Corrosive Liquidation

Corrosive Liquidation 《부식청산》
Ageing Series #4
Mixed Media on Canvas, 10F (53 × 45.5 cm)

Mediums: Acrylics, Modeling Paste, Corrosive Paint, Thick Varnish
2023 (initial creation) – 2025 (reworking)

https://jonathank.tistory.com

https://www.singulart.com/en/artworks/kim-jun-sung-corrosive-liquidation-2472681

 

Rust arrested, turquoise intervenes.

This surface holds its wounds open—visible, disciplined, enduring.
Every gesture documents struggle: sanding as interrogation, washing as absolution, varnish as oath.
Decay, once passive, becomes conscious.
Turquoise breathes between authority and renewal, stopping corrosion without hiding it.
History is fixed mid-breath, accountability sealed in gloss.
No restoration, no denial—only witness, stabilized.
Within the Ageing Series, this is the turning point:
where time is no longer endured but commanded,
where corrosion no longer spreads but speaks.
The painting declares: memory will not rust again.

 

녹은 멈추고, 청록이 개입한다.
이 표면은 상처를 드러낸 채 견딘다—가시적이고, 절제되며, 지속된다.
모든 행위는 투쟁의 기록이다: 연마는 심문이고, 세척은 면죄이며, 바니쉬는 맹세다.
수동적이던 부식은 이제 자각으로 변한다.
청록은 권위와 재생 사이를 숨쉬며, 부식을 멈추되 감추지 않는다.
역사는 한숨 사이에서 멈추고, 책임은 광택 속에 봉인된다.
복원도, 부정도 없다—오직 증언만이 안정된다.
〈에이징 시리즈〉 속에서 이것은 전환점이다:
시간이 견디는 것이 아니라 지휘되는 자리,
부식이 번지는 대신 말하는 순간.
작품은 선언한다—기억은 다시는 녹슬지 않으리라.

 

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Corrosive Liquidation materializes the ethics of containment through layered physical intervention. Initiated in early 2023 within the Ageing Series inquiry, the 10F canvas originally permitted rust to infiltrate freely—oxide veins creeping through fissures, embodying unresolved fractures under systemic tension. By 2025, the surface demanded mediation.
Turquoise layers—translucent yet deliberate—were applied to balance revelation and concealment. Sanding alternated between abrasion and refinement, unearthing suppressed strata while preserving fragile clarity. Water washing introduced rhythmic negotiation; residues dissolved, yet evidence remained. Selective rust revival reanimated testimony where memory must not fade. The process culminated in a thick varnish, conceived matte but drying to an unintended gloss: a material paradox that transforms volatility into permanence.
This painting is a ledger of interventions—a trial on canvas. Its ethics refuse both decay’s passivity and restoration’s pretense. The term 청산 resonates doubly: liquidation of corruption, and purification through endurance.
Thus, Corrosive Liquidation situates itself as a threshold within the Ageing Series: a moment where time is not merely observed but disciplined; where corrosion ceases to signify defeat, and begins to signify resolve.

 

《부식청산》은 층층이 쌓인 물리적 개입을 통해 억제의 윤리를 가시화한다. 2023년 초 에이징 시리즈의 연장선에서 시작된 10호 캔버스는 처음엔 녹이 자유롭게 침투하도록 방치되었다—산화의 실핏줄이 균열을 따라 스며들며 장기적 긴장의 균열을 드러냈다. 그러나 2025년에 이르러, 표면은 능동적 개입을 요구했다.
청록의 투명한 층은 드러냄과 숨김 사이의 균형을 탐색했고, 샌딩은 거친 연마와 미세한 정제를 오가며 억눌린 지층을 드러냈다. 물 세척은 리듬을 더하며 잔여물을 제거했지만 증거는 남겼다. 선택적으로 부활한 녹은, 잊혀져서는 안 될 기억의 자리를 되살렸다. 마지막 단계의 두꺼운 바니쉬는 매트하게 구상되었지만 의도치 않게 광택으로 굳었다—휘발성을 영속으로 바꾸는 물질적 역설이다.
이 작품은 복원이 아니라 심문이다. 부패의 침식을 묵인하지 않고, 허위의 회복을 거부한다. ‘청산’이라는 말은 이중으로 울린다—부패의 청산이자, 인내를 통한 정화.
따라서 《부식청산》은 에이징 시리즈 속에서 하나의 문턱으로 존재한다: 시간이 관찰에서 규율로 이행하는 순간, 부식이 패배가 아닌 결의로 변환되는 자리.

