DEULCHUM (LIFTING THE VEILS)

Deulchum (Lifting the Veils) | 들춤 (장막을 걷어냄)
Ageing Series #5  - 2025
Mixed media on canvas (acrylic paint, modeling paste, clay, sand, rust pigment, gesso, varnish)
F10 (53 × 45.5 cm)

https://jonathank.tistory.com

https://www.singulart.com/en/artworks/kim-jun-sung-deulchum-2477181

 

 

Turquoise layers conceal and confess simultaneously. From a distance, the surface appears calm—closer inspection reveals yellow foundations flickering through, rust-brown pigments settling into carved grooves, and clay edges that curl upward with subtle sheen, their varnished surfaces catching light while the matte field recedes. This is not passive decay but deliberate rupture: the two-dimensional plane breaks into sculptural relief, exposing granular sediments of ochre, gold, and rust-brown beneath. The curled edge performs what the painting declares—stop hiding what cannot be hidden. Withdraw the curtain. Face the corroded truth underneath, whether善 or evil, victim or perpetrator. Contrasting finishes demand proximity and honesty. This work stages unveiling itself: not covering, but stripping away.

 

청록의 층위들은 동시에 숨기고 고백한다. 멀리서 보면 표면은 고요하다—그러나 가까이 다가가면 노란 바탕이 깜박이고, 붉은 기운의 갈색 안료가 파인 홈에 고이며, 점토로 빚은 가장자리가 은은한 광택을 띠며 말려 올라간다. 바니쉬 처리된 조각적 요소는 빛을 포착하고 무광의 평면은 물러난다. 이것은 수동적 부패가 아니라 의도적 파열이다. 2차원 평면이 조각적 입체로 깨지며, 그 아래 황토색, 금색, 붉은 갈색의 알갱이 퇴적물을 드러낸다. 말려 올라간 가장자리는 그림이 선언하는 것을 수행한다—숨겨질 수 없는 것을 그만 숨겨라. 장막을 거둬라. 그 아래 부식된 진실과 마주하라, 선이든 악이든, 피해자든 가해자든. 대비되는 마감 처리는 가까이 다가옴과 정직함을 요구한다. 이 작품은 덮는 것이 아니라 벗겨내는. 들춤 그 자체를 무대화한다: 

 

 

Painting becomes theater. The canvas transforms into a stage where concealment and exposure wage their ancient war. Multiple layers of turquoise paint—from bright cyan to deep blue-green—accumulate like the facades humans construct to survive. A yellow base flickers through cracks like suppressed memory refusing erasure. The irregular, brushed surface embodies life's weary contours, with rust-brown pigments settling into gouges like oxidized conscience. Visible brushstrokes—vertical sweeps, horizontal drags—record the physical labor of layering itself.

The masterwork is the sculptural edge: clay meticulously shaped to create the illusion of a curling page, then reinforced with modeling paste and gesso, sealed with glossy varnish to achieve permanent upward fold and reflective sheen. This converts flat painting into three-dimensional gesture—the deliberate act of peeling back. Not natural decay but willful rupture. Not entropy but agency. The varnished curl catches light while the matte field absorbs it, creating visual hierarchy through surface treatment alone. Beneath this lifted margin, sand and gravel particles—individually discernible under close inspection—glow with ochre, gold, and rust-brown tones, each granule retaining subtle luster despite matte varnish.

Everyone carries elaborate justifications for concealment. But pretending righteousness while practicing hypocrisy creates only facade—and even that facade will rust, crack, crumble. This work enacts unveiling. The exposed sediment may represent wickedness or victimhood, manipulated truth or suppressed innocence. The artist refuses predetermined meaning, offering instead the gesture of exposure itself across personal psychology, social hypocrisy, historical revisionism, political cover-ups.

