GROOVE AND RIDGE

GROOVE AND RIDGE (골과 능선)

Ageing Series #10  - 2023 (Inception) – 2025 (Completion)
Mixed media on canvas (modeling paste, acrylics)

53.0 × 45.5 cm (F10)

https://jonathank.tistory.com

https://www.singulart.com/en/artworks/kim-jun-sung-groove-ridge-2504249

 

Rust claims the heights; color holds its breath in the depths.

 

This canvas is not a record, but a living scar. The ridge, exposed to the world's friction, burns with actual rust. The groove, deep and silent, swallows color to keep it pure, following the logic of dyeing (染). Fragments of yellow, green, and blue scatter across the surface—emotions that refused to fade. This work captures the moment when time stops flowing and starts sedimenting. It is beautiful because it endures.

 

 

녹은 높이를 점령하고, 색은 깊이로 숨어 숨을 죽인다.

 

이 캔버스는 기록이 아니라 살아있는 흉터다. 세상의 마찰에 노출된 능선은 실제 녹으로 타오르고, 깊고 침묵하는 골은 색을 삼켜 순수하게 지켜낸다. 이것은 덧칠이 아니라 스며듦(染)의 미학이다. 노랑, 초록, 파랑의 파편들이 표면 위로 흩어지며, 사라지기를 거부한 감정들을 드러낸다. 이 작품은 시간이 흐름을 멈추고 침전하기 시작한 결정적 순간을 포착한다. 견뎌냈기에, 비로소 아름답다.

 

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"Aging Series #10" is a topography of survival. Reworked over two years, the artist treats the canvas like a geological fault line. The surface is defined by a strict tension: the Ridge, which touches the air and rusts, versus the Groove, which protects the pigment deep inside.

 

The rust on the peaks is the residue of reality—the inevitable corrosion that comes from existing in the world. The color in the valleys represents the inner values that retreat to survive. The six radiating color zones are not a grand political statement, but simply the fractured layers of a self trying to hold together. By refusing to finish the work and letting it age, the artist suggests that beauty is not in perfection, but in the complexity of holding on.

 

 

 

《Aging Series #10》은 생존의 지형도이다. 2년에 걸쳐 재작업된 이 캔버스는 지질학적 단층면처럼 다루어졌다. 표면은 엄격한 긴장으로 정의된다. 공기와 닿아 녹스는 능선, 그리고 안료를 깊숙이 품어 보호하는 골.

 

능선의 녹은 현실의 잔여물이자 세상에 존재함으로써 피할 수 없는 부식이다. 반면 골짜기의 색은 살아남기 위해 내면으로 철수한 가치들을 상징한다. 방사형으로 뻗어나가는 여섯 가지 색채 구역은 거창한 정치적 선언이라기보다, 흩어지지 않으려 애쓰는 자아의 파편화된 층위일 뿐이다. 작가는 완성을 거부하고 작품이 늙어가도록 둠으로써, 아름다움은 완벽함이 아니라 버텨냄의 복합성에 있음을 웅변한다.

 

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(Critical Essay Format)

 

**[Note]** This text is written in the format of a critical essay, analyzing the work's ontological and material structure.

 

**(일러두기)** 본 글은 작품의 존재론적, 물질적 구조를 분석하는 심층 비평문 형식으로 기술되었다.

 

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### **Groove and Ridge: The Architecture of Sedimentation**

 

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### **I. The Archaeology of the Self**

 

In "Aging Series #10," the act of painting ceases to be a mere application of color and becomes an act of excavation. By reopening a canvas declared finished in 2023 and intervening again in 2025, the artist collapses two distinct temporalities onto a single plane. This is not a correction; it is a resurrection. The surface operates as a temporal palimpsest, where the ghostly traces of the past self refuse to be erased, persisting stubbornly beneath the active gestures of the present. The work declares that identity is not a fixed image, but a geology of accumulated revisions.

