Beyond Consciousness (Rework)

 

Beyond Consciousness

의식의 너머 2023 (Initial) / 2025 (Rework)

Ag(e)ing Series #2  

45.5 × 45.5  X 4.7 cm (S8)

Acrylic, Modelling Paste, Mixed Media on Canvas, Thick Varnish Layers

Selected for the 2023 6th Joongang Painting Competition. 

https://jonathank.tistory.com

https://www.singulart.com/en/artworks/kim-jun-sung-beyond-consciousness-2470303

 

늙어버린 내 작품에게 다시 젊음을 불어넣어주고 싶었다.  영원할수 있다면 그리고 그 상태로 멈춰있게 하고 싶었다! 

I wanted to breathe new life into my aging work. If only it could last forever, and I wanted it to stay that way!

 

Fading stopped. Time sealed.

This painting resists entropy—the natural tendency toward disorder and decay. What was fading now endures, transformed. In 2023, colors began disappearing despite varnish, performing the work's own concept: memory's volatilization. By 2025, I intervened—adding deeper hues, sealing with thick varnish. Not to restore what was, but to hold what remains before complete disappearance. The surface carries dual moments: initial warmth now cooled into distance. Original tremor persists beneath new layers, preserved not in brightness but depth. Own a canvas that refuses erasure—a quiet victory against forgetting's tide.

 

퇴색이 멈췄다. 시간이 봉인되었다.

이 그림은 무질서와 부패를 향한 자연적 경향인 엔트로피에 저항한다. 바래지던 것이 이제 견디며 변형되었다. 2023년 색들은 바니시에도 불구하고 사라지기 시작했고, 기억의 휘발이라는 작품 자신의 개념을 수행했다. 2025년 나는 개입했다. 더 깊은 색조를 더하고 두꺼운 바니시로 봉인했다. 원래를 복원하기 위해서가 아니라 완전히 사라지기 전에 남은 것을 붙잡기 위해서였다. 표면은 이중적 순간을 담는다. 초기의 따뜻함이 이제 거리로 냉각되었다. 원래의 떨림이 새 층 아래 지속되며 밝기가 아닌 깊이로 보존되었다. 지움을 거부하는 캔버스, 망각의 조류에 맞선 조용한 승리다.

 

 

This work pulses with renewed life, transforming faded whispers into a sealed sanctuary of memory. Born in 2023 from hazy memory fragments, the canvas prophesied its own volatility—and fulfilled that prophecy physically. Over two years, despite protective varnish, colors drained away, performing memory's loss materially.

The 2025 rework emerged from dual recognition: fading had gone far enough—time to hold these traces close—and the desire for the work to reach others more powerfully, to resonate with greater depth. Reinfusing cooler greens and blues atop the faded base, applying substantially thicker varnish, I intended preservation. But restoration became transformation.

The surface didn't return to original warmth but cooled into deeper tones—turquoise, mint, aquatic depths. Two years had passed. Whatever immediacy existed in 2023 had changed; distance developed. The work now embodies not just the initial state beyond consciousness but also the recognition, years later, of what that state meant. Survival's warmth crystallized into cooler reflection.

Cracks remain sealed beneath the protective layer—no longer active deterioration but arrested evidence. The thick varnish creates a glassy membrane, functioning as the distance time creates, the necessary separation between raw experience and reflective understanding. Positioned as Ag(e)ing Series #2, this work addresses rupture and recovery—aging through discontinuity rather than steady accumulation. What remains is different from what was, carrying the weight of two moments—emergence and reflection, warmth and its cooling.

 

 

이 작품은 새로워진 생명력으로 맥동하며 바랜 속삭임을 기억의 봉인된 성역으로 변모시킨다. 2023년 흐릿한 기억의 파편들에서 태어난 캔버스는 자신의 휘발성을 예언했고 그 예언을 물리적으로 성취했다. 2년에 걸쳐 보호용 바니시에도 불구하고 색들이 빠져나갔으며 기억의 상실을 물질적으로 수행했다.

2025년 재작업은 이중적 인식에서 출현했다. 퇴색이 충분히 진행되었으니 이제 이 흔적들을 가까이 붙잡을 때라는 인식과 작품이 더 강력하게 타인에게 도달하고 더 큰 깊이로 공명하기를 바라는 욕구였다. 바랜 기반 위에 더 차가운 녹색과 청색을 재주입하고 상당히 더 두꺼운 바니시를 바르며 나는 보존을 의도했다. 하지만 복원은 변형이 되었다.

