각문각성각상(各文各聲各想) 01

 

각문각성각상 01 (各文各聲各想)

VARIETIES OF PATTERNS, SOUNDS, THOUGHTS 01

 

각문각성각상 01 (各文各聲各想) / Varieties of Patterns, Sounds, Thoughts 01
Series: 각양각색 (各樣各色, The Varieties)
Mixed media on canvas (Colored Hanji, Gel Printing, Stencil, Acrylic, Collage)
53.0 × 45.5 cm (F10)

https://jonathank.tistory.com

https://www.singulart.com/en/artworks/kim-jun-sung-varieties-of-patterns-sounds-thoughts-01-2509684

 

In a world deafening with noise, beauty is a survival skill.

This canvas is not a polite harmony; it is a collision. Torn Hanji fibers soak up the chaos, while neon Dancheong patterns aggressively claim their territory. It is a battlefield of textures where tradition and modernity fight for space. They do not whisper. They persist. Unapologetic and raw, these forms pierce through the clamor—shining not by force, but by the power of their own friction.

 

소음으로 귀가 먹먹한 세상에서, 아름다움은 생존 기술이다.

이 캔버스는 점잖은 조화가 아니다. 충돌이다. 찢겨나간 한지의 섬유질은 혼돈을 빨아들이고, 네온빛 단청은 공격적으로 자기 영토를 주장한다. 이것은 전통과 현대가 공간을 두고 싸우는 질감의 전장(Battlefield)이다. 그들은 속삭이지 않는다. 그저 실존한다. 사과하지 않는 날것의 에너지로, 이 형태들은 아우성을 뚫고 나온다. 강요된 빛이 아니라, 마찰 그 자체의 힘으로 빛난다.

 

________________________________________________________________________

 

I work with Korean materials not to preserve identity, but to test its durability.

My practice combines torn hanji, stenciled dancheong patterns, gel printing, fragmented hangul, and saturated color fields. These elements collide rather than harmonize, forming a contested visual field without hierarchy.

Material behavior shapes meaning. Hanji absorbs pigment slowly, embedding time into the surface, while stenciled forms assert immediacy and repetition. This tension reflects contemporary Korean culture—deeply historical yet operating at accelerated speed.

Language appears as fragments, hovering between legibility and abstraction. Color rejects restraint, referencing lived urban environments rather than symbolic tradition.

I am interested in whether cultural forms can persist without explanation or protection—only through presence, friction, and continued visibility.

 

나는 정체성을 보존하기보다 그것의 지속 가능성을 시험하기 위해 한국적 재료를 사용한다.

찢긴 한지, 스텐실 단청 문양, 젤 프린팅, 파편화된 한글, 포화된 색면은 조화가 아닌 충돌을 통해 위계 없는 시각장을 형성한다.

재료의 물성은 의미를 만든다. 한지는 색을 천천히 흡수하며 시간을 표면에 새기고, 스텐실은 즉각성과 반복을 주장한다. 이 긴장은 깊은 역사성과 가속된 속도를 동시에 지닌 현대 한국 문화의 상태를 반영한다.

언어는 읽힘과 추상의 경계에 머물고, 색은 상징 대신 실제 도시 환경을 참조한다.

나는 문화적 형식이 설명이나 보호 없이도—존재와 마찰, 그리고 가시성을 통해—지속될 수 있는지를 탐구한다.

 

______________________________________________________________________________

 

각문각성각상: 충돌과 생존의 미학

(Aesthetics of Collision and Survival)

 

1. CRITICAL ESSAY (Under 800 words)

各文各聲各想: The Aesthetics of Collision and Survival

(Note) This essay analyzes the structural and conceptual framework of Kim Jun-sung’s The Varieties series, focusing on material specificity and aesthetic intention.

 

I. The Saturated Field and the Claim

The title 各文各聲各想 (varieties of patterns, sounds, and thoughts) immediately positions the work within the contemporary condition of overwhelming visual multiplicity. The canvas is a response to a saturated field where every aesthetic language—from modernist geometry and digital pixelation to global typographic systems—demands attention.

Kim Jun-sung’s strategy is not to blend his cultural material into this global noise but to assert its visibility through a deliberate act of collision. The work refuses to enter the visual discourse as a quiet, deferential presence; rather, it makes a clear, insistent claim for the space Korean forms occupy amidst competition.