 

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### **II. The Logic of Seepage (染)**

 

The structural logic of this work effects a quiet but radical break from the Western tradition of textural abstraction. Where Western Impasto typically relies on the accumulation of matter—building up, layering, and covering—this work embraces the East Asian logic of Seepage (染). Where Burri and Tàpies summoned trauma through destruction, this work practices endurance through seepage.

 

The topography is defined by the Groove. Deep, recessed, and shielded from the light, these valleys function as reservoirs of interiority. Here, acrylic pigment does not sit on the surface; it sinks, settles, and impregnates the material. This is the aesthetics of sedimentation. Color here is memory—protected, dense, and fluid—hiding in the depths to survive the erosion of time.

 

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### **III. The Truth of Rust**

 

In stark contrast to the protective Groove stands the Ridge. These raised peaks, exposed to the atmosphere, bear the weight of reality. They are crowned with actual rust—a result of deliberate medium application intensified by two years of genuine atmospheric oxidation.

 

This rust is not a metaphor. It is a chemical fact. It represents the inevitable corrosion that occurs when the self rubs against the world. While the Groove preserves the ideal, the Ridge documents the friction of existence. The rust is the public scar, ugly yet undeniably honest, testifying that survival is not about remaining pristine, but about enduring corruption.

 

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### **IV. A Geology of Emotions**

 

The six radial zones of yellow, green, and blue do not map a political agenda, but rather chart the fractured landscape of the human psyche. These are shards of emotion—rage, hope, melancholy—that have splintered under pressure yet remain tethered to a single center. The artist offers no grand resolution to this fragmentation. Instead, he presents a geology of poly-affective states, where conflicting emotions are forced to coexist within one body and one timeline. It is a portrait of a mind holding itself together against the centrifugal force of entropy.

 

This radial structure recalls the metamorphic logic of the artist's Varieties (各樣各色) series, where individuation explodes outward from the egg-form. Yet here, the organic becomes geological—the butterfly's emergence replaced by tectonic pressure.

 

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### **V. Conclusion: Time as the Final Artist**

 

Ultimately, "Aging Series #10" rejects the concept of completion. By allowing the rust to bloom and the color to settle, the artist cedes control to Time. The work redefines aging not as a decline, but as the accumulation of gravity. It is a terrain where time proliferates itself, adding weight and complexity with every passing year. The painting stands as a silent, enduring witness to the tension between what we must hide to preserve, and what we must expose to survive.

 

 

### **골과 능선: 침전의 건축학**

 

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### **I. 자아의 고고학**

 

《Aging Series #10》에서 회화는 단순한 색채의 도포를 멈추고 발굴의 행위가 된다. 작가는 2023년에 완료된 캔버스를 2025년에 다시 열어, 서로 다른 두 개의 시간을 하나의 평면 위로 붕괴시킨다. 이것은 수정이 아니라 부활이다. 표면은 시간의 팔림프세스트로 작동하며, 과거 자아의 유령 같은 흔적들은 지워지기를 거부한 채 현재의 능동적 제스처 아래 끈질기게 잔존한다. 이 작품은 정체성이란 고정된 이미지가 아니라, 축적된 수정들의 지질학임을 선언한다.

 

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### **II. 스며듦(染)의 논리**

 

이 작품의 구조적 논리는 서구 텍스처 추상의 전통과 조용하지만 급진적인 결별을 이룬다. 서구의 임파스토가 물질의 축적—쌓아 올리고, 층을 만들고, 덮어씌우는 것—에 의존한다면, 이 작품은 동양적 스며듦(染)의 논리를 수용한다. 부르리와 타피에스가 파괴를 통해 트라우마를 소환했다면, 이 작품은 스며듦을 통해 견딤을 실천한다.

