Areas, Textures & Sensations. 02

Areas, Textures & Sensations. 02

From Varieties of Shapes & Colors to Areas, Textures & Sensations. no. 2
각양각색(各樣各色)에서 각면각질각감(各面各質各感)으로 no.2

53*41*1.7 cm (10P)

Hand-torn Korean paper collage painted with Oriental pigments on hanji canvas

https://jonathank.tistory.com  

https://www.singulart.com/en/artworks/kim-jun-sung-areas-textures-sensations-02-2403114

 

하나의 색이 한지를 만나면 변신한다. 두꺼운 종이에선 불투명한 장막, 얇은 종이에선 빛을 품은 베일. 앞면의 강렬함과 뒷면의 은은함, 찢어진 경계의 살아있는 떨림. 각양각색에서 각면각질각감으로 - 이것은 진화다. 차이가 충돌하고 협상하며 새로운 감각을 창조한다. 다양성의 껍질을 벗고 차이의 심장으로.

 

One color meets hanji and transforms. Opaque curtain on thick paper, light-holding veil on thin. Front's intensity, back's subtlety, torn edges' living tremor. From varieties to areas-textures-sensations - this is evolution. Differences collide, negotiate, create new sensations. Beyond diversity's shell, into difference's heart.

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작품정보

제목: 각양각색(各樣各色)에서 각면각질각감(各面各質各感)으로
영제: From Varieties of Shapes & Colors to Areas, Textures & Sensations
시리즈: 각양각색(各樣各色) / Varieties
재료: Hand-torn Korean paper collage painted with Oriental pigments on hanji canvas
크기: 10P (53.0 × 41.0 cm)
연도: 2025

각양각색에서 각면각질각감으로 

작품의 제목이 담고 있는 전환 - "각양각색"에서 "각면각질각감"으로 - 은 내 작업이 어떻게 깊어졌는지를 보여준다. 시각적 다양성의 탐구에서 물질적 존재의 본질로 들어가는 여정이다. 이는 단순한 표현 기법의 확장이 아니라, 예술적 사유 자체의 인식론적 도약을 의미한다.

첫 번째 작품이 하나의 색 계열 안에서 미묘한 변화를 탐구했다면, 이번 연작은 서로 다른 색들이 만나고 충돌하는 지점을 다룬다. 1970년대 단색화가 서구 모더니즘에 대한 대안으로서 한국적 물질성을 제시했다면, 나의 작업은 21세기 다원주의 사회의 복잡성을 한지라는 전통 매체를 통해 번역하려는 포스트-단색화적 시도다.

내가 발견한 "색 한지의 분화" 현상이 이 작업의 핵심이다. 동일한 물감이 한지의 두께에 따라 완전히 다르게 반응한다. 40g 한지에서는 물감이 표면에만 머물러 불투명한 장벽을 형성하지만, 25g 한지에서는 섬유 깊숙이 침투하여 반투명한 막이 된다. 이것이 제목에서 말하는 "각면(各面)"이다. 하나의 색이 물질을 만나 다수의 존재로 분화하는 과정이며, 이는 서구 색채 이론이 간과해온 물질과 색의 불가분성을 드러낸다.

손으로 찢는 과정은 특별한 의미를 갖는다. 침이나 물로 미리 선을 그어 섬유의 결을 따라 찢을 때, 나는 한지의 물성과 직접 대화한다. 기계적 재단이 만드는 완벽한 직선 대신, 불규칙하고 살아있는 가장자리가 생겨난다. "각질(各質)"은 바로 이 과정에서 발생하는 물질의 고유한 표현이다. 발터 벤야민이 논한 아우라적 경험의 회복이자, 동시에 기계적 재현에 대항하는 몸의 정치학이기도 하다.

작업 과정에서 일어나는 예상치 못한 일들 - 얇은 한지가 풀을 바르다 찢어지고, 색이 의도하지 않은 곳으로 번지는 것 - 을 나는 더 이상 실패로 보지 않는다. 이것이 "각감(各感)"의 영역이다. 이는 공존의 필연적 조건이며, 아도르노가 말한 "비동일적인 것"(개념으로 완전히 포섭되지 않는 사물의 고유성)의 인정이다. 진정한 다원성은 차이의 병렬적 나열이 아니라 차이들 간의 충돌과 협상을 통해서만 실현된다.