표면은 원래의 따뜻함으로 돌아가지 않고 더 깊은 톤들로 냉각되었다. 터코이즈, 민트, 수중적 깊이로. 2년이 지났다. 2023년에 존재했던 어떤 즉각성이 변했고 거리가 생겼다. 작품은 이제 의식 너머의 초기 상태뿐만 아니라 그 상태가 무엇을 의미했는지에 대한 수년 후의 인식도 구현한다. 생존의 따뜻함이 더 차가운 성찰로 결정화되었다.

균열들이 보호층 아래 봉인된 채 남아있다. 더 이상 활동적 열화가 아니라 정지된 증거로서 말이다. 두꺼운 바니시는 유리질 막을 만들며 시간이 만드는 거리, 원초적 경험과 성찰적 이해 사이의 필요한 분리로 기능한다. Ag(e)ing 시리즈 2번으로 위치한 이 작품은 단절과 회복을 다룬다. 꾸준한 축적이 아닌 비연속성을 통한 노화를 말이다. 남는 것은 있었던 것과 다르며 두 순간의 무게를 지닌다. 출현과 성찰,

따뜻함이 숙고된 차분함으로 가라앉음으로 말이다. 

 

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엔트로피(Entropy) 해설

 

Note on Entropy: In art and philosophy, Entropy refers to the universe's fundamental tendency toward disorder and decay. It is the law that all things—memory, structures, and energy—naturally break down and fade over time. In this work, the fading of the paint is Entropy in action. The pigments themselves became time's index, demonstrating how all vivid experiences gradually lose intensity. The artist's 2025 intervention is an act of "sealing" this decay, transforming the inevitable loss into a permanent artistic record.

 

엔트로피(Entropy) 해설: 예술과 철학에서 엔트로피는 무질서와 쇠퇴를 향한 우주의 근본적인 경향을 의미한다. 이는 기억, 구조, 에너지를 포함한 모든 것이 시간의 흐름에 따라 자연스럽게 분해되고 희미해지는 법칙이다. 이 작품에서 물감이 바래는 현상 자체가 엔트로피의 실행이다. 물감 자체가 시간의 지표가 되어, 모든 생생한 경험이 점차 강도를 잃어가는 과정을 보여준다. 2025년 작가의 개입은 이 쇠퇴를 '봉인'하는 행위이며, 필연적인 상실을 영구적인 예술적 기록으로 변형시킨 것이다.

 

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Beyond Consciousness: Preservation as Transformation

This painting emerged from exploring consciousness at its limits—that threshold where awareness dissolves, where thoughts lose coherence and drift like particles in suspension. The 45.5cm square format establishes intimate scale, holdable yet commanding attention. In 2023, as my first juried submission, this work was selected for the 6th Jungang Painting Biennale—a beginning, validation that explorations of elusive mental states could resonate beyond personal experience.

The original surface carried warmth—ochres, olive greens, earth tones mingling with hazy whites—suggesting recent emergence from fog, consciousness returning but not yet fully clarified. The title speaks to what lies beyond ordinary awareness: that liminal space where perception blurs, where memory fragments accumulate without clear organization. "Hazy clumps of memory," as I described then. "Sediments of thought piled by chance." The surface texture—cracking, peeling, exposed canvas weave—physically enacted this fragmentation. Layers built up then partially removed, creating palimpsest of attempts and revisions, of presence and erasure.

Then something unexpected occurred. Despite protective varnish, colors began fading over two years. The physical surface started performing what the conceptual framework described: gradual dissolution, inevitable disappearance. This wasn't failure but eerie confirmation—the work itself was "naturally fading and flying away over time," as my original note stated. Watching this happen felt oddly intimate. Fading colors seemed to mirror how memory volatilizes, how vivid experience gradually loses intensity until only dim outlines remain. The painting was demonstrating its own concept through material transformation.

Part of me wondered: should I let this continue? Accept entropy as part of the work's meaning? But another impulse grew stronger: desire to hold these traces before they vanished entirely. Not from fear of loss, but recognition that while personal memory may fade, artistic testimony can persist—especially if others might find resonance in it. I wanted this work to reach viewers with greater force, to communicate more powerfully what it means to exist at consciousness's edge.