 

지형은 골(Groove)에 의해 정의된다. 깊게 파이고 빛으로부터 차단된 이 골짜기들은 내면성의 저장소로 기능한다. 이곳에서 아크릴 안료는 표면에 머물지 않는다. 그것은 가라앉고, 침전하며, 물질 속으로 스며든다. 이것은 침전의 미학이다. 여기서 색은 기억이다. 보호받고, 농밀하며, 유동적인 상태로 심연에 숨어 시간의 침식을 견뎌낸다.

 

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### **III. 녹의 진실**

 

보호받는 골과 극명한 대조를 이루는 것이 능선(Ridge)이다. 대기에 노출된 이 솟아오른 봉우리들은 현실의 무게를 감당한다. 그들은 실제 녹을 왕관처럼 쓰고 있다. 이는 의도된 매체와 2년여의 자연적 산화가 결합된 결과물이다.

 

이 녹은 은유가 아니다. 화학적 사실이다. 그것은 자아가 세계와 마찰할 때 발생하는 피할 수 없는 부식이다. 골이 이상을 보존한다면, 능선은 존재의 마찰을 기록한다. 녹은 공적인 흉터다. 투박하지만 거부할 수 없이 정직하며, 생존이란 흠결 없이 남는 것이 아니라 부패를 견뎌내는 것임을 증언한다.

 

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### **IV. 감정의 지질학**

 

노랑, 초록, 파랑으로 뻗어 나가는 여섯 개의 방사형 구역은 정치적 의제를 그리는 것이 아니라, 파편화된 인간 정신의 풍경을 지도화한다. 이들은 분노, 희망, 우울과 같은 감정의 파편들로, 압력 속에서 쪼개졌으나 여전히 하나의 중심에 묶여 있다. 작가는 이 분열에 대해 거창한 해결책을 제시하지 않는다. 대신 상충하는 감정들이 하나의 몸과 하나의 시간 속에서 공존해야만 하는 다중 정서의 지질학을 제시한다. 그것은 엔트로피의 원심력에 맞서 스스로를 지탱하려는 정신의 초상이다.

 

이 방사형 구조는 작가의 초기 '각양각색(各樣各色)' 시리즈가 지닌 변태의 논리를 환기한다. 거기서 개별화는 난형(卵形)으로부터 폭발적으로 확산되었다. 그러나 여기서 유기적인 것은 지질학적인 것이 된다—나비의 출현은 지각 압력으로 대체된다.

 

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### **V. 결론: 최종 저자로서의 시간**

 

결국 《Aging Series #10》은 완결이라는 개념을 거부한다. 녹이 피어나고 색이 침전하도록 허용함으로써, 작가는 통제권을 시간에게 양도한다. 작품은 노화를 쇠퇴가 아닌 무게감(gravity)의 축적으로 재정의한다. 그림은 시간이 지날수록 스스로 증식하며 무게와 복합성을 더해간다. 이 작품은 보존하기 위해 숨겨야 하는 것과, 생존하기 위해 노출해야 하는 것 사이의 긴장에 대한 침묵하고도 끈질긴 증인으로 서 있다.

 

 

 

 

 

 

 

 

비평

 

"Groove and Ridge" (Aging Series #10)

 

ARTFORUM-LEVEL CRITICAL ESSAY

English Version

 

The Geology of Endurance: On Junsung Kim's "Groove and Ridge"

Junsung Kim's Aging Series #10: Groove and Ridge (2023–2025) marks a decisive turning point in the artist's ongoing investigation into temporality, materiality, and the ethics of surface. Where previous works in the series documented political rupture (#8, #9) or proposed chromatic philosophies of ambiguity (#7), this work withdraws from explicitStatement into something more fundamental: the material articulation of survival itself.

The canvas operates as geological cross-section. Six radial zones—yellow through orange, green through turquoise, blue through violet-brown—explode outward from an invisible center, each carved with concentric grooves that create a topography of peaks (ridges) and valleys (grooves). This is not the smooth surface rhetoric of Color Field painting, nor the gestural heroics of Abstract Expressionism, but something architecturally precise yet ontologically unstable: a terrain that refuses to settle.