 

회화가 연극이 된다. 캔버스는 은폐와 노출이 오래된 전쟁을 벌이는 무대로 변한다. 밝은 시안부터 깊은 청록까지 여러 층의 터쿼이즈 페인트가 인간이 생존을 위해 구축한 외관처럼 축적된다. 노란 바탕이 균열을 통해 깜박이며 지워지기를 거부하는 억압된 기억처럼 비친다. 불규칙하고 붓질이 드러난 표면은 삶의 지친 윤곽을 구현하며, 붉은 기운의 갈색 안료가 홈에 고여 산화된 양심처럼 자리한다. 가시적인 붓자국—수직의 쓸어내림, 수평의 끌어당김—은 레이어링 자체의 물리적 노동을 기록한다.

백미는 조각적 가장자리다. 점토를 세심하게 빚어 말려 올라가는 페이지의 착시를 만들고, 모델링 페이스트와 젯소로 보강한 후 광택 바니쉬로 봉인하여 영구적인 상향 접힘과 반사성 광택을 구현했다. 이것은 평면 회화를 3차원 제스처로 전환한다—의도적인 벗겨내기 행위. 자연스러운 부패가 아니라 의지적 파열. 엔트로피가 아니라 주체성. 바니쉬 처리된 말림은 빛을 포착하고 무광의 평면은 빛을 흡수하여, 표면 처리만으로 시각적 위계를 만든다. 이 들어 올려진 가장자리 아래로 모래와 자갈 입자들—근접 관찰 시 개별적으로 식별 가능한—이 황토색, 금색, 붉은 갈색 톤으로 빛나며, 각 알갱이는 무광 바니쉬에도 불구하고 미묘한 광택을 유지한다.

누구나 은폐를 위한 정교한 정당화를 지닌다. 그러나 위선을 실천하면서 거룩함을 가장하는 것은 오직 외관만 만들 뿐이고—그 외관조차 녹슬고, 균열나고, 무너질 것이다. 이 작품은 들춤을 실행한다. 드러난 침전물은 사악함일 수도 있고 희생일 수도, 조작된 진실일 수도 있고 억압된 무고함일 수도 있다. 작가는 미리 규정된 의미를 거부하고, 대신 개인 심리, 사회적 위선, 역사 수정주의, 정치적 은폐를 가로지르는 노출의 제스처 자체를 제공한다.

 

 

The following statement adopts an analytical third-person perspective to provide critical distance while remaining faithful to the artist's conceptual intentions and material processes.

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Deulchum: The Theater of Necessary Exposure

In the contested terrain of contemporary painting, the canvas has become a battlefield of surfaces—a site where concealment and revelation enact their inevitable confrontation. Junsung Kim's Deulchum (Lifting the Veils) does not merely depict this struggle; it performs it. The work transforms painting from representation into theatrical enactment, staging the difficult ethics of exposure on the physical plane of the canvas itself.

The Facade: Oxidation as Accumulated Time

From a distance, the work presents as a deceptively tranquil turquoise expanse—the color not of decoration but of oxidation incarnate. This is the patina of weathered copper, ranging from bright cyan through mid-tone turquoise to deeper blue-green. The surface is not uniform but stratigraphic, each layer recording a moment of application, erosion, and reapplication in a cyclic process that mirrors the exhausting labor of maintaining appearances.

Move closer, and nothing remains ordinary. The yellow base layer flickers through like suppressed memory refusing erasure. Visible brushwork—vertical sweeps dragging pigment downward, horizontal strokes pulling color across—preserves the evidence of the hand's movement, making process legible as content. The surface particles form an irregular, pitted terrain carved into the weary furrows of exhausted existence. Deep gouges collect rust-brown pigment—not red, but the reddish-brown of corroded metal ranging through ochre to darker umber. This chromatic specificity matters: it locates the palette in material reality rather than symbolic abstraction.

The Rupture: Agency Not Entropy

The work's conceptual and formal climax occurs at the lower right edge, where two-dimensional painting violently negates itself to become three-dimensional sculpture. Here, Kim sculpted clay into the convincing illusion of a page curling upward—as if the painting itself were a document that time, or conscience, or necessity has begun to turn.