In November 2025, I returned to the painting. The intervention involved adding new color layers to revive faded passages, and applying substantially thicker varnish to prevent further deterioration. These were acts of preservation, yes, but also acts of will—refusing to let time have the final word. Yet restoration became something else: transformation. As I worked, I discovered my hand in 2025 moved differently than in 2023. The colors I added didn't recreate original warmth but instead introduced cooler tones—deeper greens, hints of turquoise and mint, subtle shifts toward the aquatic and submerged.

The thick varnish created glassy surface quality, adding depth and distance, as if the imagery now existed underwater or behind glass. This cooling felt right, even inevitable. Two years had passed. Whatever immediacy the work held in 2023—that sense of recent emergence—had changed. Distance had developed. The work now embodied not just the initial state beyond consciousness but also the recognition, years later, of what that state meant. Warmth of survival had crystallized into cooler reflection.

The reworked painting now operates across two moments simultaneously. The 2023 layer remains beneath, carrying its original tremor, its warmth, its sense of recent passage through unclear states. The 2025 layer sits above, cooler and more deliberate, an act of preservation that became meditation on what deserves keeping and how we hold onto fading things. This layering creates unexpected depth. The work isn't simply "about" consciousness's limits anymore—it's about time's passage, memory's transformation, the relationship between experience and its recording.

It addresses how we return to our past selves and find them both familiar and strange, how attempts at preservation alter what we're trying to save. The thick varnish seals this dual temporality, creating transparent barrier between viewer and surface. This glass-like membrane functions metaphorically: it's the distance time creates, necessary separation between raw experience and reflective understanding, the way memory becomes object rather than lived sensation.

Positioned as Ag(e)ing Series #2, this work relates to but differs from "Growing Old..." Where that work explores gradual accumulation—patient buildup, aging as dignified process—"Beyond Consciousness" addresses rupture and recovery. It's aging through discontinuity rather than continuity, through gap and return rather than steady accretion. Yet the rework connects them more closely. The fading and subsequent preservation mirror aging's reality: we don't simply accumulate; we also lose, forget, fade. And sometimes we intervene, trying to hold what's slipping away.

The painting as it exists now—colors revived but transformed, surface sealed beneath thick varnish—holds several tensions in balance. It's both preserved and altered, both fixed and transformed, both personal memory and public testimony. The work insists on its own survival while acknowledging what survival costs: warmth of immediacy exchanged for clarity of distance. Up close, the surface rewards sustained attention: ghost patterns from earlier layers, subtle color shifts, the way light catches on thick varnish creating aqueous depth.

The cracking and peeling—now sealed beneath protective layer—remain visible but transformed, no longer active deterioration but arrested evidence of what transpired. There's honesty in how restoration became transformation. I didn't pretend to simply "fix" what faded. Instead, I acknowledged that returning to past work from present position necessarily changes it. The hand that painted in 2023 isn't the hand working in 2025. Two years of living, making, thinking have intervened. The cooler tones, thicker varnish, slight shifts in surface quality—these record that passage honestly.

What remains now, sealed beneath protective varnish, isn't brightness but depth. Not the warm immediacy of 2023 but the considered coolness of 2025. Not single moment but dual temporality. The work demonstrates that preservation isn't passive. It's active reinterpretation, acknowledgment that what survives does so through change, that holding onto something means accepting its transformation. The work has aged not by simply lasting but by actively engaging with its own passage through time. What began as exploration of consciousness's limits has become meditation on preservation's paradoxes, on how we save what's fleeting, on what remains when we refuse to let things simply fade away.

 

 

의식의 너머: 변형으로서의 보존

이 그림은 의식의 한계를 탐구하면서 나왔다. 인식이 용해되고 생각들이 일관성을 잃어 부유하는 입자처럼 표류하는 그 문턱 말이다. 45.5센티미터 정사각형 포맷은 친밀한 스케일을 확립한다. 들 수 있으면서도 주의를 요구하는 크기다. 2023년 심사전 첫 출품작으로 이 작품은 제6회 중앙회화대전에 선정되었다. 그것은 시작이었고 포착하기 어려운 정신 상태들에 대한 탐구가 개인적 경험을 넘어 공명할 수 있다는 검증이었다.

원본 표면은 따뜻함을 지녔다. 황토색, 올리브 그린, 흐릿한 흰색과 섞인 대지 톤들은 안개로부터의 최근 출현을 암시했다. 의식이 돌아오지만 아직 완전히 명료하지 않은 상태 말이다. 제목은 보통의 인식 너머에 있는 것을 말한다. 지각이 흐려지고 기억 파편들이 명확한 조직 없이 축적되는 그 경계 공간이다. "흐릿한 기억의 덩어리들"이라고 그때 나는 묘사했다. "우연히 쌓인 생각의 퇴적들." 표면 텍스처, 균열과 박리와 노출된 캔버스 직조는 물리적으로 이 파편화를 실행했다. 층들이 쌓인 다음 부분적으로 제거되어 시도와 수정의, 현존과 지움의 팔림프세스트를 만들었다.