 

 

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Corrosive Liquidation — Ageing Series #4 (2023–2025)

Mixed media on canvas (Acrylics, Modeling Paste, Corrosion Paint, Thick Varnish), 10F (53 × 45.5 cm)

 

I. The Persistence of Corrosion

Corrosive Liquidation arises from a long engagement with the question of how to confront decay without erasing its trace—how to preserve the wound without letting it fester. The work stands at a pivotal point within the Ageing series, marking a transition from observation to intervention, from accepting entropy to resisting its political and moral analogues.

Initially created in early 2023, the canvas was left deliberately vulnerable: layers of corrosion paint were allowed to infiltrate, stain, and react. Over time, uncontrolled oxidation became emblematic of larger societal fatigue—structures left uncorrected, wrongs tolerated too long, justice delayed into corrosion. By 2025, the surface demanded confrontation. Not simply restoration, but reckoning.

 

II. Material as Memory and Judgement

The reworking process was both a technical and ethical act. Multiple strata of turquoise acrylics—translucent yet assertive—were layered to mediate between concealment and exposure. The turquoise, the color of oxidized copper, functioned as both balm and barrier: a hue born of corrosion itself, repurposed to contain further decay.

Through abrasive sanding, the artist unearthed buried layers, revealing the scars of earlier reactions. This was not erasure but excavation—an act akin to historical investigation, where truth must be retrieved through friction. Water washing followed, introducing a controlled dissolution, a purification that allowed the surface to breathe while accepting loss as part of renewal.

In the crevices, selective rust revival occurred: pigments of oxidation were reintroduced precisely where testimony was essential. This calibration of exposure—deciding where the wound must remain visible—embodied the ethics of 청산: confronting corruption not by obliteration but by transparent preservation.

Finally, a thick varnish layer sealed the surface. Its gloss was unintended yet revealing—turning what was once volatile into reflective permanence. The varnish acts as a juridical boundary: corrosion can no longer spread, but neither can it disappear. The testimony remains visible, luminous, undeniable.

 

III. The Philosophy of 청산

The Korean notion of 청산 is more than liquidation; it is moral accounting. It demands that corruption be fixed in public view, neither forgiven nor forgotten. This painting adopts that principle as material philosophy.

Where earlier Ageing works explored the natural rhythm of deterioration—paint bleeding, pigments fading—Ageing #4 transforms this rhythm into a social metaphor. Here, the artist’s resistance becomes explicit: the work refuses to allow historical rot to masquerade as time’s inevitability.

In the wake of collective disillusionment, of democratic fatigue, of unresolved reckoning with internal betrayal, the work takes on the burden of testimony. The rust’s spread becomes allegory for the persistence of unresolved wrongs; the turquoise intervention becomes both protest and promise—that corruption, once revealed, shall not metastasize again.

Corrosive Liquidation thus turns the act of painting into a moral act of containment: a declaration that “nothing will be quietly buried.”

 

IV. Within the Ageing Series

Within the broader Ageing series, Corrosive Liquidation occupies a critical hinge. Earlier works in the sequence—Ageing #1–3—focused on natural entropy, exploring surface tension, fading, and oxidation as aesthetic meditation on impermanence.

In contrast, Ageing #4 is assertive and juridical. It no longer observes decay but confronts it. This work transforms the aesthetic of corrosion into a system of accountability—what could be called “material justice.” Where prior canvases drifted between acceptance and surrender, #4 insists on intervention, crystallization, moral boundary.

In this way, it signals a turn in the series from passive recording of time’s marks to active negotiation with them. The turquoise here is not serenity—it is vigilance.