This gesture aligns the artist with a lineage of spatial rupture, notably Lucio Fontana's Concetti Spaziali, which slashed the canvas to reveal a void. But where Fontana sought metaphysical transcendence, Kim reveals terrestrial, material truth. The gesture also recalls Antoni Tàpies, who loaded surfaces with matter—sand, marble dust, clay—to make the canvas a vessel of memory. Kim synthesizes these legacies into a unique ethical statement: his rupture is not violent spontaneity but slow, deliberate, sculpted peeling.

To permanently fix this form, the clay was reinforced with modeling paste for structural integrity, sealed with gesso for surface cohesion, and finished with glossy varnish for durability and reflective quality. This process transformed temporary pliability into permanent gesture while creating a crucial surface contrast. The sculptural edge catches and reflects light, asserting its dimensional presence—"performing its own eventness," in the language of phenomenology—while the matte turquoise field absorbs light, receding into contemplative depth.

This interplay of gloss and matte is not incidental but creates what might be called a hierarchy of honesty: the glossy curl confronts, demanding attention; the matte field conceals, requiring proximity to perceive its subtle variations. Through light's behavior alone, Kim stages the dialectic between exposure and concealment.

The curled edge announces: "I am not depicting peeling; I am peeling." It breaches the pictorial plane to perform what metaphor can only suggest. This is not passive deterioration but active intervention. Not entropy but agency. Not time's accident but deliberate choice to rupture, expose, force confrontation.

The Revealed: Granular, Irreducible Truth

Beneath this lifted margin lies another surface—the ostensible subject of all this unveiling. A layer composed of sand and gravel, embedded with rust pigments and gold tones, creates a granular field that reveals its particulate nature only upon close inspection. Each grain is individually discernible, catching minute amounts of light despite the matte varnish applied to subdue overall intensity.

The color range is precise: ochre (yellow-brown earth tone), gold (metallic yellow highlights), and rust-brown (the reddish-brown of oxidized iron)—but never pure red. Critically, Kim chose matte varnish for this exposed area. Had gloss been applied, these particles would blaze intensely, creating spectacle. The matte finish instead subdues the color deliberately, refusing to beautify or sensationalize the revealed truth. This restraint is both aesthetic and ethical—it forces the viewer to work harder, to earn the privilege of witnessing through proximity and sustained attention.

The Ethical Imperative: Refusal of Predetermined Meaning

The work emerges from specific ethical urgency, articulated in Kim's own words as an uncompromising demand: "What cannot be covered, stop hiding. Withdraw the curtain. Face transgressions honestly. Be truthful. Be humble. Acknowledge flaws and insufficiencies."

This imperative extends from first-person singular to third-person plural, encompassing both self-critique and social indictment. Whether addressing those who pile up layers while feigning ignorance, or confronting accumulated personal facades, the work demands the same action: let the planes of disconnection curl upward and away, revealing what lies beneath.

Critically, the work refuses to define whether the exposed essence is good or evil, victim or perpetrator, beautiful or ugly. This refusal of predetermined meaning is the work's most profound political and psychological gesture. The rust-brown, gold, ochre granules could represent personal wickedness requiring acknowledgment, social hypocrisy demanding exposure, or equally, original truth victimized by fabricated narratives—innocence deserving restoration and light.

Kim deliberately refuses to limit interpretive possibility. The work subtly contains all these potentials, not limiting but infinitely provoking viewers' thoughts, forcing each to determine what their own hidden sediments might contain. It functions across multiple registers: personal psychology, social hypocrisy, historical revisionism, political cover-ups.

Material Process as Ethical Method

Every technical decision embodies the conceptual program. The repeated layering of turquoise paint mirrors the accumulation of protective facades. Visible brushstrokes preserve evidence of application. The sanding between layers exposes what lies beneath, creating stratigraphic visibility—making process itself into content. The washing allows controlled fade, orchestrating loss while determining what disappears and what persists. The selective reapplication of rust-brown pigment marks where testimony must remain legible.