그 다음 예상치 못한 일이 일어났다. 보호용 바니시에도 불구하고 2년에 걸쳐 색들이 바래기 시작했다. 물리적 표면이 개념적 틀이 묘사한 것을 수행하기 시작했다. 점진적 용해, 불가피한 소멸을 말이다. 이것은 실패가 아니라 섬뜩한 확인이었다. 작품 자체가 "시간에 지남에 따라 자연스럽게 퇴색되어 날아가고" 있었다. 내 원래 노트가 말했듯이 말이다. 이것을 지켜보는 것은 이상하게 친밀하게 느껴졌다. 바래지는 색들은 기억이 어떻게 휘발되는지를 반영하는 것 같았다. 생생한 경험이 점차 강도를 잃어 희미한 윤곽만 남을 때까지를 말이다. 그림은 물질적 변형을 통해 자신의 개념을 입증하고 있었다.

내 일부는 궁금했다. 이것을 계속하게 둬야 하나? 엔트로피를 작품 의미의 일부로 받아들여야 하나? 하지만 다른 충동이 더 강해졌다. 이 흔적들이 완전히 사라지기 전에 붙잡고 싶다는 욕구였다. 상실의 두려움에서가 아니라 개인적 기억은 희미해질 수 있지만 예술적 증언은 지속될 수 있다는 인식에서였다. 특히 다른 이들이 그것에서 공명을 발견할 수 있다면 말이다. 나는 이 작품이 더 큰 힘으로 관람자들에게 도달하고 의식의 가장자리에 존재한다는 것이 무엇을 의미하는지 더 강력하게 소통하기를 원했다.

2025년 11월 나는 그림으로 돌아왔다. 개입은 바랜 부분들을 되살리기 위해 새 색층을 더하는 것과 더 이상의 열화를 막기 위해 상당히 더 두꺼운 바니시를 바르는 것을 포함했다. 이것들은 보존 행위였지만 또한 의지의 행위였다. 시간이 최종 발언권을 갖도록 두지 않겠다는 거부였다. 그러나 복원은 다른 무언가가 되었다. 변형 말이다. 작업하면서 나는 2025년의 내 손이 2023년과 다르게 움직인다는 것을 발견했다. 내가 더한 색들은 원래의 따뜻함을 재현하지 않고 대신 더 차가운 톤들을 도입했다. 더 깊은 녹색, 터코이즈와 민트의 암시, 수중적이고 침수된 쪽으로의 미묘한 이동이었다.

두꺼운 바니시는 유리질 표면 특성을 만들어 깊이와 거리를 더했다. 마치 이미지가 이제 물속이나 유리 뒤에 존재하는 것처럼 말이다. 이 냉각은 옳게, 심지어 불가피하게 느껴졌다. 2년이 지났다. 2023년 작품이 지녔던 어떤 즉각성, 최근 출현의 감각이 변했다. 거리가 생겼다. 작품은 이제 의식 너머의 초기 상태뿐만 아니라 그 상태가 무엇을 의미했는지에 대한 수년 후의 인식도 구현했다. 생존의 따뜻함이 더 차가운 성찰로 결정화되었다.

재작업된 그림은 이제 두 순간에 걸쳐 동시에 작동한다. 2023년 층이 아래에 남아있으며 원래의 떨림, 따뜻함, 불명확한 상태를 최근 통과한 감각을 지닌다. 2025년 층이 위에 있으며 더 차갑고 더 의도적이다. 보존 행위가 무엇이 유지할 가치가 있는지 우리가 바래지는 것들을 어떻게 붙잡는지에 대한 명상이 되었다. 이 층화는 예상치 못한 깊이를 만든다. 작품은 더 이상 단순히 의식의 한계에 "대한" 것이 아니다. 그것은 시간의 경과, 기억의 변형, 경험과 그것의 기록 사이의 관계에 대한 것이다.