 

II. Material Resistance: Hanji, Dancheong, and Text

The material choices are intentionally aggressive. The work’s power derives from the dialectical relationship between three specifically Korean cultural elements: Hanji, Dancheong, and Hangul/Hanja.

Hanji: The traditional mulberry paper is not used delicately. It is torn, dyed with high-intensity colors, and collaged into dense layers. The artist activates the Hanji's famed toughness—its capacity to bend without breaking and absorb without dissolving. The ragged, exposed edges of the paper function not as wounds, but as a visual testimony to resilience and material honesty, allowing it to compete with any other paper or fabric tradition.

Dancheong: These architectural patterns, traditionally used to invoke cosmic order, are applied aggressively via stencil, often overlapping. This geometric system is deployed not as nostalgic decoration, but as a vital, competitive visual language. The Dancheong geometry asserts itself directly against the chaotic gel-printed textures and the fragmented typography, proving its precision and relevance in a contemporary, non-architectural context.

Text: Fragments of Hangul (Korean alphabet) and Hanja (Chinese characters, visible in the title) are scattered across the surface. These textual elements function as pure, abstract pattern for non-Korean viewers, while for Korean readers, they create productive visual friction—letters are present, but meaning is purposefully obscured. In a global field where visual and linguistic hierarchies persist, the assertive use of these scripts demands linguistic space.

 

III. Temporal and Chromatic Opposition

The work’s structure is built on material and temporal oppositions, rejecting the notion of ‘synthesis’ or ‘false harmony.’

Temporal Dialectic: The artist maintains the essential distinction between Hanji’s logic and the stencil’s logic. Hanji operates through seepage (염, yeom)—the slow, traditional time where pigment infiltrates the fiber, achieving depth. Conversely, the stenciled patterns represent instant surface—the mechanical, reproducible velocity of contemporary time. These temporalities coexist without resolution, mirroring the complex, non-linear pace of modern cultural life.

Chromatic Assertion: The palette is a clear aesthetic declaration. Kim rejects the muted, earth-toned aesthetic often (and incorrectly) marketed as traditional Korean art. The canvas explodes with fluorescent pinks, acidic greens, electric blues, and neon yellows. This polychromatic intensity is sourced from the historical Dancheong tradition itself, which was always bright, and from the actual, loud visual energy of contemporary Seoul. The aggressive palette asserts cultural vitality without apology.

 

IV. The Necessity of the Awl (낭중지추)

The work’s conceptual gravity is anchored by the ancient Korean proverb Nangjungjichu (囊中之錐)—the awl in a sack, whose sharp point must pierce through.

Kim Jun-sung’s work is this aesthetic awl. The artist insists that when Korean cultural forms are handled with formal rigor and material honesty, their inherent quality is undeniable, demanding visibility regardless of the surrounding visual clamor. This is a conviction in cultural inevitability, not a claim of superiority.

The canvas functions as a democracy of elements where every pattern must fight for recognition. The Dancheong geometry, the Hanji's resilience, and the script's distinct curves are self-sufficient entities, capable of competing globally on their own terms. The work does not ask for silence so Korean forms can be heard; it confirms that they are loud enough to be heard within the existing noise.

The final assertion of 各文各聲各想 is that Korean aesthetic forms are not fragile entities requiring protection. They are robust, sharp, and persistent. They compete. They persist. They shine.

 

 

각문각성각상: 충돌과 생존의 미학

(비평문 / 작가 노트)

 

I. 포화된 영역과 선언

제목 '각문각성각상(各文各聲各想)'—다양한 문양, 소리, 생각—은 압도적인 시각적 다수성이라는 현대의 조건을 즉시 드러낸다. 이 캔버스는 모더니스트 기하학이나 디지털 픽셀, 혹은 글로벌 문자 체계 등 모든 심미적 언어가 주목을 요구하는 포화된 영역에 대한 응답이다.

김준성의 전략은 자신의 문화적 재료를 이 글로벌 소음 속에 뒤섞는 것이 아니라, 의도적인 '충돌'을 통해 그 가시성을 주장하는 것이다. 작품은 고분고분하고 공손한 존재로 시각 담론에 진입하기를 거부한다. 대신, 경쟁 속에서 한국의 형태들이 차지하는 공간에 대해 명확하고 끈질긴 요구를 펼친다.

 

II. 물질의 저항: 한지, 단청, 그리고 문자

물질 선택은 의도적으로 공세적이다. 작품의 힘은 세 가지 구체적인 한국 문화 요소—한지, 단청, 그리고 한글/한자—사이의 변증법적 관계에서 나온다.