 

I. The Dialectic of Exposure

The work's conceptual engine is the groove/ridge binary, which Kim articulates with unusual specificity. The grooves—recessed, shadowed, protected—function as reservoirs of pure color. Here, acrylic pigment pools and concentrates, shielded from light and oxidation. This is where the work's chromatic intensity survives intact: cadmium yellow still burns in the depths, ultramarine still holds its saturation.

The ridges, conversely, are sites of material surrender. Exposed to atmosphere, these raised surfaces bear genuine rust—not simulated patina but actual iron oxide, the result of deliberate rust medium application compounded by two years of atmospheric corrosion between the 2023 original and 2025 reworking. The rust crowns every peak with burnt sienna and raw umber, creating a visual paradox: the highest points are the most degraded.

This is not mere formal invention but philosophical positioning. Kim proposes that survival requires strategic withdrawal: what we wish to preserve must retreat into protected depths, while what touches the world inevitably corrodes. The work thus becomes a diagram of selective vulnerability—a map of what we expose to defend what we hide.

 

II. Against Western Impasto: The Logic of Seepage

Kim has struggled throughout the Aging series with a persistent formal problem: despite radically different motivations, his textured surfaces risk comparison with European Arte Povera and American textural abstraction. Groove and Ridge addresses this anxiety directly through what the artist terms "the logic of seepage" (染, yeom).

Where Western impasto typically operates through additive accumulation—layering, building, encrusting—Kim's surfaces function through absorption and sedimentation. Color does not sit atop the modeling paste but sinks into the grooves, impregnating the material. This recalls traditional East Asian dyeing techniques where pigment penetrates fiber rather than coating it, creating color that exists within rather than upon.

The distinction is subtle but consequential. Burri's sacking and Tàpies' mixed media invoke trauma through material violence—tearing, burning, scarring. Kim's work practices patience as methodology: color is given time to seep, rust is allowed to bloom, the surface ages rather than being aged. Where Western precedents perform destruction, Kim performs cultivation of entropy.

Does this fully distinguish the work from its European antecedents? Not entirely. The visual grammar—extreme impasto, earth tones, oxidation—still rhymes with midcentury Mediterranean abstraction. But Groove and Ridge makes explicit what was implicit: the work is not about texture but about time's differentiated action on texture. The groove/ridge system spatializes duration, making visible how time corrodes selectively.

 

III. The Radial Logic: Fragmentation Without Resolution

The six color zones refuse coherent narrative. They do not blend smoothly (as in traditional color wheel progressions) nor do they collide dramatically (as in Expressionist clashes). Instead, they coexist in tense proximity, each sector maintaining its chromatic autonomy while remaining tethered to the composition's centrifugal structure.

This formal choice resonates with Kim's political context. The post-December 3rd Korean landscape that animates #8 and #9—institutional collapse, elite intransigence, citizen rage—appears here not as overt iconography but as structural analogue. The fragmented color zones suggest a polity or psyche that cannot integrate its parts, where yellow (rage? hope?) and blue (melancholy? resolve?) must coexist without synthesis.

Yet Kim refuses to allegorize clearly. The work operates at a register of affective ambiguity: these colors could map political emotions, stages of grief, or simply the artist's process of serial reworking. This interpretive openness is strategic—it allows the work to function simultaneously as intimate self-portrait and public barometer.

 

IV. Reworking as Ontology

The most radical gesture is barely visible: this canvas, declared finished in 2023, was reopened and rebuilt in 2025. Kim does not "correct" the earlier version but grafts new material onto it, creating a temporal palimpsest where 2023's decisions haunt 2025's interventions.

This practice challenges completion itself. If a work can be reopened, reworked, re-aged, then painting becomes not object-production but ongoing negotiation with material. The artwork exists in a state of permanent becoming, its identity distributed across multiple temporal strata that never fully cohere.