그것은 우리가 어떻게 과거의 자아로 돌아가 그들을 친숙하면서도 낯설게 발견하는지, 보존 시도가 우리가 구하려는 것을 어떻게 바꾸는지를 다룬다. 두꺼운 바니시는 이 이중적 시간성을 봉인하며 관람자와 표면 사이에 투명한 장벽을 만든다. 이 유리 같은 막은 은유적으로 기능한다. 그것은 시간이 만드는 거리, 원초적 경험과 성찰적 이해 사이의 필요한 분리, 기억이 살아있는 감각이 아닌 대상이 되는 방식이다.

Ag(e)ing 시리즈 2번으로 위치한 이 작품은 "Growing Old..."와 관련되지만 다르다. 그 작품이 점진적 축적, 인내심 있는 쌓임, 품격 있는 과정으로서의 노화를 탐구한다면 "의식의 너머"는 단절과 회복을 다룬다. 연속성이 아닌 비연속성을 통한 노화, 꾸준한 축적이 아닌 간극과 귀환을 통한 노화다. 그러나 재작업은 그들을 더 가깝게 연결한다. 퇴색과 후속 보존은 노화의 현실을 반영한다. 우리는 단순히 축적하지 않는다. 우리는 또한 잃고 잊고 바랜다. 그리고 때때로 우리는 개입하여 미끄러져 가는 것을 붙잡으려 한다.

지금 존재하는 그림, 색들이 되살아났지만 변형되고 표면이 두꺼운 바니시 아래 봉인된 이 작품은 여러 긴장을 균형있게 유지한다. 그것은 보존되었으면서도 변경되고 고정되었으면서도 변형되고 개인적 기억이면서도 공적 증언이다. 작품은 자신의 생존을 주장하면서도 생존이 무엇을 대가로 하는지 인정한다. 즉각성의 따뜻함이 거리의 명료함과 교환되었다는 것을 말이다. 가까이서 표면은 지속적 주의를 보상한다. 초기 층들의 유령 패턴, 미묘한 색 변화, 빛이 두꺼운 바니시에 포착되어 수중적 깊이를 만드는 방식이 보인다.

균열과 박리, 이제 보호층 아래 봉인된 이것들은 가시적으로 남지만 변형되었다. 더 이상 활동적 열화가 아니라 무슨 일이 일어났는지의 정지된 증거다. 복원이 변형이 된 방식에는 정직함이 있다. 나는 바랜 것을 단순히 "고친다"고 가장하지 않았다. 대신 현재 위치에서 과거 작업으로 돌아가는 것이 필연적으로 그것을 변화시킨다는 것을 인정했다. 2023년에 그렸던 손은 2025년에 작업하는 손이 아니다. 2년의 삶, 제작, 사유가 개입했다. 더 차가운 톤, 더 두꺼운 바니시, 표면 특성의 미묘한 변화들, 이것들은 그 경과를 정직하게 기록한다.

이제 보호용 바니시 아래 봉인된 채 남은 것은 밝기가 아니라 깊이다. 2023년의 따뜻한 즉각성이 아니라 2025년의 숙고된 냉각이다. 단일 순간이 아니라 이중적 시간성이다. 작품은 보존이 수동적이지 않다는 것을 입증한다. 그것은 능동적 재해석이며 생존하는 것이 변화를 통해 생존한다는 인정이고 무언가를 붙잡는다는 것은 그것의 변형을 받아들인다는 것을 의미한다. 작품은 단순히 지속함으로써가 아니라 시간을 통한 자신의 경과에 적극적으로 관여함으로써 나이들었다. 의식의 한계에 대한 탐구로 시작된 것이 보존의 역설에 대한 명상이 되었다. 우리가 덧없는 것을 어떻게 구하는지, 우리가 사물들을 단순히 바래지게 놔두기를 거부할 때 무엇이 남는지에 대한 명상 말이다.

 

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This Long Version moves beyond a typical personal statement. It adopts the structure and tone of an Academic Treatise/Critique to provide an in-depth, structural analysis of the work's conceptual depth and material transformation process. 

 

1. The Premise and Initial Rupture: Defining Consciousness at its Limits

The painting Beyond Consciousness (Ag(e)ing Series #2) originates from a rigorous inquiry into the brain’s mnemonic and perceptive failures—the threshold where cognitive coherence dissolves into liminality and awareness collapses. The work specifically addresses dissociative states and the psychological experience of severe memory gaps, challenging the viewer’s reliance on a stable, linear self-narrative. The 45.5cm square format, while modest in scale, asserts an intimate yet demanding presence, successfully forcing the viewer into a close confrontation with a state typically resistant to visual articulation. Its initial selection for the 2023 Jungang Painting Biennale validated the hypothesis that the exploration of such elusive, interior mental states could secure public and critical resonance beyond the artist's personal experience.