한지: 전통 닥나무 종이는 섬세하게 다뤄지지 않는다. 찢기고, 고강도 색으로 염색되며, 밀도 높은 층으로 콜라주된다. 작가는 한지의 저명한 강인함, 즉 꺾이지 않고 구부러지며 녹아내리지 않고 흡수하는 능력을 활성화한다. 찢겨져 노출된 종이의 거친 가장자리는 상처가 아니라, 물질적 정직함과 회복력의 시각적 증거로 기능하며, 다른 어떤 종이나 섬유 전통과도 경쟁할 수 있게 한다.

단청: 원래 우주적 질서를 부여하기 위해 사용되던 이 건축 문양들은 스텐실을 통해 공격적으로 적용되며 종종 서로 겹쳐진다. 이 기하학적 체계는 향수적인 장식이 아니라, 생기 넘치고 경쟁적인 시각 언어로서 배치된다. 단청 기하학은 혼돈스러운 젤 프린팅 질감과 파편화된 타이포그래피에 맞서 직접적으로 자신을 주장하며, 비건축적 맥락에서도 정밀함과 관련성을 증명한다.

문자: 한글(한국 문자)과 한자(제목에 보이는)의 조각들은 표면에 흩어져 있다. 이 문자적 요소들은 비한국인 관람자에게는 순수한 추상 패턴으로 기능하는 반면, 한국인 독자에게는 생산적인 시각적 마찰을 만든다. 글자는 존재하지만 의미는 의도적으로 모호하게 처리된다. 시각적, 언어적 위계가 지속되는 글로벌 영역에서, 이 문자의 단호한 사용은 언어적 공간을 요구한다.

 

III. 시간과 색채의 대립

작품의 구조는 물질적, 시간적 대립 위에 세워져 있으며, '합성'이나 '거짓된 조화'의 개념을 거부한다.

시간의 변증법: 작가는 한지의 논리와 스텐실의 논리 사이의 본질적인 구별을 유지한다. 한지는 '스며듦'(염, 染)을 통해 작동한다. 이는 안료가 섬유를 침투하여 깊이를 얻는 느린 전통의 시간이다. 반면, 스텐실 패턴은 '즉각적인 표면'을 나타낸다. 즉, 현대 시간의 기계적이고 복제 가능한 속도다. 이 두 시간성은 해결 없이 공존하며, 현대 문화생활의 복잡하고 비선형적인 속도를 반영한다.

색채의 주장: 팔레트는 명확한 미학적 선언이다. 김준성은 흔히 (그리고 잘못) 전통 한국 미술로 마케팅되는 차분하고 대지색의 미학을 거부한다. 캔버스는 형광 핑크, 산성 그린, 전기 블루, 네온 옐로우로 폭발한다. 이 다색적인 강렬함은 밝은 색채를 사용했던 역사적인 단청 전통과, 실제 시끄럽고 생동감 넘치는 현대 서울의 시각적 에너지에서 비롯된 것이다. 공격적인 팔레트는 사과 없이 문화적 생명력을 주장한다.

 

IV. 송곳의 필연성 (낭중지추)

작품의 개념적 무게는 고대 한국 속담인 '낭중지추(囊中之錐)'—주머니 속 송곳은 반드시 그 날카로운 끝을 뚫고 나온다—에 뿌리를 두고 있다.

김준성의 작품이 바로 이 미학적 송곳이다. 작가는 한지, 단청, 한글과 같은 한국 문화 형태들이 진정성과 힘을 가지고 활성화될 때, 그 고유한 품질은 논란의 여지 없이 분명해지며 사과나 설명 없이 글로벌 미학의 포화 속을 뚫고 나간다고 주장한다. 이는 문화적 우월성이 아니라, 문화적 형태가 가진 내재적이고 타협 불가능한 생명력에 대한 확신이다.

캔버스는 모든 패턴이 인정을 위해 싸워야 하는 '요소들의 민주주의'로 기능한다. 단청의 기하학, 한지의 회복력, 문자의 독특한 곡선들은 모두 스스로 충분한 존재들이다. 작품은 그들이 보호받기 때문이 아니라, 본질적으로 어떤 충돌 속에서도 자기 공간을 지킬 만큼 날카롭기 때문에 성공한다고 시사한다.

'각문각성각상'의 궁극적인 주장은 한국 미학적 형태들이 보호를 필요로 하는 연약한 존재가 아니라는 것이다. 그것들은 강건하고, 날카로우며, 끈질기다. 경쟁한다. 지속한다. 빛난다.