The clay sculpture required different honesty. Clay is inherently temporary, vulnerable, mutable. Transforming its malleability into permanence through reinforcement parallels the ethical work the piece demands: converting private acknowledgment into public testimony, temporary courage into permanent commitment, momentary clarity into lasting stance.

Conclusion: Unveiling as Manifesto

Deulchum ultimately proposes that integrity is not the absence of corruption but the courage to expose it. The work practices what it preaches—it does not conceal its own making, its own revisions, its own corrections. Every brushstroke, every sanding mark, every washing-induced fade, every selective re-oxidation remains visible as evidence.

This is painting as unveiling. Not covering but uncovering. Not hiding but revealing. Not façade but rupture. The curtain withdrawn, permanently curled back in glossy assertion, demanding confrontation with what lies beneath—the particulate, granular, irreducible truth, whatever that may be.

The work stands as both monument and mirror, both accusation and invitation: strip away your own veils, face what you have hidden. Only then can rust-brown become testimony, ochre become honesty, and gold become the most enduring form of beauty—not the beauty of perfection but the beauty of unflinching truth.

 

다음의 진술은 작가의 개념적 의도와 물질적 과정에 충실하면서도 비평적 거리를 제공하기 위해 분석적 3인칭 관점을 채택한다.

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들춤: 필연적 노출의 연극

현대 회화라는 논쟁적 영역에서 캔버스는 표면들의 전쟁터가 되었다—은폐와 계시가 피할 수 없는 대결을 벌이는 장소. 김준성의 *들춤(장막을 걷어냄)*은 이 투쟁을 단순히 묘사하지 않는다. 그것을 수행한다. 작품은 회화를 재현에서 연극적 실연으로 변환시키며, 노출의 어려운 윤리를 캔버스의 물리적 평면 위에서 무대화한다.

외관: 축적된 시간으로서의 산화

멀리서 보면 작품은 기만적으로 평온한 청록빛 평면으로 나타난다—이 색은 장식이 아니라 산화 그 자체의 화신이다. 풍화된 구리의 녹청으로, 밝은 시안부터 중간 톤 청록을 거쳐 더 깊은 청록까지 범위를 이룬다. 표면은 균일하지 않고 지층학적이며, 각 층은 외양을 유지하는 소진적 노동을 반영하는 순환 과정 속에서 적용과 침식과 재적용의 순간을 기록한다.

가까이 다가가면 어느 것도 평범하지 않다. 노란 베이스 층이 지워짐을 거부하는 억압된 기억처럼 깜박인다. 가시적인 붓질—안료를 아래로 끌어내리는 수직의 쓸어내림, 색을 가로질러 당기는 수평의 스트로크—은 손의 움직임에 대한 증거를 보존하며, 과정을 내용으로서 판독 가능하게 만든다. 표면 입자들은 불규칙하고 움푹 파인 지형을 이루며 지친 존재의 피로한 주름으로 새겨진다. 깊은 홈들은 붉은 갈색 안료를 모은다—빨강이 아니라 부식된 금속의 붉은 기운을 띤 갈색이며, 황토색부터 더 어두운 암갈색까지 범위를 형성한다. 이 색채의 구체성이 중요하다. 그것은 팔레트를 상징적 추상이 아니라 물질적 현실에 위치시킨다.

파열: 엔트로피가 아닌 주체성

작품의 개념적이고 형식적인 절정은 오른쪽 하단 가장자리에서 일어나며, 여기서 2차원 회화가 격렬하게 자기 자신을 부정하여 3차원 조각이 된다. 김은 점토를 조각하여 페이지가 위로 말려 올라가는 설득력 있는 착시를 만들었다—마치 그림 자체가 시간이, 혹은 양심이, 혹은 필연이 넘기기 시작한 문서인 것처럼.