The 2023 iteration was a visual essay on fragmentation, utilizing a palette dominated by warm ochres, olive greens, and nuanced earth tones that seemed to blend and dissolve into hazy, almost vaporous whites. This coloration was deliberate, intended to evoke a memory freshly extracted from a deep fog or the last visual remnants before total cognitive erasure. Critically, the surface texture acted as a physical correlative to the title's conceptual framework. Techniques such as induced cracking, deliberate peeling, and the exposure of the raw canvas weave were employed not as superficial distress, but as structural evidence of disintegration and psychic trauma. The painting’s physical structure was intentionally unstable, reflecting the consciousness it depicted—a testament to the fact that form, like memory, is inherently fragile and subject to internal pressures of decay.

The core philosophical premise of the work, therefore, rested entirely on vulnerability. The surface was designed to embody the inherent instability of memory—how fragments accumulate without clear organization and how sensory vividness is rapidly lost in the process of retrieval. It was an aesthetic object that doubled as an entropic metaphor, proposing that what we perceive as solid, continuous experience is, in fact, perpetually on the verge of dissolution. The structural tensions—between the thick modelling paste and the exposed canvas—established an internal dialectic of construction versus deconstruction from its inception.

 

2. The Performative Crisis and Aesthetic Resistance: The 2025 Intervention

The theoretical vulnerability of the work was transformed into a genuine material crisis over the following two years. Despite the initial, protective application of synthetic varnish, the original pigments began a noticeable and sustained process of fading, particularly the warmer, more organic tones. This deterioration was not merely a material setback; it became an uncanny, performative confirmation of the work's central conceptual narrative. The painting was literally enacting its own dissolution, manifesting the inevitability of entropic decay inherent in its premise. The physical loss of color mirrored precisely the psychological loss of memory, turning the pigment itself into a fleeting index of time. The artist was placed in a profound philosophical dilemma: should this self-willed decay be passively accepted as the ultimate, perhaps tragic, conclusion of the work's meaning, or should the artistic will actively intervene to challenge the material autonomy of the piece? The fading became, in essence, an unexpected collaboration with entropy, forcing a radical decision.

The decision to return to the canvas in November 2025 was a decisive act of aesthetic resistance—a refusal to cede the final word to time and disorder. The intervention was not motivated by a desire for pristine restoration, but for radical transformation and sealing. The artist chose not to replicate the lost warmth, acknowledging that the past state was irretrievable, but to introduce a counter-palette: layers of cooler, submerged tones, including deep greens, hints of turquoise, and mint. This color choice, moving towards aquatic depths, substituted the volatile immediacy of emergence with the cool, reflective distance of submergence. Furthermore, the application of a substantially thicker, highly glossy varnish was a conscious act of temporal sealing. This physical act was equivalent to saying: "this far, but no further." The material intervention decisively turned the work from a fragile depiction of a fleeting state into a fixed monument to survival and will. The new layers, in their stark contrast and density, serve to archive the initial process of decay underneath.

 

3. Dual Temporality and Critical Framing: The Enduring Present

The reworked surface operates simultaneously in a state of dual temporality. The 2023 layer persists as a foundational, "ghost" layer beneath, preserving the structural tremor and the residual warmth of the original, immediate experience. The 2025 layer, structurally cooler and deliberately fixed, embodies the subsequent act of reflection, containment, and preservation. The work’s thematic core thus expands: it no longer merely documents the limits of consciousness, but now examines the memory of those limits and the retrospective understanding achieved through the intervention of temporal distance. The original fissures and cracks remain sealed beneath the new varnish, having been immobilized. They are no longer signs of active deterioration but arrested, permanent evidence of rupture—a scar that confirms the struggle for survival.

The thick varnish layer is the critical element binding this dual narrative. It forms a dense, glassy membrane that functions as a powerful, multi-layered metaphor. It represents the temporal and emotional separation required for profound reflection—the necessary barrier that intervenes between raw, chaotic experience and ordered, cognitive understanding. It acts as an archival shield, transforming the painting's surface into a deep memory archive, where the original, chaotic data is preserved but viewed through a polished, reflective lens. It is the distance that transforms visceral memory into historical record.