 

V. Temporal Arrest and Civic Vigil

The work spans two years of physical and psychological labor. Between 2023 and 2025, social fractures deepened, disinformation corroded civic faith, and many retreated into fatigue. In this climate, Corrosive Liquidation stands as a modest but deliberate act of resistance.

Its thick varnish, often read as aesthetic excess, functions as manifesto: a visible refusal to let history dissolve into ambiguity. The gloss reflects the viewer’s face—implicating them in the ongoing narrative of accountability. One cannot look at the work without seeing oneself mirrored in the act of preservation.

Time, within this painting, is both arrested and alive. The oxidation no longer spreads, yet the tension between turquoise calm and rusted unrest continues to vibrate beneath the surface. The painting thus lives in a state of disciplined suspension—proof that vigilance, once exercised, can prevent the recurrence of decay.

 

VI. The Final Declaration

This is not restoration but documentation.
Not forgetting but fixing.
Not nostalgia but accountability.

Corrosive Liquidation materializes a vow: that corruption—whether material, moral, or political—can be confronted without erasure, and that art, in its layered patience, can enact what institutions delay.

It is a quiet revolution in pigment and varnish, where oxidation becomes evidence, and beauty becomes resistance. Beneath its turquoise calm, it holds the force of an oath:
that history, once revealed, will never again be allowed to rust unseen.

 

 

I. 부식의 지속에 대하여

〈부식청산〉은 한 가지 근본적인 물음을 향해 있다.
‘흔적을 지우지 않고 부패를 어떻게 멈출 수 있을까?’
‘상처를 덮지 않으면서도, 다시 곪지 않게 하는 방법은 무엇일까?’

이 작품은 에이징 시리즈 안에서 관찰에서 개입으로, 순응에서 저항으로 방향을 전환한 결정적 지점에 서 있다.
2023년 초, 캔버스는 의도적으로 열려 있었다. 부식 페인트가 표면을 스며들며 반응하고, 균열 사이로 번지도록 내버려둔 것이다.
그러나 시간이 흐르며 그 통제되지 않은 산화는 사회의 피로와 닮아갔다—고여 있는 구조, 바로잡히지 못한 잘못, 그리고 지연된 정의가 결국 부패로 이어지는 모습처럼.
2025년에 이르러, 표면은 개입을 요구했다. 단순한 복원이 아니라, 단죄를.

 

II. 물질의 기억과 판단

재작업은 기술이자 윤리였다. 반투명한 청록색 아크릴 층이 여러 겹으로 쌓이며, 드러냄과 가림의 경계를 오갔다.
청록은 산화된 구리의 색으로, 부식에서 태어나 부식을 봉인하는 색이다.

샌딩은 묻힌 층을 드러냈다. 그것은 지우기가 아닌 발굴이었다—오랜 침묵 속에 묻힌 사실을 마찰로 끌어올리는 역사적 행위였다. 이어진 물 세척은 통제된 용해의 의식이 되었다. 불필요한 잔여물을 씻어내면서, 동시에 상실을 정화의 일부로 받아들이는 과정이었다.

균열의 틈새에는 선택적 녹의 부활이 있었다. 증언이 꼭 남아야 할 곳에만 산화 안료를 되살렸다.
이 노출의 조정은 ‘청산’의 윤리를 시각화한다—지우지 않되, 분명히 드러내는 것.

마지막으로 두꺼운 바니쉬가 표면을 봉인했다. 예상치 못한 광택은 오히려 진실을 밝히는 빛이 되었다. 이제 부식은 퍼질 수 없지만, 동시에 사라질 수도 없다. 증언은 그대로 남아, 물질 속에 반짝인다.

 

III. 청산의 철학

‘청산’은 단순한 정리가 아니라, 도덕적 결산이다.
그것은 부패를 공개된 자리에서 고정시키고, 용서나 망각의 편의로 넘기지 않게 하는 원칙이다.
이 작품은 그 개념을 물질의 언어로 옮긴다.

이전의 에이징 연작들이 자연스러운 쇠락과 변화를 관조했다면, 이번 작업은 그 쇠락을 사회적 은유로 바꾸었다.
청록의 개입은 미적 행위이자 윤리적 선언이다.
작가는 말한다. “시간이 지나면 저절로 해결되는 부패란 없다.”