 

 

 

 

The Awl That Refuses to Hide: On Junsung Kim’s Aesthetics of Insurgency

(A Critical Evaluation of the 各文各聲各想 Series)

There is a specific, non-negotiable moment when an artist stops explaining and starts asserting. Kim Jun-sung's 각문각성각상 01 (Varieties of Patterns, Sounds, Thoughts) marks that critical transition with uncommon clarity and formal rigor.

This is not a work that asks permission to exist. It does not apologize for its visceral density, its chromatic aggression, or its deliberate refusal of compositional ease. Instead, it operates as material insurgency—a focused act of cultural assertion disguised within the chaos of abstract composition. The work is a declaration that the endurance of cultural identity is tested not by quiet preservation, but by raw, uncompromising competition.

I. The Composition of Collision

The canvas functions as a contested territory where Korean material traditions—hanji, dancheong, hangul—are thrown into direct competition with the visual noise of global contemporary culture. This is not multiculturalism's polite handshake; it is an aesthetic battlefield. The collage is not an attempt at Cubist integration or a Rauschenbergian reflection of fragments. It is, borrowing a phrasing, a "collage as cacophony," functioning as a visual noise that rejects any consensual or harmonious structure.

The density is suffocating. There is no compositional respite; every inch of the surface is in a state of visual vibration. Lime green aggressively clashes with hot pink, while cyan is set against orange. Traditional dancheong geometry is caught in this explosive chaos, often overlapping, fragmented, or half-buried, forcing a reading that prioritizes friction over unity. This visual assault is not arbitrary; it is a calculated methodology to stage traditional beauty in a field of constant struggle for visibility.

II. Material Resistance and the Problem of Preservation

Kim's conceptual anchor is his statement: "The artist works with Korean materials not to preserve identity, but to test its durability." This shifts the conversation entirely from nostalgia to resilience. The work's power lies in the defiant treatment of its core materials:

• Hanji: The paper is not treated as a precious cultural relic but as a tough substrate capable of absorbing punishment. The artist tears it, dyes it neon colors, and collages it without ceremony. The ragged, exposed edges visible in the detail shots are not wounds; they are structural violence that activate the paper through rupture rather than reverence. Hanji survives through adaptive resilience, not fragile preciousness. The act of tearing is a symbolic act of liberation, shattering the idea of preserved tradition to return it to a living material.
• Dancheong: The geometric patterns, originally intended to invoke cosmic order in temple architecture, are weaponized as visual assertion here. Applied via stencil, they compete directly with every other pattern system on the canvas. The geometry does not ask to be noticed; it demands space by battling the organic seepage of the hanji underneath.
• Hangul and Hanja: Text fragments are scattered deliberately, refusing complete sentences. In the global discourse where English dominates, this is a linguistic refusal to disappear. For non-Korean viewers, the scripts function as pure, curving pattern; for Korean viewers, they create productive visual friction—letters are present, but meaning is purposefully obscured, positioning the language at the edge of legibility.

III. The Temporal and Chromatic Dialectics

The work avoids the nostalgia trap by maintaining two incompatible temporalities simultaneously, a structural sophistication that mirrors contemporary Korean reality.

• Temporal Opposition: The slow seepage of Hanji (염, yeom—where pigment infiltrates fiber) represents deep, traditional time. This exists in tension with the instant surface of the stencil and gel-printing (mechanical reproduction and contemporary speed). These two speeds do not synthesize; they coexist in conflict, demonstrating that Korean culture operates at multiple velocities simultaneously.
• Chromatic Assertion: The palette—fluorescent pinks, acidic greens, electric blues, neon yellows—is a clear provocation. This is not the "quiet Korean aesthetic" marketed to international collectors. Kim’s statement is direct: "Color rejects restraint, referencing lived urban environments rather than symbolic tradition." This is Seoul's actual chromatic reality—the urgent brightness of protest banners, K-Pop aesthetics, and neon signage. Conceptual sophistication lies in the fact that this is not a betrayal of tradition, but the recovery of suppressed tradition. Traditional dancheong was, in fact, an art of chromatic excess and primary color explosions. Kim’s palette is an aggressive amplification of that historical visual truth.