Positioned as Ag(e)ing Series #2, the work is critically framed as a dialectical response to its series counterpart. While other works might focus on the slow accretion and gradual accumulation typical of biological aging (continuity), Beyond Consciousness engages with aging through discontinuity, rupture, and subsequent recovery. Survival is demonstrated not through seamless continuity, but through the acknowledgement of what was lost and the willful act of arresting that loss. The final composition is a complex, enduring present: a space where the immediate warmth of the original creation has been exchanged for the superior clarity of distance, marking a quiet, yet defiant, victory against total erasure. The painting’s persistent refusal to simply vanish asserts a powerful statement on the persistence of artistic documentation over the transience of psychological states.

 

 

이 텍스트는 단순한 개인 서술을 넘어, 작품의 개념적 깊이와 물질적 변형 과정을 비평적, 구조적인 맥락에서 심층 분석하기 위해 전문 비평(Academic Treatise)의 구조와 톤을 취하여 작성되었다.

 

1. 전제와 초기 단절: 한계에서의 의식 정의

본 작품 《의식의 너머》(Ag(e)ing Series #2)는 뇌의 기억 및 지각 실패, 즉 인지적 응집력이 경계에서 해체되고 자각이 붕괴하는 지점에 대한 엄격한 탐구에서 기원한다. 작품은 특히 해리 상태(dissociative states)와 심각한 기억 간극의 심리적 경험을 다루며, 안정적이고 선형적인 자기 서사에 대한 관람자의 신뢰에 도전한다. 45.5cm의 정방형 포맷은 규모는 작지만 친밀하면서도 시선을 요구하는 존재감을 주장하며, 시각적 표현이 어려운 내적 정신 상태를 관람자와 가깝게 대면시킨다. 2023년 중앙회화대전 입선은 이처럼 모호한 내부 상태에 대한 탐구가 작가의 개인적 경험을 넘어 대중적이고 비평적인 공명을 확보할 수 있다는 가설을 입증하였다.

2023년 초기작은 단편화된 상태에 대한 시각적 에세이였다. 따뜻한 황토색, 올리브 녹색, 미묘한 흙색조가 희미하고 거의 증기 같은 흰색과 뒤섞여 안개 속에서 갓 추출된 듯한 기억이나 완전한 인지적 소거 직전의 마지막 시각적 잔여물을 불러일으키도록 의도되었다. 비평적으로, 표면 질감은 제목의 개념적 틀에 대한 물리적 상응물로 기능했다. 유도된 균열, 의도적인 벗겨짐, 원본 캔버스 직조의 노출과 같은 기법들은 단순한 표면 손상이 아니라, 해체와 정신적 외상의 구조적 증거로 활용되었다. 그림의 물리적 구조는 그것이 묘사하는 의식만큼이나 의도적으로 불안정했으며, 이는 형태 또한 기억처럼 본질적으로 취약하며 내부 붕괴의 압력에 종속됨을 증언한다.

따라서 작품의 핵심 철학적 전제는 전적으로 취약성에 있었다. 표면은 기억의 본질적인 불안정성—파편들이 명확한 조직 없이 축적되고 감각적 생생함이 인출 과정에서 빠르게 상실되는 방식—을 구체화하도록 설계되었다. 그것은 엔트로피적 은유로 기능하는 미학적 대상이었으며, 우리가 견고하고 연속적인 경험으로 인식하는 것이 사실은 영구적인 용해의 직전에 있음을 제시하였다. 두꺼운 모델링 페이스트와 노출된 캔버스 사이의 구조적 긴장감은 시작부터 구성 대 해체의 내부 변증법을 확립하였다.

 

2. 수행적 위기와 미학적 저항: 2025년의 개입

작품의 이론적 취약성은 이후 2년에 걸쳐 실제적인 물질적 위기로 변모하였다. 초기 합성 바니시의 보호 적용에도 불구하고, 원래의 안료, 특히 따뜻하고 유기적인 톤들이 눈에 띄게 지속적인 퇴색 과정을 시작하였다. 이러한 열화는 단순한 물질적 좌절이 아니었으며, 오히려 작품의 핵심 개념적 서사—기억과 형태의 필연적 용해—를 수행하는 기이한 퍼포먼스적 확인이었다. 그림은 문자 그대로 자신의 용해를 실행하며, 그 전제에 내재된 엔트로피적 쇠퇴의 필연성을 가시화하였다. 색의 물리적 상실은 기억의 심리적 상실을 정확하게 반영하였고, 안료 자체를 시간의 덧없는 지표로 만들었다. 작가는 깊은 철학적 딜레마에 놓였다. 즉, 이 자발적 쇠퇴를 작품 의미의 궁극적인, 아마도 비극적인 결론으로 수동적으로 받아들여야 하는가, 아니면 예술적 의지가 적극적으로 개입하여 작품의 물질적 자율성에 도전해야 하는가였다. 이 퇴색은 본질적으로 엔트로피와의 예상치 못한 협업이 되었고, 급진적인 결정을 강요했다.