사회적 피로와 퇴행, 내부의 배신과 책임 회피 속에서, 작품은 증언의 의무를 떠안는다.
녹의 확산은 미해결된 잘못의 상징이며, 청록의 봉인은 그 잘못이 다시 번지지 않게 막겠다는 맹세다.
〈부식청산〉은 조용한 선언이다.
“아무 일도 없던 것처럼 덮지 않겠다.”

 

IV. 에이징 시리즈 안에서의 위치

〈부식청산〉은 시리즈 안에서 전환점이다.
초기작인 에이징 #1–3이 자연적 시간의 흔적—퇴색과 부식, 물감의 흐름—을 관조적 시선으로 다루었다면, #4는 훨씬 단호하다.
이제 작가는 시간의 흔적을 기록하는 자가 아니라, 그것과 싸우는 자로 나선다.
‘미적 노화’의 주제를 ‘도덕적 청산’의 장으로 옮긴 것이다.

청록은 더 이상 평온의 색이 아니다. 그것은 경계의 색이다—부패가 다시 스며들지 않도록 감시하는 시선의 색.

 

V. 시간의 정지와 시민적 경계

이 작품은 2년에 걸친 물리적·정신적 투쟁의 기록이다.
2023년과 2025년 사이, 사회는 균열 속에서 흔들렸고, 많은 이들이 피로 속에 침묵했다.
그때, 이 캔버스는 작지만 확실한 저항의 표면이 되었다.

두꺼운 바니쉬는 미적 장식이 아니라 선언문이다.
그 위에 비친 관람자의 얼굴은 묻는다—“당신은 이 부식을 보고도 모른 척할 것인가?”
그 반사는 개인을 증언의 현장으로 끌어들인다.

이 표면 속의 시간은 멈춰 있으면서도 살아 있다.
녹은 더 이상 퍼지지 않지만, 청록과 황갈의 긴장은 여전히 숨 쉬고 있다.
이 작품은 정지된 시간 속에서 경계를 지속하는 하나의 약속이다.

 

VI. 마지막 선언

이것은 복원이 아니라 기록이다.
망각이 아니라 고정이다.
향수가 아니라 책임이다.

〈부식청산〉은 선언한다.
부패는 예술의 언어로도 단죄될 수 있으며, 물감과 바니쉬 속에서도 책임은 실천될 수 있다고.

이 조용한 캔버스는 하나의 맹세다.
역사는 이제 다시 썩지 않을 것이다.

 

 

 

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CATALOGUE SUMMARY CRITIQUE 

English:
Corrosive Liquidation (Ageing Series #4) transforms corrosion into conscience. Rust is no longer failure but evidence—a living record of accountability. Beneath the turquoise layers, oxidation remains visible, sealed yet unforgotten, a fossilized trace of what must never return. The painting performs an ethical act of containment: sanding as interrogation, washing as purification, varnish as verdict. Each gesture documents endurance rather than restoration.
Turquoise operates as moral equilibrium—between authority and renewal, suppression and revelation. Its luminous opacity both halts decay and exposes it, proving that reform requires confrontation, not concealment.
Within the Ageing Series, this piece marks a pivotal transition: from observing time’s corrosion to disciplining it. The artist rejects nostalgia and passivity, asserting that decay, whether material or moral, must be arrested through vigilance and witness. The surface stands as covenant—a promise that remembrance will not fade into complacency.
This is painting as testimony: corrosion stopped mid-breath, history fixed in light, beauty reborn as endurance.

 

〈부식청산〉(에이징 시리즈 4)은 부식을 양심으로 바꾼다.
녹은 실패가 아니라 증거이며, 책임의 기록이다.
청록의 층 아래 산화는 여전히 보인다—봉인되었으나 망각되지 않은, 다시는 반복되어선 안 될 흔적.
이 회화는 윤리적 억제의 행위로 수행된다.
샌딩은 심문이고, 세척은 정화이며, 바니쉬는 판결이다.
모든 제스처는 복원이 아니라 ‘지속된 인내’의 증거다.