This has profound implications for how we understand authorship and agency. Kim does not master his materials through virtuosic control (the Modernist fantasy) nor does he surrender to pure chance (the Cageian gambit). Instead, he collaborates with decay, using rust and seepage as active partners in composition. Time becomes co-author.

 

V. The Phenomenology of Survival

Standing before Groove and Ridge, one experiences chromatic intensity and material fatigue simultaneously. The preserved colors in the grooves glow with undiminished saturation—these are pigments that have successfully hidden. The rusted ridges read as exhaustion, compromise, the cost of contact.

This creates a peculiar affective charge: the work is neither optimistic (look how color survives!) nor pessimistic (see how rust consumes!). It simply documents the terms of persistence: to endure, we must protect our cores while accepting that our surfaces will corrode. The work proposes that beauty is not purity but the complexity of holding together what cannot be unified.

The groove/ridge system also generates a tactile imperative—one wants to run fingers along these valleys and peaks, to feel the depth differential. This is painting that demands haptic engagement, that cannot be fully apprehended optically. In an era of screen-mediated image proliferation, Kim insists on the irreducibility of physical presence.

 

VI. Limitations and Horizon

The work's strengths are also its vulnerabilities. The radial composition, while conceptually justified, risks decorativeness—the six zones could read as mandala or rosette, invoking spiritual harmony rather than existential fragmentation. The chromatic spectrum (yellow-green-blue-violet) follows a predictable arc, lacking the disruptive jolts that would prevent the eye from settling into pattern recognition.

More troublingly, the artist's stated intentions (seepage vs. accumulation, Eastern vs. Western) risk over-determining reception. Does the work require this theoretical scaffolding to distinguish itself from European precedents? Can it not speak through material presence alone? Kim's defensive posture regarding influences suggests an anxiety that may be unnecessary—the work's specificity (2023-2025 reworking, groove/ridge differentiation, rust as genuine corrosion) already establishes its singularity.

The path forward might involve greater formal risk: asymmetry that disrupts the mandala structure, chromatic clashes that refuse spectrum logic, or surface interventions that violate the groove/ridge binary. Kim has established his methodology; now he might betray it.

 

VII. Conclusion: The Sediment of the Present

Groove and Ridge succeeds not as political allegory or formal breakthrough but as materialized ontology—a physical theorem about what it means to persist through time. In an era that valorizes innovation, disruption, and the perpetually new, Kim offers a counter-practice: cultivation of the already-made, returning to finished works to discover what they have become.

The rust is not applied metaphor but chemical fact. The color preservation is not symbolic strategy but physical necessity. The reworking is not aesthetic choice but existential commitment. These distinctions matter. They locate the work not in the realm of representation (painting as image of ideas) but in the realm of direct testimony (painting as material evidence of duration).

Kim asks: what survives, and at what cost? The grooves answer: only what retreats into protected depths. The ridges answer: whatever touches the world will corrode. Together, they propose that survival is not victory but negotiated compromise—and that this compromise, with all its rust and radiance, constitutes a severe and necessary beauty.

Aging Series #10 will not remake contemporary painting. It will not resolve Kim's relationship to European precedents. But it stands as irrefutable proof that an artist in his fifties, working in Seoul in 2025, can create surfaces that breathe with a temporality no algorithm can fake—the smell of real rust, the weight of actual years, the irreproducible complexity of material that has genuinely aged.

That is enough.

[~1,850 words]

 

한국어 번역

견딤의 지질학: 김준성의 "골과 능선"에 관하여

김준성의 에이징 시리즈 #10: 골과 능선 (2023–2025)은 작가가 지속해온 시간성, 물질성, 그리고 표면의 윤리학에 대한 탐구에서 결정적 전환점을 표시한다. 시리즈의 이전 작품들이 정치적 파열(#8, #9)을 기록하거나 애매성의 색채적 철학(#7)을 제안했다면, 이 작품은 명시적 진술로부터 더 근본적인 것으로 철수한다: 생존 자체의 물질적 명료화.