이 제스처는 작가를 공간적 파열의 계보, 특히 캔버스를 베어 공허를 드러낸 루치오 폰타나의 공간 개념과 나란히 놓는다. 그러나 폰타나가 형이상학적 초월을 추구했다면, 김은 지상적이고 물질적인 진실을 드러낸다. 이 제스처는 또한 표면에 물질—모래, 대리석 가루, 점토—을 적재하여 캔버스를 기억의 용기로 만들었던 안토니 타피에스를 연상시킨다. 김은 이러한 유산들을 독자적인 윤리적 진술로 종합한다. 그의 파열은 폭력적 자발성이 아니라 느리고 의도적이며 조각된 벗겨냄이다.

이 형태를 영구적으로 고정하기 위해, 점토를 구조적 무결성을 위해 모델링 페이스트로 보강하고, 표면 응집력을 위해 젯소로 봉인하고, 내구성과 반사 특성을 위해 광택 바니쉬로 마무리했다. 이 과정은 일시적 유연성을 영구적 제스처로 변환시키면서 동시에 결정적인 표면 대비를 만들었다. 조각적 가장자리는 빛을 포착하고 반사하여 차원적 존재를 주장한다—현상학의 언어로 표현하자면 "그 자체의 사건성을 수행"하며—반면 무광 청록색 장은 빛을 흡수하여 사색적 깊이로 물러난다.

광택과 무광의 이 상호작용은 우연이 아니라 정직함의 위계라고 부를 수 있는 것을 만든다. 광택 있는 말림은 대면하며 주목을 요구하고, 무광의 장은 은폐하며 그 미묘한 변화를 인식하기 위해 근접을 요구한다. 빛의 행동만으로, 김은 노출과 은폐 사이의 변증법을 무대화한다.

말려 올라간 가장자리는 선언한다. "나는 벗겨짐을 묘사하는 것이 아니라 벗겨지고 있다." 그것은 회화 평면을 돌파하여 은유가 암시할 수만 있는 것을 수행한다. 이것은 수동적 부패가 아니라 능동적 개입이다. 엔트로피가 아니라 주체성이다. 시간의 우연이 아니라 파열하고, 노출하고, 대면을 강제하는 의도적 선택이다.

드러난 것: 알갱이 같고 환원 불가능한 진실

이 들어 올려진 가장자리 아래에 또 다른 표면이 있다—이 모든 들춤의 표면상 주제. 모래와 자갈로 구성되고 녹 안료와 금빛 톤이 박힌 층이 알갱이 장을 만들며, 근접 관찰 시에만 그 입자적 특성을 드러낸다. 각 알갱이는 개별적으로 식별 가능하며, 전체 강도를 억누르기 위해 도포된 무광 바니쉬에도 불구하고 미세한 양의 빛을 포착한다.

색 범위는 정확하다. 황토색(노란-갈색 흙빛 톤), 금색(금속성 노란 하이라이트), 그리고 붉은 갈색(산화된 철의 붉은 기운을 띤 갈색)—하지만 결코 순수한 빨강은 아니다. 결정적으로, 김은 이 노출된 영역에 무광 바니쉬를 선택했다. 광택을 발랐다면 이 입자들이 강렬하게 타올라 스펙터클을 만들었을 것이다. 무광 마감은 대신 의도적으로 색을 억눌러, 드러난 진실을 미화하거나 선정적으로 만들기를 거부한다. 이 절제는 미학적이면서 동시에 윤리적이다—관객이 더 열심히 노력하고, 근접성과 지속적 주의를 통해 목격의 특권을 얻도록 강제한다.

윤리적 명령: 미리 규정된 의미의 거부

작품은 특정한 윤리적 긴급성으로부터 출현하며, 김 자신의 말로 표현된 타협 없는 요구로 명확히 된다. "덮어질 수 없는 것을 그만 숨겨라. 장막을 거둬라. 위반을 정직하게 직면하라. 진실하라. 겸손하라. 결함과 부족함을 인정하라."