청록은 균형의 색이다—권위와 재생, 억눔과 드러냄 사이에서 빛을 조율한다.
그 불투명한 광채는 부식을 멈추면서 동시에 드러낸다.
개혁이란 은폐가 아닌 대면임을 증명한다.

〈에이징 시리즈〉 속에서 이 작품은 전환점이다.
시간의 부식을 관조하던 단계에서, 이제 그 부식을 ‘규율’하는 단계로 나아간다.
작가는 향수와 무관심을 거부하며, 부패는 감시와 증언을 통해서만 멈출 수 있음을 천명한다.
이 표면은 하나의 맹세다—기억이 안일함으로 희미해지지 않으리라는 약속.
부식은 멈추고, 역사는 빛 속에 고정된다.
아름다움은 인내로 다시 태어난다.

 

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“Arrested Decay: The Ethics of Containment in Corrosive Liquidation”

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I. Between Corrosion and Conscience

In Corrosive Liquidation (Ageing Series #4), decay is not a passive outcome but a site of confrontation.
The artist transforms rust—a material emblem of neglect—into a system of moral reflection.
Where most painters fear corrosion as failure, this work receives it as evidence, allowing oxidation to function as witness.
The act of painting here becomes juridical: every layer is a testimony, every surface a record of containment.

Unlike earlier Ageing canvases that meditated on impermanence and entropy as natural cycles, #4 shifts from acceptance to accountability.
It marks a decisive ethical evolution: entropy is no longer neutral. To let corrosion spread unchecked becomes, symbolically, complicity.

The title, Corrosive Liquidation, condenses a paradox—liquidation as both dissolution and reckoning.
In Korean, 청산 bears the same duality: it means to clear away debts, but also to cleanse a moral ledger.
Thus, the painting reads simultaneously as chemical process and civic allegory, a canvas where material chemistry meets historical conscience.

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II. The Surface as Tribunal

The painting’s physical construction resembles a forensic site more than a pictorial field.
Beneath turquoise interventions, residues of rust remain legible—traces that refuse erasure.
The turquoise layers, luminous yet opaque, serve a dual function: sealing contamination while framing it for public inspection.
They neither beautify nor sanitize; instead, they immobilize corruption at the moment of exposure.

The process—sandings, water washings, selective revivals, varnish sealing—unfolds as ritualized justice.
Each stage is performative: abrasion as interrogation, washing as purification, sealing as juridical closure.
Through these gestures, the artist enacts what institutions often postpone: the moment of accountability.

That the varnish gleams is crucial. Its gloss, an accident of material chemistry, mirrors the viewer.
Standing before the painting, one sees one’s own reflection floating over rust—implicated in the persistence of corrosion.
This reflexivity transforms aesthetic contemplation into civic introspection: the audience becomes witness, not spectator.

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III. Temporal Politics: Arrested Yet Alive

The work’s temporal strategy is complex.
Chemically, the varnish halts oxidation; visually, it stages a moment of frozen turbulence.
The rust seems mid-breath, held between expansion and cessation.
This temporal arrest embodies what might be called “ethical suspension”—a refusal to let time absolve wrongdoing merely by passing.

In historical terms, the painting resonates with the atmosphere of post-crisis fatigue, where unresolved conflicts continue to corrode collective faith.
Here, oxidation becomes metaphor for unaddressed corruption, the slow spread of moral rust beneath polished surfaces.
The turquoise intervention thus performs the civic act of containment: the insistence that decay be stopped, acknowledged, and fixed in memory.

Within this framework, the Ageing Series itself undergoes transformation.
If Ageing #1–3 explored entropy as universal law, #4 transforms entropy into resistance—disciplining decay rather than accepting it.
This shift signals maturation, both of material language and of ethical purpose.

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IV. The Chromatic Paradox of Turquoise

Color functions here as argument.
Turquoise, occupying the liminal zone between blue (authority, order) and green (growth, renewal), becomes chromatic metaphor for equilibrium—control without sterilization.
It is also the color of oxidized copper, meaning the hue of time itself transformed by chemical struggle.