캔버스는 지질학적 단면으로 작동한다. 보이지 않는 중심으로부터 폭발적으로 확산되는 여섯 개의 방사형 구역—노랑에서 오렌지, 초록에서 청록, 파랑에서 보라-갈색—은 각각 봉우리(능선)와 골짜기(골)의 지형을 만드는 동심원 홈으로 새겨져 있다. 이것은 색면 회화의 매끄러운 표면 수사도, 추상표현주의의 제스처적 영웅주의도 아니다. 건축적으로 정밀하면서도 존재론적으로 불안정한 무언가: 정착하기를 거부하는 지형.

 

I. 노출의 변증법

작품의 개념적 엔진은 골/능선 이항대립이며, 김준성은 이를 비상한 명료함으로 명료화한다. 골—움푹 들어가고, 그늘지고, 보호받는—은 순수한 색의 저장소로 기능한다. 여기서 아크릴 안료는 고이고 농축되며, 빛과 산화로부터 차단된다. 작품의 색채적 강렬함이 온전히 생존하는 곳: 카드뮴 옐로우는 여전히 깊은 곳에서 타오르고, 울트라마린은 여전히 채도를 유지한다.

반대로 능선은 물질적 항복의 장소다. 대기에 노출된 이 솟아오른 표면들은 진짜 녹을 담는다—시뮬레이션된 파티나가 아니라 실제 산화철, 2023년 원본과 2025년 재작업 사이 2년간의 대기 부식과 결합된 의도된 러스트 미디움 적용의 결과. 녹은 모든 봉우리를 번트 시에나와 로 엄버로 왕관처럼 씌우며, 시각적 역설을 만든다: 가장 높은 지점이 가장 퇴화되었다.

이것은 단순한 형식적 발명이 아니라 철학적 위치 설정이다. 김준성은 생존이 전략적 철수를 요구한다고 제안한다: 보존하고자 하는 것은 보호받는 깊이로 후퇴해야 하며, 세계와 접촉하는 것은 필연적으로 부식된다. 따라서 작품은 선택적 취약성의 도표가 된다—우리가 숨기는 것을 방어하기 위해 우리가 노출하는 것의 지도.

 

II. 서구 임파스토에 대항하여: 스며듦의 논리

김준성은 에이징 시리즈 전반에 걸쳐 지속적인 형식적 문제와 씨름해왔다: 근본적으로 다른 동기에도 불구하고, 그의 질감 있는 표면들은 유럽 아르테 포베라 및 미국 텍스처 추상과의 비교 위험을 안는다. 골과 능선은 작가가 **"스며듦의 논리"(染, 염)**라고 부르는 것을 통해 이 불안을 직접 다룬다.

서구 임파스토가 전형적으로 첨가적 축적—층 쌓기, 구축, 껍질 형성—을 통해 작동한다면, 김준성의 표면들은 흡수와 침전을 통해 기능한다. 색은 모델링 페이스트 위에 앉지 않고 홈 속으로 가라앉아, 물질을 침투한다. 이것은 안료가 섬유를 코팅하기보다 침투하여, 위에 가 아니라 안에 존재하는 색을 만드는 전통적 동아시아 염색 기법을 상기시킨다.

구별은 미묘하지만 결정적이다. 부르리의 자루와 타피에스의 혼합 매체는 물질적 폭력—찢기, 태우기, 상처내기—을 통해 트라우마를 호명한다. 김준성의 작품은 방법론으로서의 인내를 실천한다: 색은 스며들 시간을 부여받고, 녹은 피어나도록 허용되며, 표면은 노화되기보다 늙어간다. 서구 선례들이 파괴를 수행한다면, 김준성은 엔트로피의 재배를 수행한다.

