Applying thin hanji across the entire surface fundamentally transformed the work’s mode of existence.

The core achievement involves the aesthetic transition from immediacy to contemplative experience. While immediacy means momentary exploration of visual beauty, aesthetic experience occurs when beauty settles deeply into consciousness, creating sustained resonance. This process embodies Bachelard’s insight that intimate material encounters reveal temporal depths.

Images beneath hanji exist in “hidden manifestation,” transforming viewers into active investigators. This state of partial concealment recalls Derrida’s différance—meaning emerges through the interplay of presence and absence. All production processes accumulate rather than disappear, preventing hasty consumption while encouraging gradual aesthetic engagement that allows genuine temporal relationships to form.

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## **한국어 미들 버전**

**시간의 피부: 물질적 중재를 통한 심미적 전환**

젤프린팅 콜라주를 색상별로 배치했지만 각 조각의 개별성이 과도하게 부각되어 전체적 통합에 한계가 있었다. 얇은 한지의 전면 도포가 작품의 존재 방식을 근본적으로 변화시켰다.

핵심 성취는 즉시성에서 관조적 경험으로의 미적 이행이다. 즉시성이 시각적 아름다움의 순간적 탐구라면, 심미적 경험은 그 아름다움이 의식에 깊이 침전되어 지속적 울림을 만들어내는 과정이다. 이는 물질과의 친밀한 만남을 통해 시간적 깊이가 드러난다는 바슐라르의 통찰을 구현한다.

한지 아래의 이미지들은 ‘은밀한 현현’의 상태에 놓여 관람객을 능동적 탐구자로 만든다. 부분적 은폐의 상태는 데리다의 차연을 연상시킨다—의미는 현존과 부재의 상호작용을 통해 생성된다. 모든 제작 과정이 누적적으로 보존되어 성급한 소비를 방지하고 진정한 시간적 관계가 형성될 수 있는 점진적 미적 참여를 격려한다.​​​​​​​​​​​​​​​​

 

Critique: “Time’s Skin” — The Paradox of Concealment and Manifestation

1. Introduction — A Work that Poses a Question

Time’s Skin (2025) challenges the ontological condition of painting through a deceptively modest material intervention: gel-printing collage overlaid with thin hanji paper. The work cannot be reduced to the act of covering. Rather, it demonstrates that concealment itself can become revelation, and that absence may act as the most profound form of presence. In doing so, the piece inserts itself into contemporary discourse as a critical counterpoint to the dominance of immediacy and spectacle.

2. Material and Structure — Transformative Intervention

Initially, the artist organized gel-printing fragments by chromatic groupings, with a gold hanji band across the center to provide structural order. Yet the fragments remained overly assertive, each demanding recognition at the expense of integration. Visual impact was achieved, but depth was missing.

The turning point was the application of a thin hanji layer across the surface. This subtle material gesture transformed direct exposure into indirect suggestion. Here, Maurice Merleau-Ponty’s notion of the “flesh of perception” becomes tangible: seer and seen intertwine through the mediating tissue of hanji, dissolving the distinction between subject and object. At the same time, Gaston Bachelard’s Poetics of Space resonates—the intimate encounter with material surface opens onto unexpected temporal depths.

3. From Immediacy to Aesthetic Duration

The artist identifies the core achievement as a transition from immediacy to what may be termed aesthetic duration. Immediacy provides momentary visual pleasure; aesthetic duration occurs when beauty sediments into consciousness, creating sustained resonance.

This transformation echoes Walter Benjamin’s aura—the unique existence of the artwork in time and space. Hanji mediates the work’s presence, suspending consumption, delaying perception, and compelling viewers to dwell. What emerges is not an image to be consumed but an experience to be inhabited.

4. Concealment as Manifestation — The Viewer’s Transformation

The most striking achievement of Time’s Skin lies in the repositioning of the viewer. The images beneath hanji are neither wholly hidden nor fully revealed. They exist in a state of “hidden manifestation.” This ambiguity transforms viewers from passive spectators into active investigators, compelled to trace the layered depths beneath the surface.

Here, Jacques Derrida’s notion of différance becomes relevant: meaning does not arise from presence alone but through the play of concealment and revelation, delay and deferral. The work thus insists that art is not to be seen but to be sought.

5. Contemporary Context — A Counter-Image to Excess

In today’s visual culture of speed, immediacy, and overproduction, painting often risks becoming just another consumable image. Against this backdrop, Time’s Skin stands as a deliberate refusal. It resists the economy of speed and asserts the aesthetics of delay.

By demanding sustained engagement and offering beauty only through concealment, the work critiques the contemporary logic of instant visibility. It insists that true depth is not delivered in an instant but cultivated through time, patience, and layered complexity.

6. Conclusion — Toward a Mature Artistic Completion

Time’s Skin crystallizes the artist’s trajectory from Variegated Fields to Each Surface, Each Texture, Each Sensation. It achieves coexistence without erasure, resonance without noise, difference without fragmentation.