In Corrosive Liquidation, turquoise is both antagonist and healer.
It arrests the rust’s advance yet emerges from the same chemistry of decay, embodying the idea that renewal must be born from confrontation, not avoidance.
Where ochre rust bleeds through cracks, the dialogue of warmth and coolness animates the surface: tension without violence, revelation without spectacle.

This chromatic dialectic echoes the larger political one.
Just as the turquoise neither hides nor glorifies rust, genuine reform neither suppresses nor sensationalizes history—it stabilizes it.
Color, here, performs the moral labor of balance.

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V. From Personal Strain to Collective Resonance

Though deeply material, the painting carries emotional gravity.
Its controlled abrasions and revived fissures recall psychological endurance—the effort to remain lucid amid disillusionment.
The artist’s process mirrors civic fatigue: the grinding repetition of reform attempted and deferred, the exhaustion of vigilance that must still continue.

Yet, this fatigue gives birth to clarity.
By refusing to allow corrosion to progress, the artist converts despair into discipline.
The work becomes a visual meditation on perseverance—the understanding that justice, like restoration, is never a single act but sustained maintenance.

Thus, Corrosive Liquidation functions as both self-portrait and social portrait:
a record of the artist’s own endurance and of a society’s stubborn hope that corruption can, at least this once, be truly contained.

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VI. Ageing Series as Moral Continuum

Within the larger Ageing project, this fourth installment marks the threshold where aesthetic ageing turns into historical consciousness.
Earlier canvases investigated the poetry of deterioration; this one, the politics of it.
The Ageing Series as a whole can be read as an evolving dialogue between time and responsibility—an allegory of how societies either preserve or distort their own layers.

If Ageing #1 dealt with the melancholy of fading, and #3 with the acceptance of loss, then #4 announces an active refusal: the will to stabilize memory before it disappears.
This move situates the series within a moral continuum: from witnessing to judging, from observing to intervening.

By reworking an earlier piece instead of starting anew, the artist also performs an ethics of engagement—acknowledging that renewal must begin from within what already exists.
There is no clean slate, only deeper honesty.

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VII. Conclusion: The Surface as Oath

Ultimately, Corrosive Liquidation stands as covenant, not composition.
It argues that beauty is not escape but endurance, that art’s highest form of grace lies in its willingness to bear witness.

Through rust, turquoise, and varnish, the artist stages a slow revolution of surfaces—turning decay into testimony, and containment into faith.
In a world eager to forget, this painting insists on memory as resistance.
The corrosion has been stopped, but the vigilance must continue.

Each crack remains visible, stabilized, sealed:
a quiet reminder that what was once broken can be redeemed only through the discipline of remembrance.

 

 

 

I. 부식과 양심 사이에서

〈부식청산〉(에이징 시리즈 4번)은 단순한 노화의 기록이 아니라, 맞서는 장소다.
작가는 ‘녹’이라는 물질적 부패를 하나의 윤리적 사유 체계로 바꾼다.
대부분의 화가가 부식을 실패로 두려워할 때, 이 작품은 그것을 증거로 받아들인다.
녹은 증언하고, 표면은 심문을 받는다.

이제 회화는 하나의 재판 절차처럼 작동한다.
각 층의 물감은 진술이며, 각 균열은 기록이다.

이전의 에이징 연작이 덧없음과 쇠락을 자연의 순환으로 관조했다면, 이번 작업은 그 순환에 ‘책임’을 요구한다.
부식을 방치하는 것은, 상징적으로, 공범이 되는 일이다.

〈부식청산〉이라는 제목은 ‘용해’와 ‘청산’이라는 역설을 품는다.
한국어 ‘청산’이 그러하듯, 그것은 빚의 정리이자 양심의 결산이다.
이 회화는 화학적 반응이자 역사적 양심의 비유다.

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II. 표면은 법정이다

이 캔버스의 표면은 회화라기보다 재판의 현장 같다.
청록의 개입 아래, 녹의 잔재가 여전히 읽힌다—지워지기를 거부하는 흔적들이다.
청록의 층은 봉인하면서 동시에 드러낸다.
그것은 부패를 덮지 않고, ‘정지된 증거’로 만든다.