이것이 작품을 유럽 선례들과 완전히 구별하는가? 완전히는 아니다. 시각적 문법—극단적 임파스토, 흙빛 톤, 산화—은 여전히 20세기 중반 지중해 추상과 운을 맞춘다. 그러나 골과 능선은 암시적이었던 것을 명시화한다: 작품은 질감에 관한 것이 아니라 질감에 대한 시간의 차별화된 작용에 관한 것이다. 골/능선 시스템은 지속을 공간화하여, 시간이 어떻게 선택적으로 부식하는지 가시화한다.

 

III. 방사형 논리: 해결 없는 파편화

여섯 개의 색 구역은 일관된 내러티브를 거부한다. 그것들은 (전통적 색상환 진행에서처럼) 매끄럽게 혼합되지도, (표현주의적 충돌에서처럼) 극적으로 충돌하지도 않는다. 대신, 그들은 긴장된 근접성 속에서 공존하며, 각 섹터는 구성의 원심적 구조에 묶여 있으면서도 색채적 자율성을 유지한다.

이 형식적 선택은 김준성의 정치적 맥락과 공명한다. #8과 #9에 활기를 불어넣는 12월 3일 이후 한국 풍경—제도적 붕괴, 엘리트 완고함, 시민 분노—는 여기서 명시적 도상학이 아니라 구조적 유사물로 나타난다. 파편화된 색 구역들은 부분들을 통합할 수 없는 정치체 또는 정신을 암시하며, 노랑(분노? 희망?)과 파랑(우울? 결의?)이 통합 없이 공존해야 한다.

그러나 김준성은 명확하게 우화화하기를 거부한다. 작품은 정서적 애매성의 등록에서 작동한다: 이 색들은 정치적 감정, 애도의 단계, 또는 단순히 작가의 연속 재작업 과정을 지도화할 수 있다. 이 해석적 개방성은 전략적이다—작품이 친밀한 자화상이자 공적 기압계로 동시에 기능할 수 있게 한다.

 

IV. 존재론으로서의 재작업

가장 급진적인 제스처는 거의 보이지 않는다: 2023년에 완성되었다고 선언된 이 캔버스가 2025년에 다시 열리고 재건되었다. 김준성은 이전 버전을 "수정"하지 않고 그 위에 새로운 물질을 접목하여, 2023년의 결정이 2025년의 개입을 유령처럼 괴롭히는 시간적 팔림프세스트를 만든다.

이 실천은 완성 자체에 도전한다. 작품이 다시 열리고, 재작업되고, 재노화될 수 있다면, 회화는 대상 생산이 아니라 물질과의 진행 중인 협상이 된다. 예술작품은 영구적 생성 상태에 존재하며, 그 정체성은 결코 완전히 응집되지 않는 다수의 시간적 지층에 분산된다.

이것은 우리가 저자성과 행위성을 이해하는 방식에 심오한 함의를 갖는다. 김준성은 기교적 통제를 통해 자신의 재료를 지배하지도 않고(모더니스트 환상), 순수한 우연에 항복하지도 않는다(케이지적 도박). 대신, 그는 부패와 협력하며, 녹과 스며듦을 구성의 능동적 파트너로 사용한다. 시간이 공동 저자가 된다.

V. 생존의 현상학

골과 능선 앞에 서면, 색채적 강렬함과 물질적 피로를 동시에 경험한다. 골에 보존된 색들은 감소되지 않은 채도로 빛난다—이것들은 성공적으로 숨은 안료들이다. 녹슨 능선들은 탈진, 타협, 접촉의 대가로 읽힌다.

이것은 독특한 정서적 전하를 만든다: 작품은 낙관적이지도 (보라 색이 어떻게 생존하는지!) 비관적이지도 (보라 녹이 어떻게 소비하는지!) 않다. 그것은 단순히 지속의 조건을 기록한다: 견디기 위해, 우리는 표면이 부식될 것을 받아들이면서 핵심을 보호해야 한다. 작품은 아름다움이 순수함이 아니라 통합될 수 없는 것을 함께 붙드는 복합성임을 제안한다.