특히 이번 작품에서는 보색 관계의 색들이 만나는 경계 지대가 중요하다. 이 경계는 단순한 구분선이 아니라 차이가 만나고 협상하는 장소이며, 새로운 가능성이 발생하는 생성의 공간이다. 무색 한지로 보강하는 과정도 문제 해결이 아닌 대화적 개입으로, 재료가 제시하는 조건들과 협상하며 새로운 평형을 찾아간다.

첫 번째 작품의 수직적 구성과 달리, 이번 작품은 다방향적 긴장을 통해 더 복잡하고 역동적인 관계성을 구현한다. 각 색면이 자신의 영역을 주장하면서도 전체 구성에 참여하는 방식은, 랑시에르가 논한 "불화"(합의가 아닌 불일치를 통해 작동하는 민주주의)의 미학적 실현이다.

이 작업을 통해 나는 재료가 단순한 도구가 아니라 창조의 동반자임을 깨달았다. 재료 자체가 지닌 에이전시(행위 주체성)를 인정하고, 그들의 목소리에 귀 기울이는 것. 이것이 내가 찾은 21세기 추상의 가능성이다.

"각양각색에서 각면각질각감으로"는 따라서 차이를 추상화하여 통합하는 근대적 보편성이 아니라, 차이 자체를 보편성의 조건으로 인정하는 급진적 다원주의의 미학을 제시한다. 표면에서 깊이로, 시각에서 촉각으로, 관찰에서 체험으로 나아가는 이 여정은 계속될 것이다.

From Varieties of Shapes & Colors to Areas, Textures & Sensations (750words)

The transformation embedded in the title - from "Varieties of Shapes & Colors" to "Areas, Textures & Sensations" - reveals how my work has deepened. It's a journey from exploring visual diversity to entering the essence of material existence. This represents not mere expansion of technique but an epistemological leap in artistic thinking itself.

While my first work explored subtle variations within a single color family, this series addresses points where different colors meet and collide. If 1970s Dansaekhwa presented Korean materiality as an alternative to Western modernism, my work attempts to translate 21st century pluralistic society's complexity through the traditional medium of hanji - a post-Dansaekhwa endeavor.

The phenomenon I've discovered - "colored hanji differentiation" - forms the core of this work. The same pigment reacts completely differently depending on hanji's thickness. On 40g hanji, pigment remains on the surface forming an opaque barrier, while on 25g paper it penetrates deep into fibers becoming a translucent membrane. This is the "Areas" mentioned in the title. It's the process of one color meeting material and differentiating into multiple beings, revealing the inseparability of matter and color that Western color theory has overlooked.

The hand-tearing process holds special meaning. When I moisten lines with saliva or water and tear along the fibers, I directly converse with hanji's material properties. Instead of perfect straight lines from mechanical cutting, irregular, living edges emerge. "Textures" is precisely this unique material expression arising from the process. It's the recovery of what Walter Benjamin called auratic experience, while also being a politics of the body resisting mechanical reproduction.

The unexpected events during work - thin hanji tearing while applying glue, color bleeding to unintended areas - I no longer see as failures. This is the realm of "Sensations." These are inevitable conditions of coexistence, recognition of what Adorno called "the non-identical" (things' uniqueness that cannot be fully subsumed by concepts). True plurality is realized not through parallel listing of differences but only through collision and negotiation between differences.

Particularly important in this work are boundary zones where complementary colors meet. These boundaries aren't simple dividing lines but places where differences meet and negotiate, spaces of becoming where new possibilities emerge. Reinforcing with uncolored hanji is also dialogical intervention rather than problem-solving, finding new equilibrium while negotiating with conditions materials present.

Unlike the first work's vertical composition, this piece implements more complex, dynamic relationships through multidirectional tension. The way each color field claims its territory while participating in overall composition is an aesthetic realization of what Rancière called "dissensus" (democracy operating through disagreement rather than consensus).

Through this work I've realized materials aren't mere tools but partners in creation. Recognizing materials' own agency, listening to their voices. This is the possibility of 21st century abstraction I've found.

"From Varieties to Areas, Textures & Sensations" thus presents not modern universality that abstracts and integrates difference, but an aesthetics of radical pluralism that recognizes difference itself as the condition of universality. This journey from surface to depth, from visual to tactile, from observation to experience will continue.