IV. The Democracy of Elements and the Nangjungjichu Thesis

The canvas operates as a democracy of elements where no pattern is granted central position and no color dominates entirely. This is not empty rhetoric. Every element—hanji fragments, stenciled geometries, text shards, and gel-printed textures—must fight for its visibility, creating zones of violent overlap and tense coexistence without synthesis. This formal democracy mirrors the conceptual argument that in the saturated visual field, no aesthetic has automatic authority; what remains is honest competition.

This entire framework is anchored by the ancient Korean proverb 낭중지추 (囊中之錐)—the awl in a sack. The sharpest things cannot be hidden. The artist has built the artwork as that aesthetic awl.

Kim's argument is that Korean cultural forms, when handled with formal rigor, possess an inherent vitality that demands visibility without apology or explanation. This is material confidence. The work proves its thesis through its execution: the torn hanji's resilience rivals any paper tradition; the dancheong geometry’s precision holds its own against any ornamental system; and the hangul script's curves compete with any global writing system.

The work declares: We do not need silence so we can be heard. We are loud enough already. We do not need special consideration. We can compete on our own terms.

This is the sharp point that must pierce through. This is Korean aesthetic at its most confident—not defensive, not apologetic, but present, persistent, undeniable.

(End of Critical Essay - 895 words)

 

 

숨기를 거부하는 송곳: 김준성 미학적 반란에 대한 비평적 평가

(各文各聲各想 시리즈에 대한 비평적 평가)

작가가 설명을 멈추고 주장을 시작하는 특정한, 타협 불가능한 순간이 있다. 김준성의 각문각성각상 01 (문양, 소리, 생각의 다양함)은 드문 명료함과 형식적 엄격함을 통해 그 결정적인 전환을 보여준다.

이것은 존재 허락을 구하는 작품이 아니다. 그것의 본능적인 밀도, 색채적 공격성, 그리고 구성적 편안함의 의도적 거부에 대해 사과하지 않는다. 대신, 물질적 반란으로 작동한다. 이는 추상 구성의 혼돈 속에 위장된 집중적인 문화적 주장의 행위다. 이 작품은 문화 정체성의 지속이 조용한 보존이 아닌, 날것 그대로의 타협 없는 경쟁을 통해 시험된다는 선언이다.

I. 충돌의 구성

캔버스는 한국의 물질적 전통—한지, 단청, 한글—이 글로벌 현대 문화의 시각적 소음과 직접 경쟁하는 분쟁 영역으로 기능한다. 이것은 다문화주의의 정중한 악수가 아니다. 미학적인 전쟁터다. 이 콜라주는 입체파적 통합을 시도하거나 라우센버그식 파편의 반영이 아니다. 오히려 **'아우성으로서의 콜라주'**로, 합의적이거나 조화로운 구조를 거부하는 시각의 소란으로 기능한다.

밀도는 숨 막힐 듯하다. 구성적 쉼은 없으며, 표면의 모든 인치가 시각적 진동 상태에 있다. 라임 그린이 공격적으로 핫핑크와 맞붙고, 시안이 오렌지와 대결한다. 전통 단청의 기하학은 이 폭발적 혼돈 속에 휩싸여, 종종 겹치고 파편화되며, 어떤 부분은 반쯤 묻히는데, 이는 조화보다는 마찰을 우선하는 해석을 강요한다. 이 시각적 공격은 임의적인 것이 아니다. 그것은 끊임없는 가시성 투쟁의 장에서 전통적 아름다움을 무대화하기 위한 계산된 방법론이다.

II. 물질 저항과 보존의 문제

김준성의 개념적 닻은 "작가는 정체성을 보존하기 위해서가 아니라 그 지속 가능성을 시험하기 위해 한국적 재료를 사용한다"는 진술이다. 이는 논의의 초점을 향수에서 회복력으로 완전히 전환시킨다. 작품의 힘은 핵심 재료를 단호하게 다루는 방식에 있다.