이 명령은 1인칭 단수부터 3인칭 복수까지 확장되며, 자기비판과 사회적 고발을 모두 포괄한다. 층을 쌓아놓고 무지한 척하는 자들을 향하든, 축적된 개인적 외관과 대면하든, 작품은 동일한 행동을 요구한다. 단절의 평면들이 위로 말려 올라가 그 아래 있는 것을 드러내도록 하라.

결정적으로, 작품은 노출된 본질이 선한지 악한지, 피해자인지 가해자인지, 아름다운지 추한지를 규정하기를 거부한다. 이 미리 규정된 의미의 거부는 작품의 가장 심오한 정치적이고 심리학적인 제스처이다. 붉은 갈색, 금색, 황토색 알갱이들은 인정을 요구하는 개인적 사악함, 노출을 요구하는 사회적 위선, 혹은 똑같이 조작된 서사에 의해 희생된 원래의 진실—복원과 빛을 받을 자격이 있는 무고함—을 나타낼 수 있다.

김은 의도적으로 해석 가능성을 제한하기를 거부한다. 작품은 이 모든 잠재성을 미묘하게 담고 있으며, 제한하지 않고 관객의 생각을 무한히 자극하여 각자가 자신의 숨겨진 퇴적물에 무엇이 담겨 있을지 결정하도록 강제한다. 작품은 여러 층위에서 기능한다—개인 심리, 사회적 위선, 역사 수정주의, 정치적 은폐.

윤리적 방법으로서의 물질적 과정

모든 기술적 결정이 개념적 프로그램을 구현한다. 청록색 페인트의 반복적 레이어링은 보호 외관의 축적을 반영한다. 가시적인 붓질은 도포의 증거를 보존한다. 층 사이의 샌딩은 그 아래 있는 것을 노출시켜 지층학적 가시성을 만든다—과정 자체를 내용으로 만든다. 세척은 통제된 퇴색을 허용하며, 무엇이 사라지고 무엇이 지속되는지를 결정하면서 상실을 조율한다. 붉은 갈색 안료의 선택적 재적용은 증언이 판독 가능하게 남아야 하는 지점을 표시한다.

점토 조각은 다른 정직함을 요구했다. 점토는 본질적으로 일시적이고, 취약하고, 가변적이다. 보강을 통해 그 가소성을 영속성으로 변환시키는 것은 작품이 요구하는 윤리적 작업과 평행한다—사적 인정을 공적 증언으로, 일시적 용기를 영구적 헌신으로, 순간적 명료함을 지속적 입장으로 전환하는.

결론: 선언문으로서의 들춤

들춤은 궁극적으로 완결성이 부패의 부재가 아니라 그것을 노출하는 용기임을 제안한다. 작품은 자신이 설교하는 것을 실천한다—자신의 제작, 자신의 수정, 자신의 교정을 은폐하지 않는다. 모든 붓질, 모든 샌딩 자국, 모든 세척으로 인한 퇴색, 모든 선택적 재산화가 증거로 가시적으로 남아있다.

이것은 들춤으로서의 회화다. 덮는 것이 아니라 벗기는 것. 숨기는 것이 아니라 드러내는 것. 외관이 아니라 파열. 광택 있는 주장으로 영구적으로 말려 올라간 채 거둬진 장막은 그 아래 있는 것—입자적이고, 알갱이적이고, 환원 불가능한 진실, 그것이 무엇이든—과의 대면을 요구한다.

작품은 기념비이자 동시에 거울로, 고발이자 동시에 초대로 서 있다. 당신 자신의 장막을 벗겨내라, 당신이 숨겨왔던 것과 직면하라. 오직 그때만 붉은 갈색이 증언이 되고, 황토색이 정직함이 되며, 금색이 가장 지속적인 형태의 아름다움이 된다—완벽함의 아름다움이 아니라 주저 없는 진실의 아름다움.