각양각색에서 각면각질각감으로 

제목이 보여주듯, 내 작업은 시각적 다양성에서 물질적 경험으로 발전했다. 이는 21세기 포스트-단색화 시대에 한지라는 전통 매체로 탐구하는 새로운 추상 언어다.

"색 한지의 분화"가 핵심이다. 같은 색이 한지 두께에 따라 완전히 다른 존재가 된다 - 두꺼운 한지의 불투명한 장벽, 얇은 한지의 반투명한 막. 이것이 "각면(各面)"을 만든다. 물질과 색의 불가분성이 여기서 드러난다.

손으로 찢는 과정에서 나는 한지와 대화한다. 물을 발라 섬유를 따라 찢을 때 생기는 불규칙한 가장자리, 이것이 "각질(各質)"이다. 기계적 완벽함에 대한 거부이자, 벤야민이 말한 아우라의 회복이다.

보색들이 충돌하는 경계는 특별하다. 얇은 한지가 찢어지고 색이 번질 때, 이것은 실패가 아니라 "각감(各感)"의 발현이다. 공존의 필연적 조건이며, 차이가 만날 때의 불가피한 협상의 흔적이다.

재료는 도구가 아니라 창조의 동반자다. 재료의 에이전시(행위 주체성)를 인정하는 것. 첫 작품의 수직적 안정과 달리, 이번은 다방향적 긴장으로 더 역동적인 관계를 만든다.

차이를 제거하지 않고 에너지원으로 삼는 이 작업은, 차이 자체를 보편성의 조건으로 인정하는 급진적 다원주의의 실천이다.

From Varieties of Shapes & Colors to Areas, Textures & Sensations (250words)

As the title shows, my work evolved from visual diversity to material experience. This is a new abstract language explored through hanji in the 21st century post-Dansaekhwa era.

"Colored hanji differentiation" is key. The same color becomes completely different beings depending on hanji thickness - thick paper's opaque barrier, thin paper's translucent membrane. This creates "Areas." The inseparability of matter and color is revealed here.

In hand-tearing I converse with hanji. Irregular edges created by moistening and tearing along fibers - this is "Textures." It's rejection of mechanical perfection and recovery of what Benjamin called aura.

Boundaries where complementary colors collide are special. When thin hanji tears and colors bleed, this isn't failure but manifestation of "Sensations." They're inevitable conditions of coexistence, traces of unavoidable negotiation when differences meet.

Materials are partners in creation, not tools. Recognizing materials' agency. Unlike the first work's vertical stability, this creates more dynamic relationships through multidirectional tension.

This work using difference as energy source rather than eliminating it is practice of radical pluralism recognizing difference itself as condition of universality.

각양각색에서 각면각질각감으로 

제목이 내 작업의 변화를 말한다. 보이는 다양성에서 만지고 느끼는 깊이로. 하나의 색이 한지 두께를 만나 여러 존재가 된다 - 두꺼운 종이의 막힌 벽, 얇은 종이의 숨 쉬는 막. 손으로 찢어낸 가장자리는 기계가 만들 수 없는 떨림을 갖는다.

보색들이 부딪히는 경계, 예상 못한 번짐과 찢김. 이것들은 함께 살아가는 증거다. 재료는 내 말을 듣는 도구가 아니라 함께 대화하는 동반자다. 차이를 지우지 않고 그대로 끌어안는 것. 이것이 내가 한지로 찾은 21세기의 길이다.

From Varieties of Shapes & Colors to Areas, Textures & Sensations (110 words)

The title tells my work's transformation. From visible diversity to touchable, feelable depth. One color meets hanji thickness and becomes multiple beings - thick paper's blocked wall, thin paper's breathing membrane. Hand-torn edges have tremors machines cannot create.

Boundaries where complementary colors clash, unexpected bleeds and tears. These are evidence of living together. Materials aren't tools obeying my words but companions in dialogue. Embracing difference without erasing it. This is the 21st century path I've found through hanji.

 

 

작품비평

Critique

This work captures the moment when hanji ceases to be a mere material support and emerges as a subject that speaks for itself. What covers the surface are not simply blocks of color, but newly born areas, textures, and sensory waves—sensations—arising through tearing, bleeding, layering, and resonance.