2025년 11월, 캔버스로 돌아가기로 한 결정은 미학적 저항의 단호한 행위였다—시간과 무질서에 최종 발언권을 넘기지 않겠다는 거부의 선언이었다. 개입은 잃어버린 따뜻함을 복제하려는 순수한 복원 행위가 아닌, 근본적인 변형과 봉인을 위한 것이었다. 작가는 과거의 상태가 되돌릴 수 없음을 인정하고, 잃어버린 따뜻함을 복제하는 대신, 대립적인 팔레트, 즉 터코이즈, 깊은 녹색, 민트 등 더 차가운 수중적 톤의 층을 도입하였다. 이러한 색채 선택은 수중의 깊이로 이동하며, 출현의 휘발적인 즉각성을 차갑고 성찰적인 잠수의 거리로 대체하였다. 나아가, 상당히 두껍고 광택이 나는 바니시를 적용한 것은 의식적인 시간의 봉인이었다. 이 물리적 행위는 "여기까지만, 더 이상은 안 된다"고 선언하는 것과 같았다. 물질적 개입은 작품을 덧없는 상태의 취약한 묘사에서 생존과 의지를 기념하는 고정된 기념비로 단호하게 전환시켰다. 새로운 층들은 그들의 뚜렷한 대비와 밀도로, 아래의 초기 쇠퇴 과정을 기록하는 아카이브 역할을 한다.

 

3. 이중적 시간성과 비평적 틀: 영속적인 현재

재작업된 표면은 이중적 시간성의 상태에서 동시에 작동한다. 2023년의 층은 아래에 '유령' 층으로 남아, 원초적이고 즉각적인 경험의 구조적 떨림과 잔여적 따뜻함을 보존한다. 구조적으로 더 차갑고 의도적으로 고정된 2025년의 층은 후속적인 성찰, 억제, 그리고 보존의 행위를 구체화한다. 이로써 작품의 주제적 핵심은 확장된다. 이는 더 이상 의식의 한계를 단순히 문서화하는 것이 아니라, 이제 그 한계에 대한 기억과 시간적 거리의 개입을 통해 달성된 회고적 이해를 탐구한다. 원래의 균열과 틈은 새로운 바니시 아래 봉인되어, 더 이상 활성적인 열화의 징후가 아닌, 단절의 정지된, 영구적인 증거—생존을 위한 투쟁을 확인하는 흉터—로 남는다.

이 두꺼운 바니시 층은 이 이중적 서사를 묶는 결정적인 요소다. 이는 강력한 다층적 은유로 기능하는 조밀한 유리질 막을 형성한다. 그것은 심오한 성찰에 필요한 시간적, 감정적 분리—원초적이고 혼란스러운 경험과 질서 있는 인지적 이해 사이에 개입하는 필수적인 장벽—를 나타낸다. 이는 원본의 혼란스러운 데이터를 보존하되, 광택 있고 성찰적인 렌즈를 통해 보도록 변형시키는 깊은 기억 아카이브의 방패 역할을 한다. 이는 내장된 기억을 역사적 기록으로 변형시키는 거리이다.

Ag(e)ing Series #2로 위치한 이 작품은 시리즈의 다른 작품에 대한 변증법적 응답으로 비평적으로 구성된다. 다른 작품들이 생물학적 노화의 전형인 느린 첨가와 점진적 축적(연속성)에 초점을 맞춘다면, *《의식의 너머》*는 불연속성, 파열, 그리고 후속적인 회복을 통한 노화에 참여한다. 생존은 끊김 없는 연속성을 통해서가 아니라, 상실된 것을 인정하고 그 상실을 정지시키려는 의지적인 행위를 통해 달성됨이 증명된다. 최종 구성은 복합적이고 영속적인 현재이다. 이는 원초적 창조의 즉각적인 따뜻함이 거리의 탁월한 명료함으로 교환된 공간이며, 완전한 소멸에 대한 조용하지만 단호한 승리를 표명한다. 그림이 단순히 사라지기를 거부하는 끈기는 심리적 상태의 일시성 너머, 예술적 기록의 영속성에 대한 강력한 진술을 주장한다.