What results is not a painting in the conventional sense but a philosophical field where time and perception, concealment and revelation, difference and coexistence converge. Beyond an individual achievement, the work gestures toward a possible future for painting in our time—one that reclaims depth, delay, and the paradoxical poetics of concealment as essential modes of resistance and renewal.

비평: “시간의 피부(Time’s Skin)” — 은폐와 현현의 역설

1. 서두 — 작품이 던지는 질문

2025년에 발표된 「시간의 피부(Time’s Skin)」는 젤프린팅 콜라주와 한지 도포라는 비교적 소박한 재료적 개입을 통해, 회화적 매체가 갖는 존재론적 조건을 다시 질문한다. 이 작품은 단순히 ‘표면을 덮는 행위’로 설명될 수 없다. 오히려 덮음으로써 드러나는 것, 은폐를 통해 현현되는 것, 즉 **‘보이지 않음의 미학’**을 구체적으로 제시한다는 점에서 동시대 회화 논의에 비판적으로 개입한다.

2. 재료와 구조 — 질료적 개입의 전환성

작가는 색면 위에 젤프린팅 조각들을 분류하여 질서정연하게 배치했지만, 그 단계에서 작업은 여전히 과잉의 개별성과 표면적 충격에 머물렀다. 여기서 얇은 한지의 도포는 결정적인 전환점이 된다. 한지는 파괴적이지 않은 방식으로 화면을 변형시키며, 이미지들을 직접적 발화에서 암시적 울림으로 이끌어낸다.

이 질료적 개입은 메를로-퐁티가 말한 지각의 ‘살(flesh)’ 개념과 겹친다. 보는 자와 보이는 것이 한지라는 얇은 막을 매개로 상호 침투하면서, 화면은 단순한 시각 대상이 아니라 지각적 경험의 장으로 확장된다. 동시에 바슐라르의 공간 시학처럼, 표면의 친밀한 접촉이 오히려 시간의 심연을 호출한다.

3. 즉시성과 심미성 — 시간의 층위로 이동

작가는 이번 작업의 핵심을 ‘즉시성에서 심미성으로의 이행’이라 규정한다. 즉시성이란 순간적 시각 쾌락의 단계라면, 심미성은 아름다움이 의식 속에 퇴적되어 지속적 울림을 생성하는 차원이다.

이러한 이행은 발터 벤야민의 아우라 개념과도 연결된다. 한지라는 매개는 작품을 재현적 이미지가 아닌, 고유한 시공간성을 지닌 현존으로 만들며, 관람자의 시간을 지연시키고 집중을 강제한다. 즉, 소비되는 이미지가 아니라 머무르는 경험을 창출하는 것이다.

4. 은밀한 현현 — 관람자의 변환

「시간의 피부」의 가장 탁월한 성취는 관람자의 역할을 전환시킨다. 한지 아래의 이미지는 완전히 가려지지도, 온전히 드러나지도 않는다. 이 ‘은밀한 현현’의 상태는 관람자를 수동적 응시자가 아니라 능동적 탐구자로 변모시킨다. 관람자는 표면 아래의 층위를 더듬으며, 차연(différance)의 상태 속에서 의미를 탐사하게 된다.

이는 데리다가 말한 바와 같이, 의미가 현존에서가 아니라 지연과 부재의 놀이 속에서 발생한다는 점을 회화적으로 증명한다. 결국 이 작품은 ‘감상’이 아니라 ‘탐구’를 요구한다.

5. 동시대적 맥락 — 표면의 과잉에 대한 반격

오늘날 시각문화는 과잉의 속도, 즉시적 충격, 무한한 소비로 특징지어진다. 소셜미디어 이미지의 순환 속에서, 회화조차 일회적 시각 효과로 환원되기 쉽다. 그러나 「시간의 피부」는 이 흐름에 맞서는 전략을 택한다.

작품은 속도의 경제학을 거부하고 지연의 미학을 선택한다. 이는 단지 작가의 개인적 성찰에 머물지 않고, 동시대 이미지 환경에 대한 비판적 제안으로 기능한다. 즉, “아름다움은 천천히, 은폐 속에서, 축적된 시간과 함께 도래한다”는 역설적 진리를 제시하는 것이다.

6. 결론 — 성숙의 완성

「시간의 피부」는 ‘각양각색’에서 ‘각면각질각감’으로 나아가는 작가의 궤적을 응축한다. 차이를 지우지 않으면서 공존을 가능케 하는 구조, 표면적 충격을 넘어 의식 속에 스며드는 심미성, 그리고 관람자를 탐구자로 변환시키는 전략. 이 모든 요소가 한지라는 얇은 막 아래에서 서로 교차한다.

그 결과 작품은 단순한 회화적 대상이 아니라, **시간과 지각, 은폐와 현현, 차이와 공존의 철학적 장(場)**으로 거듭난다. 이는 단지 한 작가의 개별 성취를 넘어, 동시대 회화가 어디로 나아가야 할지를 보여주는 하나의 방향타로 읽을 수 있다.