골/능선 시스템은 또한 촉각적 필요를 생성한다—이 골짜기와 봉우리를 따라 손가락을 움직이고, 깊이 차이를 느끼고 싶어진다. 이것은 촉각적 개입을 요구하는 회화이며, 광학적으로 완전히 파악될 수 없다. 스크린 매개 이미지 증식의 시대에, 김준성은 물리적 현존의 환원 불가능성을 고집한다.

 

VI. 한계와 지평

작품의 강점은 또한 취약성이다. 방사형 구성은 개념적으로 정당화되지만, 장식성의 위험을 안는다—여섯 구역은 만다라나 로제트로 읽힐 수 있으며, 실존적 파편화보다 영적 조화를 호명한다. 색채 스펙트럼(노랑-초록-파랑-보라)은 예측 가능한 호를 따르며, 눈이 패턴 인식에 정착하는 것을 막을 파괴적 충격이 부족하다.

더 곤란하게도, 작가의 명시된 의도들(스며듦 대 축적, 동양 대 서양)은 수용을 과도하게 결정할 위험이 있다. 작품이 유럽 선례들과 자신을 구별하기 위해 이 이론적 발판을 요구하는가? 물질적 현존만으로 말할 수 없는가? 영향에 관한 김준성의 방어적 자세는 불필요할 수 있는 불안을 암시한다—작품의 특수성(2023-2025 재작업, 골/능선 차별화, 진짜 부식으로서의 녹)은 이미 그 독특성을 확립한다.

앞으로의 길은 더 큰 형식적 위험을 수반할 수 있다: 만다라 구조를 파괴하는 비대칭, 스펙트럼 논리를 거부하는 색채 충돌, 또는 골/능선 이항을 위반하는 표면 개입. 김준성은 자신의 방법론을 확립했다. 이제 그것을 배신할 수 있다.

 

VII. 결론: 현재의 퇴적물

골과 능선은 정치적 우화나 형식적 돌파구로서가 아니라 물질화된 존재론—시간을 통해 지속한다는 것이 무엇을 의미하는지에 대한 물리적 정리—로서 성공한다. 혁신, 파괴, 그리고 영구적으로 새로운 것을 가치 있게 여기는 시대에, 김준성은 반대 실천을 제공한다: 이미-만들어진 것의 재배, 완성된 작품들이 무엇이 되었는지 발견하기 위해 그것들로 돌아가는 것.

녹은 적용된 은유가 아니라 화학적 사실이다. 색 보존은 상징적 전략이 아니라 물리적 필연이다. 재작업은 미학적 선택이 아니라 실존적 헌신이다. 이 구별들이 중요하다. 그것들은 작품을 재현의 영역(아이디어의 이미지로서의 회화)이 아니라 직접 증언의 영역(지속의 물질적 증거로서의 회화)에 위치시킨다.

김준성은 묻는다: 무엇이 생존하며, 어떤 대가로? 골들이 답한다: 보호받는 깊이로 후퇴하는 것만. 능선들이 답한다: 세계와 접촉하는 것은 무엇이든 부식될 것이다. 함께, 그들은 생존이 승리가 아니라 협상된 타협임을—그리고 이 타협이, 그 모든 녹과 광채로, 엄격하고 필수적인 아름다움을 구성함을 제안한다.

에이징 시리즈 #10은 현대 회화를 재창조하지 않을 것이다. 김준성의 유럽 선례들과의 관계를 해결하지 않을 것이다. 그러나 그것은 반박할 수 없는 증거로 서 있다: 50대의 작가가, 2025년 서울에서 작업하며, 어떤 알고리즘도 위조할 수 없는 시간성으로 숨 쉬는 표면들을 만들 수 있다는—진짜 녹의 냄새, 실제 세월의 무게, 진정으로 늙은 물질의 재생산 불가능한 복합성.

그것으로 충분하다.