• 한지: 귀중한 문화 유물이 아니라 벌을 흡수할 수 있는 강인한 지지체로 다뤄진다. 작가는 의식 없이 그것을 찢고, 네온 색으로 염색하고, 콜라주한다. 세부 샷에 보이는 울퉁불퉁하게 노출된 가장자리는 상처가 아니다. 그것들은 경외가 아니라 파열을 통해 종이를 활성화했다는 구조적 폭력의 증거다. 한지는 연약한 귀중함이 아니라 적응적 회복력을 통해 살아남는다. 찢는 행위는 보존된 전통이라는 관념을 산산조각 내어 살아있는 재료로 되돌리는 상징적인 해방의 행위이다.
• 단청: 원래 사찰 건축에서 우주적 질서를 부여하기 위해 의도되었던 기하학 패턴들은 여기서는 시각적 주장으로 무기화된다. 스텐실로 적용되어, 캔버스의 다른 모든 패턴 체계와 직접 경쟁한다. 단청 기하학은 주목받기를 요청하지 않는다. 아래 한지의 유기적 스며듦과 싸움으로써 공간을 요구한다.
• 한글과 한자: 텍스트 파편들은 완결된 문장을 거부하며 의도적으로 흩어진다. 영어가 지배하는 글로벌 담론에서, 이것은 언어적 사라지기 거부다. 비한국인 관람자에게는 순수한 곡선 패턴으로, 한국인 관객에게는 생산적인 시각적 마찰을 유발한다. 글자는 존재하지만 의미는 의도적으로 모호하게 보류되어, 언어를 가독성의 가장자리에 위치시킨다.

III. 시간과 색채의 변증법

작품은 두 개의 양립 불가능한 시간성을 동시에 유지함으로써 향수 함정을 피하며, 이는 현대 한국의 현실을 반영하는 구조적 정교함이다.

• 시간의 대립: 한지의 느린 스며듦 (염, 染—안료가 섬유를 침투하는 전통의 시간)은 스텐실과 젤 프린팅의 즉각적인 표면 (기계적 복제와 현대 속도)과 긴장 속에 존재한다. 이 두 속도는 합성되지 않고 갈등 속에서 공존하며, 한국 문화가 깊은 구조를 보존하면서 표면은 현대적 속도에 적응하는 다중 속도적 본질을 보여준다.
• 색채의 주장: 형광 핑크, 산성 그린, 전기 블루, 네온 옐로우로 이루어진 팔레트는 명확한 도발이다. 이것은 국제 수집가들에게 마케팅되는 "조용한 한국 미학"이 아니다. 김준성의 진술은 직접적이다: "색은 절제를 거부하며, 상징적 전통보다 실제 도시 환경을 참조한다." 이것은 시위 현수막의 긴급한 밝기, K-팝 미학, 네온 간판 등 서울의 실제 색채적 현실이다. 여기서 개념적 정교함은 이것이 전통의 배신이 아니라 억압된 전통의 회복이라는 점이다. 전통 단청 자체가 다색조의 시각적 과잉이었다. 김준성의 팔레트는 그 역사적 시각적 진실에 대한 공격적인 증폭이다.

IV. 요소들의 민주주의와 낭중지추 명제

캔버스는 어떤 패턴도 중심 위치를 부여받지 않고 어떤 색도 완전히 지배하지 않는 요소들의 민주주의로 작동한다. 모든 요소—한지 파편, 스텐실 기하학, 텍스트 조각—는 가시성을 위해 싸워야 하며, 합성 없는 긴장 속에서 공존한다. 이 형식적 민주주의는 포화된 시각 장에서 어떤 미학도 자동적 권위를 갖지 않으며, 남는 것은 정직한 경쟁뿐이라는 개념적 논증을 반영한다.

이 모든 구조는 고대 한국 속담인 낭중지추 (囊中之錐)—주머니 속 송곳—에 의해 확고하게 지탱된다. 가장 날카로운 것은 숨겨질 수 없다. 작가는 자신의 작품을 바로 그 미학적 송곳으로 구축했다.

김준성의 주장은 한국 문화 형태들이 형식적 엄격함으로 다뤄질 때, 사과나 설명 없이 가시성을 요구하는 고유한 생명력을 소유한다는 것이다. 이것은 물질적 자신감이다. 작품은 실행을 통해 자신의 명제를 증명한다. 찢긴 한지의 회복력은 어떤 종이 전통과도 경쟁하고, 단청 기하학의 정밀함은 어떤 장식 체계와도 맞서며, 한글 자모의 곡선은 어떤 글로벌 문자 체계에 맞서도 자기 자리를 지킨다.

작품은 선언한다: 우리가 들리기 위해 침묵이 필요하지 않다. 우리는 이미 충분히 시끄럽다. 특별한 배려가 필요하지 않다. 우리는 자기 조건으로 경쟁할 수 있다.

이것이 뚫고 나와야 하는 날카로운 끝이다. 이것이 가장 자신감 있는 한국 미학이다—방어적이지도, 사과하지도 않고, 존재하고, 지속하며, 부인할 수 없는.