At first glance, we see a modernist grid of rectangles, yet this is far from a cold geometric order. The torn and irregular fibers of hanji breathe vitality into abstraction, resisting homogeneity. On the surface, yellow unfolds into golden yellow, indigo into deep blue, green into layered tonalities—each variation arising from the thickness and grain of the paper. The artist’s statement that one color meeting paper “differentiates into multiple beings” finds compelling visual proof here.

The most striking element lies in the boundaries where colors meet. These are not sharp, mechanical cuts, but trembling edges where fibers protrude—a boundary that is both wound and passage. At these intersections, complementary hues clash, generating tension, yet also yield subtle resonances. It is not a path toward harmony, but a “space of becoming,” where differences negotiate and provisional balance emerges.

Here the work inherits but diverges from the legacy of Korean Dansaekhwa. If Dansaekhwa pursued the essence of “oneness” through material specificity, this work insists instead on the plurality of differences. Tears, overlaps, and unanticipated stains are not erased but embraced, functioning as metaphors for layered coexistence in contemporary society.

Ultimately, the work is a poetic declaration about “allowing differences to live, un-erased.” Each fragment speaks with its own voice while inevitably relating to the whole. This recalls what Jacques Rancière described as the aesthetics of “dissensus”—an art that operates not through consensus but through productive disagreement.

Thus, the painting is not merely abstract visual pleasure. It is an ontological record inscribed by paper and pigment, tear and stain, proposing a future harmony achievable only by embracing conflict and honoring difference.

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이 작품은 한지라는 매체가 단순히 물질적 지지체(support)에 머물지 않고, 스스로 발화하는 주체로 자리 잡는 순간을 담아낸다. 표면을 덮고 있는 것은 단순한 색의 블록들이 아니라, 찢김과 번짐, 겹침과 울림을 통해 새롭게 태어난 **각면(各面)**과 각질(各質), 그리고 감각적 파동, 곧 **각감(各感)**이다.

우리가 마주하는 것은 모던한 직사각적 구성이지만, 이는 결코 차가운 기하학적 질서가 아니다. 오히려 불완전하고 불규칙하게 뜯겨진 한지의 결이, 균질한 추상을 넘어서는 생명성을 불어넣는다. 화면 위에서 노랑은 황노랑으로, 남색은 청색으로, 그리고 초록은 서로 다른 두께와 질감에 의해 수십 가지의 변주를 낳는다. 하나의 색이 종이를 만나 “다수의 존재”로 분화한다는 작가의 진술은, 여기서 설득력 있는 시각적 사실로 완성된다.

특히 주목할 점은 색과 색이 맞닿는 경계다. 날카롭게 절단된 선이 아니라, 섬유질이 우둘투둘 드러나는 “찢김의 경계”는 상처이자 동시에 통로다. 보색이 충돌하는 자리에서 우리는 긴장을 읽고, 동시에 그 갈등이 만들어내는 미묘한 울림을 경험한다. 이는 단순히 화합을 향한 길이 아니라, 차이들이 협상하며 잠정적 균형을 모색하는 “생성의 공간”이다.

이 지점에서 작품은 한국 단색화의 유산을 계승하면서도, 분명히 다른 길을 간다. 단색화가 물질의 고유성을 통해 ‘하나됨’의 사유를 추구했다면, 여기서는 차이의 다원성이 핵심이 된다. 찢김, 겹침, 우연한 번짐이 제거되지 않고 작품의 중심으로 끌어안아지며, 그것이야말로 동시대 사회가 요구하는 다층적 공존의 은유로 읽힌다.

이 작업은 결국 “차이를 지우지 않고 그대로 살아가게 하는 것”에 관한 시적 선언이다. 화면을 이루는 각 조각은 고유한 목소리를 지니면서도, 전체 안에서 불가피하게 관계 맺는다. 이는 랑시에르가 말한 “불화(dissensus)”의 미학, 즉 합의가 아니라 불일치를 통해 작동하는 민주주의의 예술적 번역이다.

따라서 이 작품은 단순히 시각적 쾌락을 제공하는 추상이 아니다. 그것은 종이와 안료, 찢김과 번짐이 함께 써 내려간 하나의 존재론적 기록이며, 차이를 존중하고 갈등을 껴안는 방식으로만 가능한 조화의 미래를 제시한다.