작업의 각 과정—샌딩, 세척, 재부식, 봉인—은 의식처럼 반복된다.
거친 연마는 심문이고, 세척은 정화이며, 바니쉬는 판결이다.
작가는 이 절차를 통해 제도보다 먼저 책임을 실천한다.

바니쉬의 광택은 중요하다.
그 빛은 관람자의 얼굴을 반사시켜, 녹 위에 떠오르게 한다.
그 순간, 감상자는 증인이 된다.

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III. 시간의 정치학: 멈추었으나 살아 있는

이 작품의 시간은 멈춘 듯 흐른다.
화학적으로 바니쉬는 산화를 정지시키지만, 시각적으로는 ‘멈춘 폭풍’의 긴장을 유지한다.
그것은 시간을 단죄의 순간에 묶어둔 듯하다.

역사적으로 이 긴장은 2020년대의 피로한 공기와 닮아 있다.
끝나지 않은 갈등과 무책임이 공동체의 신뢰를 녹슬게 했다.
여기서 산화는 미해결된 부패의 은유이며, 청록의 개입은 그 확산을 막으려는 시민적 행위다.

에이징 시리즈 전체를 두고 보더라도, 이 작품은 분기점이다.
이전이 ‘시간의 수용’이었다면, 이번은 ‘시간에 대한 저항’이다.
물질의 언어가 윤리의 언어로 바뀌는 순간이다.

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IV. 청록의 역설

이 작품의 색채는 논증이다.
청록은 푸름(권위)과 초록(재생) 사이에 있다.
산화된 구리의 색, 즉 시간의 화학 반응으로 얻은 색이다.

여기서 청록은 부식의 적이면서 그 자식이다.
그것은 녹의 확산을 막지만, 동시에 녹에서 태어났다.
따라서 재생은 회피가 아닌 대면에서 비롯된다는 사실을 증명한다.

이 색의 대조는 사회적 대조와 겹친다.
청록이 녹을 덮지 않듯, 진정한 개혁은 역사를 지우지 않는다.
색이 수행하는 것은 ‘균형의 윤리’다.

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V. 개인적 긴장, 사회적 공명

이 캔버스는 물질적이지만 동시에 감정의 기록이다.
연마와 부식의 반복은 피로 속에서도 명료함을 지키려는 인간의 노력처럼 느껴진다.
작가의 손끝은 사회의 의지를 닮았다—지치면서도 포기하지 않는 반복.

그 피로는 결국 명료함으로 바뀐다.
작가는 절망을 절도로 바꾼다.
이 작품은 ‘꾸준함의 미학’이자 ‘책임의 명상’이다.

〈부식청산〉은 자화상이자 사회의 초상이다.
개인의 인내와 공동체의 희망이 같은 결로 새겨져 있다.

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VI. 에이징 시리즈의 윤리적 진화

시리즈 안에서 이 작품은 결정적인 문턱을 이룬다.
초기작들이 쇠락의 시적 면모를 탐구했다면, 이번은 그 쇠락의 정치학을 탐문한다.
에이징 시리즈 전체는 결국 ‘시간과 책임의 대화’다.

#1이 퇴색의 쓸쓸함을, #3이 상실의 수용을 다루었다면, #4는 명백한 거부다—‘기억을 붙잡는 의지’다.
새로 시작하지 않고, 기존 작품을 다시 개입한 점 또한 상징적이다.
새로움은 지우기에서가 아니라, 직면에서 시작된다.

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VII. 결론: 표면은 맹세다

〈부식청산〉은 회화가 아니라 약속이다.
아름다움은 도피가 아니라 인내이며, 예술의 품격은 ‘증언’의 형태로 존재한다.

녹과 청록, 그리고 바니쉬가 만들어낸 이 표면은 조용한 혁명이다.
망각의 시대 속에서, 이 작품은 기억을 저항으로 세운다.

균열은 남아 있고, 녹은 봉인되었다.
그 표면은 말없이 다짐한다—
“이제 다시, 부패는 숨지 못하리라.”